miércoles, 12 de noviembre de 2014

Así se Hizo el Rey León

Cuando en 1994 El Rey León rugió por primera vez en la pantalla grande, la historia de Simba y su padre se adueñó del corazón de toda una generación; y su vanguardista banda sonora, su humor inesperado y fascinantes personajes cautivaron al público del mundo entero.
La película, que siguió a largometrajes de la talla de La sirenita y La bella y la bestia, impulsó el renacimiento de la animación en The Walt Disney Studios, consagrándose como la película animada de mayor recaudación de la historia. (En los Estados Unidos continúa siendo la película animada dibujada a mano más taquillera de todos los tiempos.)
“En esencia, El Rey León en la historia de amor entre un padre y un hijo”, señala el productor Don Hahn, entre cuyos proyectos más recientes se encuentran la película Frankenweenie de Tim Burton y el documental Hand Held. “Trata sobre ese momento en la vida en el que te das cuenta de que tu padre está por legar en ti toda su sabiduría y conocimiento. El “ciclo de la vida”. Tarde o temprano, a todos nos llega el momento de convertirnos en adultos. El presente pasará a nuestras manos y deberemos madurar”.
Una inolvidable historia, con sorprendente animación, adorados personajes y laureada música componen la atmósfera perfecta para El Rey León, un clásico de Disney que sigue las aventuras de Simba, un cachorro entusiasta y ansioso por convertirse en rey. Pero su envidioso tío Scar tiene sus propios planes para ascender al trono y obliga a Simba a exiliarse del reino. Solo y a la deriva, Simba pronto se une a las aventuras de un delirante suricato llamado Timón y su afectuoso amigo Pumba. Adoptando el despreocupado estilo de vida de “Hakuna Matata”, Simba ignora sus reales responsabilidades hasta que advierte su verdadero destino y regresa a su reino para reclamar su lugar en el “ciclo de la vida”. El talento vocal de la versión original en inglés —que incluye a Matthew BroderickNathan LaneWhoopi GoldbergJames Earl JonesJeremy IronsErnie SabellaJonathan Taylor ThomasRobert GuillaumeCheech Marin y Moira Kelly—, su humor vivaz y su edificante mensaje de valentía, lealtad y esperanza la convierten en una fábula eterna para todas las edades.
Producida por Don Hahn y dirigida por Roger Allers y Rob Minkoff, a partir de un guión de Irene Mecchi, Jonathan Roberts y Linda Woolverton, El Rey León presenta cinco populares canciones del legendario cantante y compositor Elton John y el letrista galardonado con un premio de la Academia Tim Rice, y la evocadora banda sonora y supervisión musical del compositor Hans Zimmer.
Ambientada en la imponente belleza natural, el misticismo y la diversidad de los paisajes de África, capturados y estilizados por un equipo de talentosos artistas, el largometraje animado número 32 de Disney es una alegoría de iniciación única y divertida, basada en una historia original que ha pasado a integrar las filas de los clásicos cuentos de hadas y favoritos de la literatura. El Rey León fue clasificada como apta para todo público por el Comité de Calificación de la MPAA.
Para Allers, quien luego dirigió el cortometraje The Little Matchgirl y la película de Sony Pictures Animation Open Season: “La verdadera esencia y emoción de la historia radica en la relación padre-hijo. En una escena de la película, Simba coloca su patita sobre la enorme huella de su padre. Es una imagen que encierra un gran simbolismo. Cuando su padre es alejado de él demasiado pronto, Simba se siente indigno y desorientado. Mi escena favorita es cuando el padre se presenta bajo la forma de un fantasma y le dice a su hijo que su espíritu vive en él”.
Minkoff, quien posteriormente dirigió las películas The Forbidden Kingdom y Flypaper, agrega: “Nos propusimos hacer algo diferente a todo lo que habíamos hecho hasta ese entonces. AladdinLa bella y la bestia y La sirenita eran todas básicamente historias de amor, ésta en cambio se centra en la relación de un padre y un hijo. Y es a su manera igual de crucial e interesante, pero introduce un tema diferente y un cambio de ritmo con respecto a otras películas de Disney”.
Lane, quien luego volvió a trabajar junto con Broderick en la película de Broadway The Producers, recuerda: “Nos enseñaron dos recortes de la película y yo pensé para mis adentros: ‘Pues no sólo es buena, hay algo muy especial en ella’. Evidentemente hay algo [en la película] que conmueve a las personas: por ello fue tan exitosa y la gente no la olvida. [Los realizadores] trabajaron durante un largo tiempo para dar con el tono adecuado para contar la historia; y es por ello que estas películas funcionan y se convierten en verdaderos clásicos”.
Broderick recuerda la primera vez que vio la película con otros espectadores. “No hay nada como sentarse entre el público”, declara. “En ese momento pensé: ‘Qué maravilla, estos niños [algún día] traerán a sus hijos’. Yo podía decir que había formado parte de Blancanieves. Sentía que éramos parte de esas películas que parecían vivir años y años a través de las distintas generaciones”.
Para los más de 600 artistas, animadores y técnicos que intervinieron en el prolongado período de producción de El Rey León, la película presentó más de un desafío. Finalmente, para la película se crearon más de un millón de dibujos, que incluyeron 1.197 fondos pintados a mano y 119.058 fotogramas coloreados en forma individual.
Para preparar a los realizadores para la monumental tarea de capturar la vasta belleza natural de África, seis miembros del equipo creativo viajaron a África oriental durante las primeras etapas de producción. El viaje produjo un fuerte impacto en cada uno de ellos y los ayudó a crear y diseñar las imponentes visuales que convirtieron a El Rey León en una película única y especial. El encuentro cara a cara con leones de verdad y otros animales de la selva ayudó a moldear y definir los papeles que los personajes desempeñarían en la película. Los numerosos bosquejos, fotografías y videos que trajeron consigo, permitieron al director de arte Andy Gaskill y al diseñador de producción Chris Sanders dotar de un auténtico sabor africano a la “África de fantasía” que estaban creando para la película. Las inolvidables imágenes de encendidos amaneceres, el zafiro de las noches, los intensos verdes de la selva y los tonos tierra de las llanuras del Serengeti fueron todos inspirados por este viaje y la profusa belleza natural del lugar.

La idea de una historia de iniciación ambientada en África nació en el departamento de historias de Walt Disney Animation Studios en 1990. El proyecto inicialmente se llamó “Rey de la jungla” y, al igual que la mayoría de las películas animadas, su desarrollo fue evolutivo, y su creación y pulido final requirió varios años.
El productor Hahn señala: “La clave de nuestro proceso de producción, aquí en Disney, es la capacidad y prontitud para desechar lo que no funciona, mover las cosas de lugar o intentar algo completamente diferente. Por ejemplo, durante el proceso de producción, la canción ‘Can You Feel the Love Tonight’ aparecía en varias escenas de la película y era interpretada por distintos personajes, pero, en la versión final, acabó siendo una hermosa balada de amor”.
Para la jefa de historia Brenda Chapman —quien posteriormente dirigió The Prince of Egypt en DreamWorks; y ahora ha hecho de Pixar Animation Studios su nuevo hogar—, se trató de un proceso realmente gratificante pero no exento de su cuota de frustración. “Escribir una historia original definitivamente supone un mayor desafío”, cuenta Chapman. “porque no tienes sobre qué apoyarte. Para empezar, no posees una estructura de base. En ocasiones, nos encontrábamos con que nos habíamos apartado totalmente del camino, pero no lo notábamos sino cuando estábamos sumamente avanzados. La idea original de la historia era que Simba permaneciera con la manada tras la muerte de su padre; pero luego ésta se modificó un poquito. Nuestro trabajo era lograr que Simba fuera un personaje tierno y simpático. Asimismo, debíamos lograr que el entorno y los personajes fueran interesantes. En la vida real, los leones básicamente duermen, comen y no llevan ningún accesorio”.
Chapman reconoce que su viaje a Kenia en 1991 operó un cambio decisivo en el proyecto. “Me apasioné mucho más con la película y me ayudó a abordarla con un conocimiento más profundo de los animales y el medio ambiente. Además, allí surgió la idea del ‘Hakuna Matata’, que es una expresión muy popular del lugar. Los disparatados versos de Rafiki —‘asante sana, squash banana…we we negu, mi mi apana’— también fueron fruto de ese viaje. Formaban parte de un cántico que inventó nuestro guía de niño y que solía entonar en el patio de la escuela sin motivo aparente. A mí me pareció tan entretenido que lo anoté en mi cuaderno de notas y resultó perfecto cuando debimos recurrir a algo así en la escena de Rafiki y Simba”.
En abril de 1992, cuando Minkoff se unió al equipo de dirección, sus miembros volvieron a reunirse para un nuevo intercambio de ideas, y dar un giro y nueva vida a la historia. Durante dos días, el productor Hahn presidió el intenso debate que incluyó a los dos directores y a Chapman; y al que también asistieron Kirk Wise y Gary Trousdale — la talentosa dupla detrás de la historia y dirección de La bella y la bestia—. De estas sesiones, el personaje de Simba emergió con una imagen renovada y la segunda mitad de la película fue radicalmente revisada. Los guionistas Irene Mecchi y Jonathan Roberts luego añadieron divertidas situaciones con los contrapuestos Pumba y Timón, y las hienas.
Mecchi disfrutó el proceso de escritura de una película animada, al cual describe como un proceso en capas. “Estás constantemente retrocediendo y añadiendo una nueva capa”, declara. “Porque como la película se halla en producción durante un período tan prolongado, siempre tienes la oportunidad de mejorar o abordar un tema de un modo diferente y contribuir al desarrollo de los personajes”.
Roberts agrega: “Como escritora, trabajar en una película animada es realmente gratificante porque el proceso del guión gráfico te permite de inmediato visualizar lo que has escrito y ver tu obra en forma de película. Las sesiones de grabación son como los estrenos de prueba fuera de Broadway de las obras de teatro. Puedes escuchar a los actores interpretar tus parlamentos, y luego darte el lujo de regresar y ajustar los diálogos. Es un proceso de gran colaboración y es realmente una satisfacción poder ver cómo cinéfilos de todas las edades reaccionan a tus parlamentos”.

