AVISO

AVISO: Este blog trata sobre cómo se hacen las películas de Disney por lo que puede haber SPOILERS en los artículos cuando se habla con detalle sobre determinados personajes o escenas.

domingo, 5 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Dramatismo y Arte

La mayoría de la gente de a pié no distingue un largometraje como LBD de un corto de Mickey Mouse o Buggs Bunny. La complejidad de la realización de un largo de esta envergadura supone no sólo un reto en el terreno técnico, sino también en el aspecto dramático de la película.
Dick Huemer animador y escritor de los estudios Disney durante su primera época dorada, relata desde su experiencia las grandes diferencias que existen:

Normalmente sólo había tres animadores para cada corto. Uno de nosotros decía, por ejemplo: "Vamos a hacer un corto ambientado en las islas Hawaii". Entonces cana uno se ponía a trabajar en un tercio de la película. Unas dos semanas después se acoplaban las escenas. "¿Tú donde lo dejaste?", preguntaba yo. Magari, el otro animador, tenía su secuencia terminada con los personajes Mutt y Jeff agarrados a un trozo de madera, entonces yo comenzaba la mía con los dos personajes montados a horcajadas sobre los restos de un naufragio. La Trama no resulaba complicada. Se trataba siempre de una serie de sucesos cómicos encadenados"

En los clásicos cortos animados, un personaje como el Pato Donald puede ser golpeado, mutilado o aplastado por un piano y a los pocos segundos vuelve a levantarse como si nada, causando las carcajadas del público. Pero este tipo de humor basto y fácil no puede usarse en un largometraje de animación en el que los personajes tienen que resultar creíbles y con los que el público debe identificarse. ¿Alguien se imagina a Blanca Nieves siendo golpeada por los enanitos antes de que estos descubran que es una princesa? Quizá algo así pudiese funcionar en una película al estilo de Shrek, porque es una comedia paródica, pero no sería factible en una obra en la que, a pesar de ser una comedia musical, tiene un alto contenido dramático.


De este mismo modo, sería impensable hacer que la Princesa Aurora fuese mutilada y se recuperase en apenas unos segundos. El humor en este tipo de películas debe ser más sutil y también más inteligente. Los gags visuales pueden ser graciosos pero no pueden ser demasiado salvajes, mientras que los diálogos pueden incluir chistes, pero éstos no deben relsultar ridículos ni parecer fuera de contexto.

Este es el motivo por el que se modificó la escena en la que Flora, Fauna y Primavera, están preparando el pastel y el vestido de Aurora. Originalmente en la escena, Flora metía el pastel en el horno y este empezaba a hincharse tanto que empezaba a salir del mismo. Las tres hadas entonces intentaban empujar la masa del pastel al interior provocando así que Primavera quedase encerrada dentro del horno con el vestido de Aurora puesto. Al darse cuenta, Flora y Fauna abren la puertecilla y Primavera sale despedida por los aires con el pastel hinchado como un globo debajo del vestido, entonces Fauna pincha el pastel con una aguja provocando una explosión que provoca que Primavera sufra una aparatosa caída y con el vestido destrozado. Acto seguido, al igual que en la escena final, las hadas deciden empezar de nuevo usando la magia.



El Storyboard de esta escena provocó carcajadas a Walt Disney y sus animadores, pero ese no era el efecto que querían conseguir, resultaba demasiado rudo, así que decidieron suavizarla, hacerla más delicada y sutil. La escena final sigue siendo muy cómica pero sin resultar zafia.

Esto demuestra la gran utilidad de un Story Board a la hora de confeccionar una escena. Los artistas actuales no comprenden como los pioneros del medio pudieron trabajar sin él. Antiguamente la trama se basaba en una historia preparada al azar en forma de texto de una o dos páginas. Pero este métodos no permitía hacerse una idea de la rapidez de la acción o de los efectos fantásticos que se podían obtener con los dibujos.

De ahí se desprende que la invención del Story Board surgiese de la necesidad de un método mejor para presentar las tramas de las historias. Esto ocurrió en plena época del esplendor creativo de los estudios Disney, a principios de los años 30. Su uso se extendió a los largometrajes animados y a las películas de imagen real y la técnica fue adoptada por los demás estudios para la planificación de sus proyectos cinematográficos. La posibilidad de añadir o eliminar o modificar el orden de los elementos de los elementos narrativos de una escena convierte esta herramienta en algo extremadamente útil. Permite establecer