Los artistas de Disney capturan la esencia de África
Al mismo tiempo que la historia comenzaba a tomar forma, el equipo artístico se centraba en la mejor manera de visualizar y estilizar los parajes africanos, de manera que pudieran servir a la historia pero ser lo suficientemente realistas como para no perder verosimilitud. El viaje a África había conferido a Allers, Chapman y al diseñador de producción Chris Sanders una nueva apreciación de los paisajes naturales y los había inspirado a buscar formas nuevas de incorporar estos elementos en el diseño de la película.
El director de arte Andy Gaskill desempeñó un papel clave en definir la estética de la película mediante sus bocetos de color, los numerosos dibujos plasmados en sus cuadernos y sus sugerencias de todo tipo: desde el diseño de los personajes hasta el diseño general y los efectos de la película. Su interpretación —en términos de composición, puesta en escena y diseño— de la secuencia musical del inicio de la película, “Circle of Life”, estableció el tono del realismo estilizado que influiría gran parte de la película. “África es el personaje mudo de la película”, refiere Gaskill. “Deseábamos dar a la dirección de arte el mismo sentido de enorme extensión y escala épica que David Lean logró en Lawrence de Arabia, y tener ese mismo elemento dramático delante de un enorme lienzo en el que el clima y naturaleza también jugaban un papel importante. Queríamos que los espectadores se sumergieran en esa vastedad de la sabana y sintieran el polvo y la brisa meciéndose en los pastizales. En otras palabras, que sintieran verdaderamente la naturaleza y la vivieran como si estuvieran allí. Es muy difícil capturar algo tan sutil como un amanecer o la lluvia que cae sobre un lago, pero esa era la clase de imágenes que queríamos plasmar”.
Hahn añade: “El aspecto de la película celebra la naturaleza cíclica de la vida en la selva y las estaciones de África. En el curso de la historia hay sequías e incendios y finalmente sobreviene la lluvia, símbolo de la vida y la renovación. Para los escenarios, acabamos creando una “África de fantasía”, pero conformado por elementos reales, buscando además acentuar su realismo. Tomamos sitios de distintos rincones de África —Kenia, la Costa de Marfil, hasta Casablanca— y los volcamos todos juntos en una misma película. La poderosa composición y dramáticas pinceladas de N.C. Wyeth nos inspiraron enormemente, así como las dinámicas fuentes de luz y sencillas paletas de color de sus cuadros. La obra de Maxfield Parrish fue otra gran fuente de inspiración, así como los fuertes diseños y el enfoque hacia los personajes ilustrados de J.C. Leyendecker, que eran muy similares a lo que queríamos lograr en la película”.
Minkoff declara: “Cuando recién me uní al proyecto, me pareció que la película tenía muchos de los temas e imágenes de las pinturas y películas clásicas del oeste americano. Teníamos los mismos paisajes épicos, esa luz evocadora y la lucha interior del protagonista frente a su carga de responsabilidad. Estudiar los estilos dramáticos de pintores clásicos, como Frederic Remington y Charles Marion Russell, y observar cómo lograban retratar esa enorme vastedad bajo una luz magnífica nos sirvió de gran inspiración. También las películas épicas del oeste de John Ford y otros grandes directores tuvieron una gran influencia en nuestro enfoque y diseño finales”.
Gaskill atribuye al uso de elementos subliminales como el viento y la luz parte de la magia que contribuyó a que la película cobrara más vida y pareciera más real. “Hay numerosas escenas en las que se oye el susurro de las hojas en el viento, o vemos los pastizales y las melenas de los leones mecerse con la brisa”, señala. “Animar estos fenómenos lleva mucho tiempo, pero logra una atmósfera y un clima que no puedes lograr de otra manera. En otras escenas, el movimiento de las nubes proyecta sombras y genera cambios de luz en el suelo. Sin estos elementos, la escena no hubiera sido ni remotamente tan especial”.
Al supervisor de fondos Doug Ball y su equipo de 20 artistas se les atribuye el mérito de haber añadido profundidad y realismo a la escenografía. El agudo instinto de Ball por el estilo de color y la habilidad para capturar las gradaciones más sutiles de la luz en un paisaje contribuyeron a mantener el tono interesante y verosímil de la película. El extraordinario trabajo del supervisor de efectos Scott Santoro y su equipo añadieron una mayor diversidad de elementos naturales. En su papel como coordinador artístico, Randy Fullmer trabajó codo a codo con los distintos departamentos para asegurar que el aspecto general fuera coherente y fiel a la visión artística integral de la película.
Animar las vastas planicies de África demostró ser otro gran reto para Gaskill y Dan St. Pierre, el supervisor de diseño de la película. “Todo lo que teníamos en esta película era pasto, árboles, tierra y rocas”, cuenta St. Pierre. “Cuando estás trabajando con un personaje que es un cachorro de león de tan sólo 60 cm. de largo, el punto de vista de pronto se vuelve sumamente importante porque es lo único que te permite crear una sensación de escala”.
Otra figura clave del equipo artístico fue el diseñador de producción Chris Sanders, a quien se convocó para que diera rienda suelta a su imaginación y estilo personal en las secuencias más imaginativas de la película. Su inconfundible enfoque gráfico es evidente en los dos números musicales: “I Just Can’t Wait to Be King” y “Hakuna Matata”, así como también en la secuencia final de la lucha entre Scar y Simba.
Sanders, quien refiere que la extravagante secuencia de la canción que da título a la película animada de Disney Los tres caballeros, fue una influencia decisiva en su deseo de convertirse en animador, deseaba experimentar con el aspecto visual de “I Just Can’t Wait to Be King”. “Durante la canción, los animales se comportan de una manera completamente diferente a como lo hacen en el resto de la película”, señala. “Me pareció que sería sumamente extraño que estos animales que eran muy realistas de repente comenzaran a cantar, danzar y trepar unos sobre otros, de manera que sugerí que nos apartáramos del aspecto visual del resto de la película, y la lleváramos al plano de la fantasía, que además así no estaríamos cambiando las reglas.
“En esta secuencia, decidimos relajarnos y ser lo más libres posible; y sencillamente divertirnos con ella”, continúa Sanders. “Empleamos muchos de los patrones naturales que observamos en África, e intentamos crear una visión de monarquía desde la mirada de un cachorro. En cuanto Simba salta a escena, todo el paisaje se disuelve de un mundo a otro. Utilizamos colores más brillantes, formas más marcadas y un enfoque en el diseño completamente diferente para tuviera un aspecto distinto”.
Una innovadora banda sonora lleva a El Rey León a un nuevo nivel
The Walt Disney Studios siempre utilizó la música para dar vida a sus historias. Para El Rey León, los realizadores reunieron a tres talentos de la música para crear una de las más integrales, sofisticadas y deliciosas colaboraciones en la historia del estudio.
El letrista Tim Rice fue el primer miembro del equipo de música en unirse al proyecto. “El estudio me preguntó si tenía sugerencias sobre quién podría componer la música”, cuenta Rice. “Me dijeron: ‘Escoge a cualquier músico del mundo, y escoge al mejor’. Yo les respondí: ‘Bueno, Elton John sería fantástico, pero probablemente no puedan contar con él porque está muy ocupado y no ha compuesto una banda sonora como ésta en 25 años’. Pero ellos le preguntaron y, para mi sorpresa, Elton aceptó”.
El productor ejecutivo Tom Schumacher fue enviado a Londres para presentar la historia a John. “Nos encontramos con un colaborador muy interesado e intuitivo, además de demostrar ser un as en la adaptación de la historia en un musical”, cuenta Schumacher. “Le enseñamos distintos borradores del guión y un primer corte de la película. John nos proporcionó numerosos comentarios y notas que incorporamos en la película y que favorecieron a la producción en su conjunto. Con Tim como nuestro principal nexo creativo, Elton se convirtió en una parte importante del proceso de creación, y a su vez pareció disfrutar cada momento”.
John, quien más recientemente se desempeñó como productor ejecutivo y compuso la música de la película animada Gnomeo & Juliet, señala: “Prácticamente me zambullí de cabeza, Disney es un estudio de primera y de inmediato me agradó el argumento y la gente. Las películas de Disney perduran para siempre, las ven los niños, y las ven los adultos, quienes además se divierten tanto como los primeros. Para mí este proyecto era emocionante y desafiante a un mismo tiempo, que me requería componer de un modo diferente a como lo haría para mí mismo. Me fascinaba que se tratara de una historia de animales, porque El libro de la selva es una de mis películas favoritas de Disney. Creo que El Rey León es una de las películas más divertidas que realizó Disney desde El libro de la selva. De hecho, creo que probablemente sea la película más divertida que jamás hayan realizado”.
Rice comenta que él suele estar acostumbrado a escribir la letra de una canción a partir de la melodía, pero que con El Rey León fue diferente. “Elton es uno de esos raros compositores que prefieren contar antes con la letra”, cuenta Rice. “En el caso de una película como El Rey León, ello demostró ser realmente eficaz, dado que el elemento clave de una película animada de Disney es que todo siga al argumento. Todo surge a partir de la historia”. 
Rice se convirtió en una parte integral del equipo de historia, y las letras de sus canciones pasaron a ser tan importantes para la película como cualquier otro elemento del guión. Además, durante todo el rodaje, Rice mantuvo numerosas reuniones con el productor, los directores y guionistas. Una vez acordadas las letras y la distribución de las canciones, Rice se desempeñaría como “intermediario” de Elton. “Quedé pasmado al ver la rapidez y el brillante método de trabajo de Elton”, cuenta Rice. “Siempre sostiene que si no logra dar con la melodía adecuada en 20 minutos, sencillamente la desecha. Yo lo vi crear ‘Circle of Life’ de principio a final. Le di la letra al comienzo de la sesión cerca de las dos de la tarde pues él no la había querido antes. Hacia las tres y media, había finalizado de componer la música y grabado una increíble demo”.
John y Rice luego volvieron a colaborar en el musical de Broadway Aida y en la película de DreamWorks The Road to El Dorado.
De las cinco canciones que el dúo escribió para El Rey León, “Circle of Life” se consagró quizás como la más significativa al tema de la película. La canción, que sería la tercera que compuso el dúo, de hecho funcionó tan bien, que se convirtió en el himno de la película y se la escogió para abrir la película sin que se introdujera ningún diálogo. La voz principal es interpretada en el más imponente y poderoso estilo gospel por Carmen Twillie, una talentosa cantante con numerosos créditos en cine y grabaciones.

“‘Circle of Life’ señala que todo está interconectado y que todos siempre poseemos cierta responsabilidad por alguien más”, refiere Rice. “Estamos todos vinculados. Ningún hombre, ni león si vamos al caso, es una isla. Esta poderosa canción pareció imponerse, y creo que brinda a la película un comienzo verdaderamente dramático”.
Gran parte de la fuerza y el drama de esa canción y el gran impacto musical de la película se debieron a la contribución del tercer integrante del trío: el compositor y arreglista Hans Zimmer. Su genio por conceptualizar música y la experimentación ayudaron a transformar las melodías esencialmente occidentales de estilo pop, rock y gospel de John en consumadas melodías con fuertes ecos de la sabana africana, que incluyeron cánticos zulúes, numerosos arreglos corales y ritmos e instrumentos emblemáticos de África. Para las numerosas sesiones de voz, el cantante y arreglista oriundo de África, Lebo M., ayudó a Zimmer a reclutar y grabar a cantantes de las ciudades de Los Ángeles y Londres, y Sudáfrica. Además escribió las letras zulúes que aparecen en la canción “Circle of Life” y a lo largo de la película.


“Nuestro doble golpe de efecto en el aspecto musical de la película, fue contar con Tim y Elton por un lado que compusieron esas maravillosas canciones, y luego con Hans Zimmer que las convirtió en un elemento fundamental de la película”, refiere el productor Don Hahn. “El regalo de Elton fue escribir esas melodías memorables, que te conmueven desde lo más hondo. Es un compositor que vuelca todas sus emociones en la música, lo cual es hermoso e increíble a un mismo tiempo. Hahn agrega una nueva dimensión a esas canciones a través de la percusión y la emoción de las voces. Brinda un profundo sentido de la emoción y un sentimiento de pertenencia, y es una verdadera celebración de la música africana. En cierto sentido, él es el cuentista final de la historia, con su habilidad para subrayar las emociones de cada pieza a través de la supervisión de su música y partitura”.
Zimmer manifiesta: “Elton demostró ser un hombre de gran coraje al entregarme sus demos y dejarme hacer lo que quisiera con ellas. Sus canciones eran maravillosas, y yo les añadí un poquito de color. Trabajo en cierta forma como un animador. Compongo una suerte de bosquejo en blanco y negro sobre el piano y luego comienzo a añadir los colores a medida que voy avanzando”.
La decisión de incorporar un gran coro de voces fue de Zimmer. “El músico que toca un instrumento, está básicamente intentando acercarse lo más posible a la emoción de la voz humana. De manera que pensé en ir directo a las fuentes, y reunir a un poderoso grupo de cantantes. La voz nos habla desde la emoción y de un modo mucho más directo que al tener que traducir eso a un instrumento”.

Zimmer y Lebo M. dieron con el sonido coral perfecto, y en abril de 1994, Lebo viajó a BOP Recording Studios en Mmabatho (a 260 kilómetros de Johanesburgo) para trabajar junto con Mbongeni Ngema (Sarafina) y grabar un coro de 30 voces para las últimas canciones.
La versión de “Circle of Life” arreglada por Zimmer fue como una revelación para los cineastas y se ganó el elogio del compositor Elton John. “Fue idea de Zimmer darle un carácter más africano y forma de cántico”, cuenta John. “Su arreglo realmente marcó una diferencia, tanto en la canción como en el comienzo de la película. Se ajusta de un modo hermoso. Siento un gran respeto por su enorme talento como compositor”.
Con sus arreglos musicales y evocadoras partituras, Zimmer contribuyó de varias formas al impacto emocional de la película. “Creo que la música es una maravillosa forma de contar una historia, en especial, en los momentos en los que las palabras se quedan cortas”, señala el compositor. “Las emociones son universales, y la música es el idioma universal”.
Quizás la canción más difícil de componer fue la balada de amor: “Can You Feel the Love Tonight”.Si bien cronológicamente fue la primera que se escribió, esta canción atravesó numerosas modificaciones según esta parte crítica de la historia fue evolucionando y fue reelaborada una y otra vez. Según Rice, en ese extenso período que duró varios años, él llegó a escribir 15 pares de letras para la canción. En un momento dado la canción iba a ser cantada por Pumba y Timón. Convencido del papel fundamental de la “canción de amor” en una película de Disney, John insistió a los directores que, tal como había sido concebida originalmente, fueran Simba y Nala los que la interpretaran. Joseph Williams y Sally Dworsky interpretan la voz de los amantes, y Kristle Edwards prestó la voz de apoyo. La letra original de “Can You Feel the Love Tonight” se puede escuchar en los créditos finales en la versión propia de John.
Para la canción de Simba “I Just Can’t Wait to Be King,” John compuso una melodía fresca, de ritmo rápido, que él describe como una combinación de Eddie Cochran y el estilo Motown. La letra de Rice revela las ambiciones del pequeño cachorro y acompaña las imágenes de fantasía de la canción. Jason Weaver interpreta la voz de Simba, mientras que la talentosa quinceañera Laura Williams, una pianista de formación clásica y miembro del grupo de gospel contemporáneo All God´s Children, presta su voz a Nala. Rowan Atkinson también interviene interpretando a Zazú.
Jeremy Irons hizo su debut como cantante en la gran pantalla con la canción “Be Prepared”, en la cual el villano Scar confiesa sus planes perversos y ambiciones a un ejército de horrendas hienas. Con el equilibrio justo entre la amenaza y el humor, la canción va cobrando cada vez más fuerza a medida que Scar se deja llevar por su entusiasmo y su propia oratoria. El productor Hahn la considera la “clásica canción de un villano, en la que podemos imaginar a Scar retorciéndose el bigote mientras maquina su plan. En un momento se convierte en una suerte de bacanal conga, en la que el público descubre sus verdaderas motivaciones”.
“Hakuna Matata” fue la última canción que se compuso para la película: una encantadora melodía con un dejo de música zydeco, basada en la expresión swahili de “vive sin preocupaciones”. Cantada con gran fervor y un estilo brillante por los veteranos de Broadway Nathan Lane y Ernie Sabella en sus respectivos papeles de Timón y Pumba, esta canción propone una filosofía diametralmente opuesta a la expuesta en “Circle of Life” y ofrece algunas claves sobre cómo será la vida de Simba junto a sus dos nuevos compañeros. Jason Weaver y Joseph Williams se turnaron para interpretar la voz de Simba según pasa de ser un despreocupado cachorro para convertirse en adulto.
Copyright de texto e imágenes © Disney Enterprises. Cortesía de The Walt Disney Company Spain. 

martes, 11 de noviembre de 2014

Así se hizo Big Hero 6



De la mano de Walt Disney Animation Studios, el equipo que hizo posible "Frozen. El reino de hielo" y "¡Rompe Ralph!", llega “Big Hero 6", una comedia de aventuras repleta de acción que cuenta el vínculo especial que se establece entre Baymax, un enorme robot inflable y el niño prodigio Hiro Hamada.

“Tadashi, el hermano mayor de Hiro ha creado Baymax, un robot de última generación que está diseñado para cuidar a la gente”, dice el director Don Hall (“Winnie the Pooh”). “El único deseo programado de Baymax es  ‘¿Qué puedo hacer para ayudarte?’ Es pura compasión. Y Hiro es un adolescente que está perdido así que sus personalidades se complementan de forma divertida a la vez que conmovedora”.

Cuando un devastador acontecimiento arrasa la ciudad de San Fransokyo y catapulta a Hiro a una peligrosa trama, Hiro recurre a Baymax y a sus mejores amigos entre los que están la adicta a la adrenalina GoGo Tomago, el obseso de la precisión Wasabi, el genio de la química Honey Lemon y el fanboy Fred. Hiro está decidido a descubrir el misterio y para conseguirlo transforma a sus amigos en una banda de héroes de alta tecnología llamada “Big Hero 6”.

“Hay un misterioso villano enmascarado dispuesto a todo”, dice el director Chris Williams (“Bolt”). “Hiro se empeña en averiguar quién es ese tipo y qué está tramando. Hiro quiere pararle a toda costa. 

“Es una auténtica odisea”, continúa diciendo Williams. “La amistad que Hiro entabla con Baymax le hace comprender lo que significa en realidad ser un héroe”.

El productor Roy Conli (“Enredados”) afirma que la familia, en la que has nacido y la que encuentras, es el argumento principal de la película. “Es un tema de gran calado con el que el público se identifica inmediatamente”, dice Conli. “Los matices de las relaciones en películas tan entrañables como 'Bambi' o ‘El Rey León’ son tremendamente atractivos. Estas historias tienen algo que llega al corazón de la gente”.

Según Hall, gran parte del mérito de la fuerza de las historias es del reparto de voces que ayudaron a dar vida a los personajes. “Este reparto contribuyó en gran manera a moldear a los personajes”, afirma. “Les dijimos a todos que se apropiasen de los personajes porque a partir de ese momento se vuelven interesantes. De esa forma, los personajes empiezan a parecernos reales”.

“Big Hero 6” presenta las voces de un reparto extraordinario formado por Scott Adsit (“Rockefeller Plaza [30 Rock]”, “St. Vincent”) como Baymax, Ryan Potter (“Supah Ninjas”, “Senior Project”) como Hiro Hamada; Daniel Henney (“X-Men Orígenes: Lobezno”) como Tadashi; T.J. Miller (“Silicon Valley” de HBO, “Transformers: La era de la extinción”, “Cómo entrenar a tu dragón 2”) como Fred; Jamie Chung (“Sin City: Una dama por la que matar”, “Once Upon A Time”, “Resacón 2 y 3”) como GoGo Tomago; Damon Wayans Jr. (“Vamos de polis”, “Finales felices”) como Wasabi; y Genesis Rodriguez (“Tusk”, “Por la cara”) como Honey Lemon. La película también cuenta con las voces de los veteranos actores James Cromwell (“Homicidio en primer grado”, “L.A. Confidential”) como el Profesor Robert Callaghan, Alan Tudyk (“Tell”, “Welcome to Me”, “42”) como Alistair Krei and Maya Rudolph (“Saturday Night Live” de TV, “The Maya Rudolph Show”, “La boda de mi mejor amiga”) como la Tía Cass.

“Resulta difícil imaginar a otras personas haciendo estos papeles”, dice Williams. “Han hecho suyos estos personajes y eso aporta muchísimo a las interpretaciones”.

La película está ambientada en un futuro no tan lejano en la ciudad de San Fransokyo, una mezcla ficticia de dos ciudades emblemáticas -San Francisco y Tokio- tremendamente detallada y para la que el equipo de tecnología de Walt Disney Animation Studios creó una nueva herramienta informática llamada Hyperion.  El resultado final es un aspecto nuevo y atractivo que no se parece nada a lo que el público ha visto hasta ahora en la gran pantalla. 

El productor ejecutivo de la película es John Lasseter. Los guionistas son Robert L. Baird & Daniel Gerson (“Monstruos S.A.”, “Monstruos University”), y Jordan Roberts (“La marcha de los pingüinos”, “A la vuelta de la esquina”). El compositor Henry Jackman ("Capitán América: El soldado de invierno”, “¡Rompe Ralph!”) es el autor de la banda sonora de la película y Fall Out Boy ha escrito e interpretado una canción original llamada “Immortals”.

Repleta de toda la acción trepidante, la emoción y el humor que el público espera de Walt Disney Animation Studios, "Big Hero 6" llega a los cines en 3D el 19 de diciembre de 2014. Está clasificada PG.



UN CHICO Y SU ROBOT
Una historia original sustentada en la investigación, la robótica y una relación especial

Los realizadores de “Big Hero 6” querían crear una película que combinara acción, humor y emoción, pero según el productor Roy Conli no necesariamente en las mismas dosis. “Lo cierto es que los sentimientos y el humor son muy importantes para nosotros y queremos asegurarnos que la acción está justificada en un contexto emocional. Los sentimientos y el humor van de la mano de la acción en ‘Big Hero 6’.”

Inspirada en el cómic de Marvel de mismo nombre, "Big Hero 6" ofrece la acción típica de cómic, pero su mensaje es el vínculo de amistad entre Hiro y Baymax. 

“Hiro es un genio precoz de 14 años”, dice el guionista Robert L. Baird. “Terminó el instituto a los 13 años, pero no está utilizando su talento para hacer el bien Se pasa los días y las noches participando en batallas de robots clandestinas”.

Según el guionista Daniel Gerson, Tadashi, el hermano de Hiro, se las arregla para que su hermano pequeño de un giro positivo a su vida. “Tadashi es un tipo listo y con seguridad en sí mismo”, dice Gerson. “Lleva a Hiro a San Fransokyo Tech y Hiro se queda entusiasmado con lo que pasa allí. Conoce al profesor que inventó los controladores de movimiento magnéticos que Hiro utiliza en sus robots de lucha. Al marcharse, Hiro quiere entrar en la universidad”.

“Pero para acceder a la universidad tiene que presentar algún proyecto”, dice el director Don Hall. “Así que inventa unos robots en miniatura controlados telepáticamente llamados microbots que pueden hacer casi todo lo que podamos imaginar”.

Pero por desgracia, las cosas no salen como están planeadas. “Tadashi muere trágicamente en un accidente mientras intenta salvar a su profesor”, dice Hall. “Hiro está hundido. Echa mucho de menos a su hermano y se sumerge en una espiral de destrucción. Es entonces cuando surge Baymax, un compasivo robot-cuidador diseñado por Tadashi y empieza a arrancar a Hiro de su dolor”.

“En realidad, la película trata sobre el vínculo que se establece entre ellos”, dice el director Chris Williams. “Decidimos desde el principio que la relación más importante sería la que entablan Hiro y Baymax cuando Hiro sufre la pérdida de su hermano. Está claro que queremos que la historia sea muy divertida, pero que también tenga una profundidad emocional que supera todo lo que la gente podría esperar”.  



LA HISTORIA ORIGINAL
La historia representa lo que ocurre cuando dos entidades se unen -un chico y un robot, por ejemplo- y esa mezcla de mentalidades es lo que vemos a lo largo de “Big Hero 6”. Es indudable que la génesis de “Big Hero 6” está en los archivos de Marvel, pero los realizadores afirman que la colección de cómics era pequeña y poco conocida. “Cuando era pequeño me encantaban los cómics de Marvel”, dice Hall. “Cuando estaba trabajando en ‘Winnie the Pooh’, le pregunté a John Lasseter si podía estudiar el mundo de Marvel como inspiración para mi siguiente película. Me animaron a que buscara en los archivos de Marvel y uno de los proyectos que encontré se llamaba ‘Big Hero 6'. No había hablar nunca de esa historia pero me gustó el título y las influencias japonesas. Me parecieron geniales”.

Según Hall, le animaron a desarrollar la idea. “Desde el principio nos dijeron que la hiciéramos a nuestra manera", dice. Así que el estilo del cómic de Marvel se impregnó de la cinematografía clásica de Disney. “Es una película de Disney con mucho ADN de Marvel”, dice Conli. “El equipo de Marvel nos ha apoyado muchísimo y asistió a todas las proyecciones aportando sus comentarios. Pero no nos dieron ninguna directriz aparte de la de hacer una buena película. Todos somos fans de Marvel y admiramos muchísimo su sentido de la acción y la aventura. Así que queríamos que eso formara parte inherente de nuestra narración, junto con el deseo de hacer una película con los sentimientos y el humor que el público espera de la animación de Disney”.


LA INVESTIGACIÓN
Una parte del proceso consistió en investigar el mundo de la robótica para encontrar a Baymax. Hall pasó algún tiempo con los investigadores de la Universidad Carnegie Mellon. Mantuvimos conversaciones muy interesantes sobre los robots en la cultura popular”, dice Hall. “Y supe que estaban haciendo pruebas con robots flexibles, como ese brazo de vinilo que era inflable y no resultaba amenazador. Podía hacer cosas sencillas como lavar los dientes de una persona, pero las posibilidades eran ilimitadas".

Hall y varios miembros del equipo de producción visitaron varias universidades de la Costa Este norteamericana como Harvard y el MIT. Esos entornos sirvieron de inspiración para los laboratorios del San Fransokyo Tech y los investigadores ayudaron a concretar la tecnología que aparecería en la película. “No se suele tomar muy en serio a los robots”, dice Hall. “Pero cuando vimos el brazo de vinilo, la personalidad de Baymax se hizo evidente”. 

Según el jefe de historia Joe Mateo, la personalidad de Hiro también se basó en las investigaciones que llevaron a cabo. “Nos reunimos con gente joven y les preguntamos qué les gustaba, que hacían para divertirse”.

En parte, la pasión que Hiro siente por la tecnología está inspirada en los investigadores japoneses, dice Hall. “Todos estaban influenciados por la cultura pop y los robots japoneses que habían visto en la animación de ese país. Sus robots no se parecen a los occidentales. En Japón, los robots son la esperanza del futuro. Son la clave para mejorar las condiciones de vida de la gente”.

Los asombrosos microbots de Hiro también son fruto de la investigación. “Estudiamos algunas de las investigaciones que se realizan en la UCLA sobre nano robots, como los robots de escala molecular”, dice Hall. “Después fuimos a la Universidad Carnegie Mellon y al MIT y nos reunimos con algunas personas que realizaban investigaciones sobre robots diminutos. Nuestros microrobots están más desarrollados y aunque en la realidad no existe nada de lo que Hiro hace en la película, la tecnología está en marcha. Estoy seguro de que las investigaciones están muy avanzadas. Intentamos adelantarnos lo más posible, pero lo cierto es que la realidad nos pisa los talones”.

Para el final de la película, los realizadores consultaron al experto norteamericano Sean Carroll, un físico teórico de Caltech.  “Realiza investigaciones sobre la gravedad y la cosmología, sobre todo el universo, así como sobre la física de las partículas y la mecánica cuántica”, dice el físico. “Creo que los realizadores han logrado que las cosas tan increíbles que aparecen en la película se parezcan a las investigaciones que se están llevando a cabo en el mundo real. Eso le da cierta verosimilitud a la película. Además, los científicos son gente creativa que también tiene ideas fantásticas”.

El equipo también se documentó sobre el dolor, en particular sobre el efecto que tiene una pérdida en una persona con la edad de Hiro. Varios miembros del equipo de la historia pasaron tres horas con la psicóloga clínica Michelle Bilotta Smith. “Trabajo con gente que ha vivido traumas severos”. 

Smith ayudó al equipo de la historia a saber cómo afrontaría Hiro la pérdida de su hermano mayor porque el proceso de asimilación de una pérdida es diferente en los adolescentes. No es como el de los adultos. “Querían saber cómo se comporta un chico que sufre una depresión”, dice la doctora. “‘¿Cómo sería su habitación? ¿Qué haría?’”

“Nosotros entramos en acción justo después de la pérdida de Hiro, y es un momento muy complicado para situar al protagonista”, dice Williams, que trabajó en la escena en la que Hiro descubre a Baymax. “Me gustan los personajes como Baymax. Son recién nacidos que ven el mundo con mucha frescura. De esa forma podemos volver a ver el mundo a través de sus ojos. El personaje de Baymax es muy inocente, puro y simple y también muy bueno. Y me gustó el potencial cómico que genera esa cualidad que exaspera tanto a Hiro”.


QUIÉN ES QUIÉN EN “BIG HERO 6”
El reparto coral hace posible una película rebosante de acción

Dado que la película se llama “Big Hero 6”, los realizadores sabían que era imprescindible contar con un grupo de personajes muy potente. Puede que una de las cualidades que comparten Marvel y Walt Disney Animation Studios es la forma de construir los personajes. Paul Briggs, jefe de historia, afirma: "Los personajes de Stan Lee tienen problemas, carencias y puntos débiles. No son perfectos pero eso no nos impide quererlos. Parecen reales. Los personajes de ‘Big Hero 6’ no tienen superpoderes mágicos. La tecnología y sus cerebros superdotados son sus poderes”.


“El material original de Marvel nos brindó seis chicos muy interesantes e inteligentes para que pudiéramos desarrollarlos”, dice el productor Roy Conli. “Como decidimos situarlos en un mundo mucho más evolucionado, tuvimos que rediseñar los personajes para la película”. 

De hecho, la película tiene 17 personajes principales, incluyendo a los seis protagonistas, más sus super alter egos. Eso quiere decir que la media de protagonistas que se ven en pantalla supera cualquier otra película de Walt Disney Animation Studios. Los personajes secundarios -incluso la gente que puebla la multicultural ciudad de San Fransokyo- están más detallados que nunca gracias a los avances tecnológicos y artísticos. Unos 700 personajes únicos pueblan la película; teniendo en cuenta que la película "¡Rompe Ralph!", nominada a los Oscar® en 2012, rompió el récord en su momento con 185 personajes, “Big Hero 6” lo pulveriza.

Los realizadores reunieron a un amplio grupo de intérpretes para ayudarles a dar vida a los personajes en la gran pantalla.  



“El único límite es la imaginación”. 
~ Hiro Hamada

HIRO HAMADA, un prodigio de la robótica, tiene la mente de un genio y el corazón de un niño de 14 años: sus robots de combate de última generación dominan las luchas subterráneas de robots que tienen lugar en los oscuros rincones de San Fransokyo. “Es un alborotador”, dice Ryan Potter, que presta su voz a Hiro, "pero en realidad es un buen chico”. 

Afortunadamente, el hermano mayor Tadashi encauza la genialidad de Hiro para que ponga a prueba su intelecto y sea admitido en el Instituto Tecnológico de San Fransokyo. 

“Queríamos que por encima de todo fueran hermanos", dice el productor Roy Conli al referirse a Hiro y Tadashi. “Tadashi es un excelente mentor. Haciendo gala de mucha sutileza, presenta a Hiro a sus amigos para que le cuenten lo que quieren hacer en el San Fransokyo Tech. Cuando Hiro ve en acción a Wasabi, Honey, Go e incluso a Fred, comprende que ahí fuera hay un mundo mucho más interesante”.

Pero un trágico acontecimiento lo cambia todo y Hiro recurre a un robot llamado Baymax. Entre ellos se establece un vínculo inquebrantable y forman las dos sextas partes de una banda de héroes de alta tecnología con una misión transcendental. 

“Hiro está pasando de niño a hombre”, dice el director Don Hall. “Es un momento de transición muy complicado para un niño y los adolescentes tienden a desarrollar una actitud sarcástica y pasota. Afortunadamente, Ryan [Potter] es un chico adorable. Así que logró que en todo momento, el personaje fuera auténtico a la vez que atractivo”.



“He crecido viendo películas de Disney y leyendo cómics de Marvel”, dice Potter. “Así que cuando me enteré que Disney iba a hacer una película inspirada en un cómic de Marvel en el que aparecía un chico asiático-americano, me empeñé en formar parte del proyecto”.

Shiyoon Kim, diseñador del protagonista, se puso enseguida a hacer dibujos de Hiro. No es una casualidad que el personaje tenga el pelo tan revuelto. “Me inspiré en muchas cosas para realizar el peinado de Hiro”, dice Kim. “Pero sobre todo en los adolescentes japoneses. Es un peinado muy popular en Japón”.

Según el supervisor de animación Nathan Engelhardt, que supervisó gran parte de la animación de Hiro, el pelo de Hiro estaba muy alborotado en varios sentidos. “Teníamos un montón de reglas para su mata de pelo”, dice Engelhardt. “Sabíamos dónde iba cada mecha y qué hacer en ciertos ángulos de forma que sus cejas y expresiones pudieran verse debajo del pelo”.

La ropa de Hiro también refleja un look adolescente sutilmente desarreglado con influencias japonesas, sobre todo los bermudas largos. Y a petición de Hall, los artistas dieron al adolescente un look descuidado con un diseño estratégico. La artista de desarrollo visual Lorelay Bove vistió a Hiro con una camisa roja y un diseño de robot para conectarlo con Baymax. “Pero”, dice Bove, “su sudadera de capucha no queda perfectamente colocada en los hombros. Don quería que hubiera cierta asimetría en el look de Hiro”.

La personalidad de Hiro cambia a lo largo de la película, así que nos animadores necesitaban mostrar ese cambio. “Es una historia sobre la iniciación a la edad adulta de Hiro”, dice Engelhardt. “Pasa de ser un chico engreído, egoísta y sabelotodo a un líder seguro y generoso”.

Engelhardt dice que el equipo investigó la forma de mostrar el lado engreído de Hiro: ojos entreabiertos, gestos desdeñosos y arrogantes y su evolución a medida que madura con expresiones más suaves, más sinceras.



“En una escala de uno a diez, ¿cómo calificarías tu dolor?”
~ Baymax

La misión de BAYMAX es cuidar. Para eso lo diseñaron. Técnicamente, la descripción del trabajo del enorme robot inflable es Compañero y Cuidador Personal. Con un simple escaneo, Baymax puede tomar las constantes vitales, y según el nivel de dolor del paciente, tratar casi todas las dolencias. Concebido y construido por Tadashi Hamada, Baymax podría revolucionar la industria de la salud.

La visita de Hall a la Universidad Carnegie Mellon desencadenó la idea de un robot de vinilo inflable, pero fueron los publirreportajes japoneses los que dieron forma al diseño. "Aunque estén vendiendo una olla para cocer arroz",  dice Kim, "siempre hacen hincapié en la estética sin por ello ocultar la tecnología. Queríamos esa filosofía para Baymax porque hace que su apariencia resulte menos amenazadora”.

Pero el diseño de vinilo de Baymax albergaba una dificultad considerable: cómo iluminarlo. “Investigamos muchísimo en el estudio de iluminación”, dice Adolph Lusinsky, director de iluminación y fotografía. “Hicimos pruebas con balones de playa de vinilo, y después realizamos el mismo test en Hyperion. La forma en la que la luz rebotaba alrededor del vinilo parecía exactamente igual que la referencia que filmamos”.

Según Zach Parrish, jefe de animación, su equipo buscó un montón de referencias cuando llegó el momento de reproducir los movimientos de Baymax. “Observamos robots de verdad, robots de películas, y también nos fijamos en bebés con pañales y koalas”, dice. “Al final elegimos a crías de pingüinos porque tienen proporciones corporales similares con torsos largos y patas cortas. Además no usan sus brazos-alas cuando andan. Los robots no tenían que mover nada que no necesitaran mover. Los pingüinos también tienen esa forma tan curiosa de mover la cabeza; el cuello se mueve como un telescopio y eso les da mucha personalidad”.

Baymax no tiene boca así que los animadores tuvieron que hacer prueba de creatividad con este adorable robot. “Le llamamos ‘un-imating’”, dice Mark Henn, jefe de animadores 2D. “Es un término acuñado porque los animadores tienden a hacer demasiado. Y menos es mejor para Baymax. Se convirtió en un ejercicio para capturar una pose muy rápida y que se comprendía fácilmente. Y cuando hablaba, todo residía en el timing, en la cómo mover la cabeza o en cuándo tenía que pestañear”. 

“Teníamos que conseguir una postura que fuera digna”, dice Parrish. “Una inclinación de la cabeza o pestañear dos veces significa que está confuso. Lo maravilloso de esa gestualidad minimalista es que permite al público proyectar en él lo que sienten, lo que les convierte en participantes activos”.

El aspecto de Baymax nos da pistas sobre su personalidad. “Baymax ve el mundo desde una única perspectiva: ayudar los demás”, dice Hall. “Para él, Hiro es su paciente. Al principio, Baymax cree que Hiro está pasando la pubertad y quiere ayudarle. Pero después comprende que Hiro intenta superar la pérdida de su hermano y su misión consiste en recomponer un corazón roto”.

A Hall no sólo le gustó la idea de un robot flexible y amable, sino también en lo que podía convertirse. “Una parte muy importante de la película es que Hiro convierte a este compasivo robot-cuidador en un guerrero de alta tecnología que puede resultar muy peligroso”.

Para Hiro, el cariñoso e ingenuo robot se convierte en algo más que para lo que fue construido: es un héroe, y con toda seguridad el mejor amigo de Hiro. Y después de una extraordinaria reprogramación que incluye un puño cohete, una fuerza extraordinaria y cohetes propulsores que le permiten volar, Baymax se convierte en uno de los "Big Hero 6”.

Los realizadores recurrieron a Scott Adsit para que prestara su voz a Baymax. “El hecho de que su personaje sea un robot limita mucho su capacidad de expresión", dice Conli. Pero Scott estuvo genial. Logró superar esas dificultades y hacer que el lenguaje de Baymax transmitiera sus emociones y su sentido del humor. Scott consiguió que Baymax transmitiera cuánto le preocupan los demás”.

“Todo lo que dice Baymax debe estar programado porque al fin y al cabo es un robot”, dice Adsit. “Pero con el tiempo, a medida que entabla una amistad con Hiro, se adapta y dentro de él hay escondida un alma. Empieza como casi todos los niños, andando con torpeza y con una mirada inocente, y crece haciendo suyas las distintas relaciones que tenemos en nuestras vidas: es un hijo, un hermano, y en última instancia un padre. Así que Baymax es de la familia”.



“¿Te das cuenta? Ahora empieza nuestra historia. ¡Vamos a ser superhéroes!”
~ Fred

Fanboy FRED da la imagen de un tipo muy relajado que no sabe lo que quiere. “De hecho, Fred no es alumno del San Fransokyo Tech”, dice el guionista Daniel Gerson. “De día es la mascota y de noche también es la mascota”.

Pero este hombre anuncio aficionado a los monstruos y a los cómics sabe lo que tiene que hacer cuando llega la hora de la verdad. Por ejemplo, Fred no duda en unirse a "Big Hero 6", y también tiene un montón de ideas para su hipertecnológico héroe. Su feroz alter ego está ahora dotado de garras, comunicaciones integradas y de un sistema de rebote.  Pero su experiencia de mascota anuncio puede resultar muy útil. 

T.J. Miller es la voz de Fred. “Es un auténtico estudioso de la comedia”, dice el director Chris Williams al referirse a Miller. “Su interpretación tiene muchas capas, así que Fred acabó convirtiéndose en un personaje mucho más complejo de lo esperábamos”.

“Me animaron a aportar mi vis cómica al personaje”, dice Miller. “Fue muy divertido improvisar. Es genial trabajar con gente tan dispuesta a colaborar. Una de las mejores cosas del doblaje es que puedes ofrecer diez opciones por cada línea de diálogo que te dan”.



“Deja de lloriquear. Arriba las mujeres”. 
~ GoGo Tomago

El nombre de GOGO TOMAGO le va como anillo al dedo a este personaje porque sabe perfectamente lo que se necesita para ser rápida. Es fuerte, atlética y leal hasta la médula, pero no es una gran conversadora. Lo que gusta es hacer globos de chicle y soltar sarcasmos. “GoGo es un terremoto”, dice Jamie Chung sobre su personaje. “A pesar de que se transforma en heroína, sigue siendo muy dura. Es fuerte y se basta a sí misma”.

“Es muy directa”, dice Paul Briggs, jefe de historia. “Es un personaje tremendamente divertido. Me encanta lo dura que es”.

“Seguramente es el personaje con más vocación para convertirse en superhéroe”, añade Gerson. “Es su verdadero yo”.

Esta adicta a la adrenalina está en su elemento cuando va sobre ruedas y cuando se une a "Big Hero 6” se desliza mejor que nunca, usando discos maglev como ruedas, escudos y armas arrojadizas. "Es una mujer de pocas palabras”, dice Hall. "Es muy espabilada y nos inspiramos en los mensajeros que van en bicicleta para definir su personaje”.

Los artistas se fijaron en actores como John Wayne, Clint Eastwood, Gary Cooper y otros cowboys para estudiar rasgos fríos, con emociones muy contenidas. También analizaron patinadores de velocidad para hacer el tipo de cuerpo y los movimientos de GoGo. Parrish dice que es suave y directa. “Tiene muchísima personalidad”, afirma. “Ella toma el camino más corto para llegar a su destino y se queda parada. Con una mirada inexpresiva se limita a estallar un globo de chicle. El gesto lo dice todo: 'Soy demasiado guay para ti.’”



"Hay un lugar para todo y todo está en su lugar”.
~ Wasabi

WASABI es superinteligente y algo neurótico. Pero este obseso de la precisión grande y corpulento no duda en unirse a la causa cuando Hiro más le necesita. 

“Siempre he sido un gran fan de Wasabi”, dice Williams. “En realidad es el más conservador, prudente y normal del grupo de personajes. Es el que aporta realismo a la película y en el segundo acto se convierte, en cierto modo, en la voz del público y les hace ver que lo que están haciendo es una locura”.

Los realizadores contrataron a Damon Wayons Jr. para poner voz a Wasabi. “Me identifico bastante con Wasabi”, dice Wayans. “Tengo un lugar para cada cosa. Necesito que mis libros estén dispuestos de cierta manera. Necesito oler bien siempre. Está claro que hay un pequeño Wasabi en mí”.

Wasabi fue en su momento un personaje muy zen, con rastas muy zen. “El neurótico Wasabi es tremendamente divertido”, dice Engelhardt. Pero cuando los realizadores definieron su personalidad, decidieron que este obseso de la precisión no podía pasar del champú y le cortaron el pelo. Pero ese look no duró. Al final, a todo el mundo le gustaban demasiado sus rastas tan graciosas. 

Como parte de "Big Hero 6", Wasabi amplía sus habilidades en artes marciales con un asombroso armamento con hoja de plasma. El adjetivo "afilado" no es suficiente para describir a este tipo. Pero los animadores debían tener cuidado cuando surgían las cuchillas. “Con un giro de muñeca, Wasabi podría cortarse la mano, así que los animadores tuvieron que inmovilizarle las muñecas”, dice Parrish. 



"Eso es una reacción química”. 
~ Honey Lemon

Para el genio de la química HONEY LEMON, todo es elemental. Pero no dejes que sus gafas y su estilo funky te confundan: Honey puede ser tan dulce como la miel, pero arde por dentro. Además su actitud temeraria es prácticamente imparable. “Todo lo ve a través de sus gafas”, dice Williams. “Pero Honey es algo más que una científica chiflada”.

Según Engelhardt, los realizadores aprovecharon la personalidad desbordante del personaje dándole rasgos exagerados e infundiéndole algunas cualidades de anime en sus posturas. Pero era difícil encontrar el equilibrio adecuado para el personaje. Engelhardt afirma: “Honey tiene una personalidad divertida y efervescente, pero no es una cabeza hueca, es muy lista. Sabe muchísimo de química. Pero queríamos sacarla de su mundo, sobre todo cuando conoce a Hiro. Y es un verdadero vendaval. Habla sin parar, se entusiasma con todo y es tremendamente simpática”.

Genesis Rodriguez es la voz de este personaje de ojos y cerebro brillantes. “Es muy optimista, muy alegre y en eso se parece a mí”, dice Rodriguez. “Yo solía estar en un equipo de robótica, así que me encanta que sea tan femenina y que le guste la ciencia. Fue muy fácil interpretar a este personaje”.

Honey es muy inteligente. Sus conocimientos de alquimia resultan muy valiosos cuando este efusivo cerebrito se une a “Big Hero 6” y crea fantásticas pociones que logran sacarla de casi todos los apuros.

“Tiene un bolso que es una tabla periódica programable y la utiliza para hacer armas de forma instantánea, como mejunjes para paralizar a los malos”, dice Rodriguez. “Es muy divertido. Ojalá tuviera un bolso así”.



"Vamos a dar de comer a esos cerebros hambrientos”.
~ Tía Cass

Con la voz de Maya Rudolph, la TÍA CASS es el apoyo incondicional de los hermanos Hiro y Tadashi a pesar de su absorbente trabajo. “La Tía Cass es la tía que querrías tener o querrías ser”, dice Maya Rudolph, que presta su voz al personaje. “Quiere muchísimo a estos chicos”.

Es propietaria de una conocida panadería y cafetería de San Fransokyo y está muy orgullosa de sus dos geniales sobrinos. Siempre está dispuesta a echar unas risas y dar un buen abrazo, y hace las delicias de los chicos con una maravillosa comida casera.

“Quería que la Tía Cass representara las buenas vibraciones de San Francisco”, dice Hall. “Siempre la imaginé como la segunda o tercera generación de hippies. Es divertida, bastante pasota y desborda energía, y Maya la representaba perfectamente. Se identificó con el personaje desde el primer momento”.  

“Me animaron a que aportara mis dotes para la comedia al personaje de la Tía Cass”, dice Rudolph. “La historia tiene muchos tipos de sentimientos, y la Tía Cass era un personaje que no podía faltar en el viaje que emprende Hiro”.



“Despierta. Utiliza ese cerebro que tienes para encontrar soluciones”.  
~ Tadashi Hamada

TADASHI HAMADA es un buen tipo. Sí que lo es. De hecho, desarrolló, construyó y programó un robot-cuidador de última generación llamado Baymax que podría ayudar a millones de seres en todo el mundo. Pero es su papel de hermano mayor lo que hace tan especial a Tadashi. Todos los niños necesitan que alguien como Tadashi cuide de ellos, y Hiro sabe lo afortunado que es por tenerlo en su vida. “Tadashi es la roca a la que se agarra Hiro”, dice Daniel Henney, que presta su voz al hermano mayor. “Perdieron a sus padres hace años, así que Tadashi es la figura paterna, y en muchos sentidos, el alma de la familia”.

Pero, añade Henney, Tadashi también sabe cómo manejar a un chico como Hiro. “A veces tienes que manipular un poco la situación para que la gente se dé cuenta de las cosas”, dice. “En vez de decirle a Hiro lo que tiene que hacer con su vida, Tadashi le hace creer que lo que más le conviene es idea suya”.

Son la viva imagen de unos hermanos, dice Williams. ““Tengo un hermano, así que sé cómo funcionan ese tipo de relaciones”, dice Williams. “Te ríes de tu hermano pequeño, te burlas de él, pero al mismo tiempo existe un vínculo increíble y mucho amor. Nunca dejarías que nadie se metiera con tu hermano”.



“Superamos los límites de la robótica”.
~ Robert Callaghan

El PROFESOR ROBERT CALLAGHAN dirige el programa de robótica del prestigioso Instituto Tecnológico de San Fransokyo y es profesor y mentor de Tadashi. Cuando Hiro visita la universidad por primera vez queda deslumbrado por este genio de la robótica de renombre mundial. Y Callaghan ve enseguida el enorme potencial de este niño prodigio de 14 años y le anima a sacar provecho de su cerebro. 

Los realizadores recurrieron a James Cromwell para poner voz a Callaghan. “Es culto. Es responsable y se dedica en cuerpo y alma a la ciencia pura”, dice Cromwell sobre su personaje. “Pero no menosprecia a sus alumnos ni a Hiro. Tiene una actitud paternalista. Sabe cómo despertar sus mentes porque comprende que tienen una inteligencia superior”. 



“Soy Alistair Krei. De Krei Tech Industries”.
~ Alistair Krei

El visionario empresario y gurú de la tecnología, ALISTAIR KREI es el antiguo alumno más ilustre del Instituto Tecnológico de San Fransokyo. Es propietario de Krei Tech, la mayor compañía de tecnología del mundo, y siempre está a la caza del próximo invento. Krei participa en la presentación de San Fransokyo Tech y queda impresionado por el talento de Hiro. 

Alan Tudyk es la voz que da vida a Krei. 


“Si queremos estar a la altura de este tío, necesito que espabiléis”.
~ Hiro Hamada



YOKAI  es el hombre enmascarado responsable de la terrible tragedia que golpea San Fransokyo y que pone patas arriba el mundo de Hiro. “Hice un montón de versiones de la máscara Kabuki de Yokai”, dice Shiyoon Kim, diseñador del personaje protagonista. “Nos decantamos por una máscara blanca que tenía algo de misterioso y que contrastaba con el atuendo negro de Yokai”.

Como resultado, Hiro transforma un grupo de frikis en "Big Hero 6", un equipo hipertecnológico que lucha contra la delincuencia y que tiene una misión: encontrar a Yokai y llevarlo ante la justicia. 


EL PAPEL DE LAS MASAS
Además de los personajes protagonistas de “Big Hero 6”, hay cientos de personajes que conforman el segundo plano. Los realizadores querían que el escenario ficticio de San Fransokyo fuera una ciudad auténtica y verosímil. Y una ciudad como San Fransokyo necesitaba gente, mucha gente, de formas, tamaños y culturas diferentes y con maneras diferentes de abordar la moda. 

Aquí entra Denizen, un sistema patentado creado por el equipo de Walt Disney Animation Studios, que revoluciona la forma en la que los artistas crean masas animadas. “Para crear y dotar de vida a esos personajes”, dice John Kahwaty, supervisor de montaje de personajes, "teníamos encontrar la forma de que evolucionaran con la historia y crearlos a medida que los necesitáramos”.

Según Kahwaty, Denizen es un sistema de integración y desarrollo de personajes dentro de un pequeño paquete. “Ingiere un número reducido de personajes que definen el estilo de la película, los analiza y los compara”, añade. “A continuación, proporciona al diseñador de personajes una manera de ver todas las piezas que creamos inicialmente y las mezcla para crear un modelo final, la ropa, el pelo, y el look que pueden insertarse inmediatamente en un plano, animado y renderizado”.

El sistema creó 670 personajes diferentes, comparados a los 270 de “El reino del hielo”, 185 de “¡Rompe Ralph!” y los 80 de “Enredados”. Cada uno de los 670 personajes tiene hasta un máximo de 32 combinaciones de vestuario diferentes, además de 32 peinados y tonos de piel distintos. Esto hizo posible que los realizadores invitaran a 686.080 personajes diferentes a la fiesta de San Fransokyo sin que se produjeran repeticiones exactas. 

Denizen hizo posible estos personajes customizados y se animó al personal de WDAS que se recrearan ellos mismos como personajes de segundo plano. Como resultado, 200 empleados de WDAS hacen cameos en los planos de masas de la película.




EN LA LOCALIZACIÓN
Los realizadores aprovechan la última tecnología para crear la mezcla de estilos de una gran ciudad

Los realizadores decidieron situar su historia repleta de acción en un mundo totalmente nuevo que abarcara las influencias japonesas, pero que a la vez fuera algo que el público no hubiera visto jamás. “Pensé en San Francisco”, dice el director Don Hall, “que es un entorno maravilloso, pero también se me ocurrió mezclarlo con Tokio. Era un escenario más interesante, más exótico. Y además nos lo podíamos inventar. Las posibilidades visuales de esas dos ciudades, que son muy diferentes en su estética, pero en la historia se funden para dar lugar a un lugar tremendamente atractivo”.

“San Francisco tiene tantos lugares emblemáticos y una historia tan rica. Es una ciudad conocida mundialmente”, dice el productor Roy Conli. “Tokio, con sus luces de neón y su energía, es absolutamente maravillosa. Y la combinación de ambas es la localización perfecta para esta película”.

Los realizadores viajaron a la costa de California para visitar la primera de las dos urbes. “Pasamos tres días recorriendo la ciudad en coche, por el Golden Gate, Coit Tower, Market Street y Japantown”, dice Hall. “También estuvimos en Angel Island”.

El equipo vio la ciudad desde el suelo, grabando muchos kilómetros a pie y desde el aire, con maravillosos paseos en helicóptero. Según Hall, San Francisco no sólo fue una fuente de inspiración para los realizadores. “Queríamos que San Francisco fuera nuestra localización geográfica en sentido literal”.

Los artistas recurrieron a un programa de software que les proporcionó una maqueta completa de San Francisco, desde la configuración de las calles al tamaño de las manzanas, las zonas comerciales y las residenciales. “Teníamos a nuestra disposición lo que se podría denominar un mapa analítico del condado de San Francisco”, dice el diseñador de producción Paul Felix. “Eso nos permitía desmenuzarlo y encontrar el tipo de edificios que queríamos en un terreno o distrito en particular. Pudimos hacer prototipos y después multiplicarlos gracias al programa para que hubiera variedad. No hay dos edificios iguales pero todos se parecen”.

“De hecho, visto de lejos parece San Francisco”, añade Driskill. “Tiene los edificios adecuados en el lugar adecuado y tienen el tamaño adecuado. No está todo inventado porque se basa en datos reales porque queríamos que pareciera auténtico”.

Los artistas afinaron el diseño al máximo para transformarlo en San Fransokyo. De hecho algunas colinas son más empinadas y los edificios del centro resultarían demasiado altos en la realidad, pero todo se basa en la geografía real. 

Según Felix, Tokio aporta ciertos elementos estéticos. “Adoptamos el estilo visual de la arquitectura de Tokio”, afirma Felix. “Nos inspiramos en el diseño urbano de Tokio, sus enormes obras públicas y la densidad. También en la configuración de algunas calles: por ejemplo, en algunas calles las aceras son mínimas. Queríamos estar seguros de que esas ideas llegaran al público y que pudieran creer que se trataba de un país asiático”.

Los artistas llenaron la ciudad con señalizaciones. Se recurrió a un diseñador gráfico que durante más de dos años creó muchísimos diseños para rellenar la enorme ciudad. 


HOGAR DULCE HOGAR
Hiro y Tadashi Hamada viven con la Tía Cass en una casa que está encima de su panadería. El director artístico Scott Watanabe creó el edificio de tres pisos en el que se funden los estilos japonés y victoriano. En el interior, los artistas le dieron a la casa un estilo bohemio. “Hay una hamaca, plantas colgadas, macramé y grandes motivos en color en las paredes”, dice Felix. “Hay muebles tradicionales japoneses como una mesa de comedor baja. Y también hay un papel pintado con diseños victorianos pero con matices japoneses. 

“Queríamos asegurarnos que la casa tuviera historia”, continúa diciendo Felix. “Tenía que parecer improvisado”.



EN CASA LEJOS DE CASA
San Fransokyo Tech es una mezcla del estilo español de la Universidad de Stanford con la arquitectura japonesa. “Analizamos campus como él de Caltech”, dice Felix, “donde hay un campus original diseñado a principios del siglo XX. Con el tiempo, ha ido incorporando otros estilos”.

El supervisor técnico Han Driskill acompañó a Felix y al supervisor de efectos visuales Kyle Odermatt a Jet Propulsion Lab en Pasadena. “El viaje a JPL fue una visita de campo para ver sus laboratorios”, dice Driskill. “Estudiamos de forma pormenorizada sus instalaciones para diseñar el espacio en el que Hiro y los demás iban a construir su artefacto. Y la compañía JPL está especializada en la construcción de componentes para sus sondas y módulos de aterrizaje. También visitamos algunos de sus laboratorios especializados en nanotecnología y robótica. Con esto se complementaban los viajes que habían realizado los directores a laboratorios de robótica en Estados Unidos y en el extranjero, y sin lugar a dudas contribuyó a conformar el aspecto del laboratorio de San Fransokyo Tech”.

La tecnología era omnipresente en esta ciudad con toques futuristas así que los realizadores incorporaron turbinas de viento en el espectacular paisaje. Por supuesto, la idea era que la ciudad se enclavara temporalmente en un futuro no muy lejano y que funcionara con energías limpias. El artista Kevin Nelson creó formas gigantes inspiradas en cometas japonesas. “Tenía que ser bonito pero también funcional”, dice Felix al referirse al diseño. “Kevin conoce el lado técnico de su trabajo de diseñador, así que todo tiene un aspecto atractivo pero también tecnológico, el tono perfecto para nuestra ciudad”.



HACIÉNDOLO REALIDAD
El elaborado diseño de San Fransokyo, con su envergadura, sus grandes masas y sus infinitos detalles, fue posible gracias a un nuevo invento llamado Hyperion. 

Brent Burley, Sean Jenkins y Chuck Tappan de Walt Disney Animation Studios dirigieron un equipo de desarrolladores para crear esta herramienta de renderizado. “Nos enfrentábamos a dos dificultades”, dice. “Existía una complejidad cada vez mayor debido a los límites de la memoria” dice Burley, jefe ingeniero de software. “Y también queríamos que la iluminación fuera más rica, más compleja a la vez que más eficiente. Así que tuvimos que invertir muchas horas”.

“Por regla general los programas de render cargan de una forma u otra toda la escena en la memoria”, explica Hank Driskill, supervisor técnico de “Big Hero 6”. “Los ordenadores no soportaban la enorme carga de nuestro trabajo. Así que empezamos a descomponer las escenas en capas, renderizábamos todas las capas y luego las volvíamos a montar para lograr la imagen definitiva. A los artistas les resultaba cada vez más difícil manejar los datos”.

El programa Hyperion de Disney permite a los artistas especializados en iluminación a centrarse en la vertiente artística y no en manejar ingentes cantidades de datos. “Supera muchos problemas complejos y permite obtener una simulación de iluminación muy realista a pesar de la complejidad”, dice Adolph Lusinsky, director de fotografía-iluminación. “Además, Hyperion resulta muy sencillo porque el artista tiene que manejar menos mandos y aun así el resultado es mejor”.

Según el CEO de tecnología Andy Hendrickson, Hyperion logra imitar mejor lo que ocurre en el mundo que nos rodea. “Decidimos copiar la física de la vida real en lo que se refiere a la forma en la que los rayos de luz rebotan, en cómo interactúan con los materiales y lo que ocurre cuando un rayo de luz rebota”.

El sistema permite múltiples rebotes, que es cómo funciona la luz natural. El productor Roy Conli afirma: "Una vez que se reproduce lo que ocurre en la naturaleza, los artistas pueden centrarse en darle un aspecto cinematográfico. Una película de acción real no tiene luz natural, es algo muy estratégico. Así que ahora el equipo de iluminación puede dedicar más tiempo en iluminar una escena, lo mismo que harían en una película de acción real”.

“Baymax es como un globo gigantesco”, dice Jenkins, supervisor técnico de Hyperion. “En nuestros primeros tests nos dimos cuenta que el vinilo blanco era un material muy difícil de iluminar. La luz pasa a través y rebota varias veces. Rebota un montón de veces hasta que empieza a salir bien. Así que sin esta nueva herramienta hubiera sido muy difícil o prácticamente imposible simular el aspecto que queríamos. No se parecería a lo que vemos ahora”.

Hyperion también permite a los realizadores estudiar más a fondo el mundo que han creado. “Hemos hecho planos aéreos con miles de personajes”, dice Tappan, que trabajó en la integración artística de Hyperion. “Cuando Baymax y Hiro vuelan por primera vez lo hacen sobre San Fransokyo. Es una secuencia espectacular. El arte desafía a la tecnología”.

El software llevó dos años de trabajo y, en muchos sentidos, “Big Hero 6” estaba en el sitio adecuado en el momento adecuado. Además era la película perfecta para adoptar el nuevo renderizado ya que exigía el tipo de configuración compleja para la que se construyó Hyperion. “No hubiéramos podido hacer ‘Big Hero 6’ con las herramientas que utilizamos para hacer 'El reino del hielo'", dice Burley. 

“La cultura que predomina en Walt Disney Animation Studios nos permite asumir riesgos cuando se trata de nueva tecnología”, dice Tappan. “Gracias a Hyperion pudimos cambiar muchas cosas. Hacer un nuevo renderizado es uno de esos cambios. Y ahora que lo hemos hecho, la gente de este edificio se siente capaz de hacer cualquier cosa”.



SUENA BIEN
La banda sonora de “Big Hero 6” brilla con la música de Henry Jackman y la
canción original “Immortals” de Fall Out Boy

En una película en la que las mezclas abundan, es lógico que la música combine la banda sonora orquestada del compositor Henry Jackman con los sonidos de sintetizador y la música original de la banda americana de rock Fall Out Boy. “La música da el tono emocional de la película y ensambla maravillosamente bien las escenas”, dice el director Don Hall. “Queríamos una banda sonora que fuera melódica con temas muy potentes, e ir un poco más lejos introduciendo música electrónica. Henry Jackman supo engarzarlo todo con gran brillantez”.

Jackman (“Capitán América: El soldado de invierno”, “¡Rompe Ralph!") ha compuesto una banda sonora que rinde homenaje a la acción de estilo cómic de “Big Hero 6”, a la tecnología más vanguardista y, por supuesto, a las amistades tan especiales que se entablan en la película. “Hay muchas piezas que son un híbrido al estar medio orquestadas y medio producidas en un estudio de grabación", dice Jackman. “Sería muy tentador hacer música robótica para Baymax, y hay algunas texturas de sintetizador, pero a medida que avanza la historia, comprendes que la relación entre Baymax y Hiro es exactamente igual que la de cualquier otra entre dos protagonistas. El potencial dramático de la amistad de Hiro y Baymax se amplifica gracias a una música muy personal y a menudo con ayuda de una orquesta. Es uno de los dúos más fusionales con los que me he encontrado en una película”.

Jackman utilizó una orquesta de 77 instrumentos para la música de la película. “Para mí, en una banda sonora como esta en la que hay una carga emocional muy fuerte y también heroísmo, es muy importante que los músicos toquen juntos. Lo mejor es que todos estén en una misma sala. Se motivan unos a otros”.

Se recurrió a Fall Out Boy para que compusieran e interpretaran la canción de la secuencia de la película en la que el equipo de “Big Hero 6” pasa de ser un grupo de individuos inteligentes a una banda de héroes de alta tecnología. ¿Su misión? Ayudar a Hiro a desenmascarar al villano y averiguar lo que le pasó a Tadashi. “La idea de un chico que da la cara en nombre de su hermano es lo que inspiró el título de la canción ‘Immortals’”, dice Patrick Stump. “Tus victorias no son sólo tuyas, así que el hecho de que toda esa gente se una para ayudarle para llegar al fondo de la cuestión es tremendamente interesante”.

“En la escena, prueban sus nuevos super trajes por primera vez”, dice Pete Wentz. “A veces funciona y a veces no. Te da la impresión de que están asumiendo un papel mucho mayor. La historia está en el ADN de Fall Out Boy. Es una historia auténtica y representa perfectamente a nuestra banda porque nosotros siempre nos identificamos con el más desvalido”.


La banda compartió con los realizadores su pasión creativa. “Tuvimos que ver trozos de la película antes de componer la canción y lo que más me sorprendió es el compromiso con los personajes que tenían todos los implicados en esta película”, dice Patrick Stump. “Sentimos su energía, su entrega es una auténtica fuente de inspiración”.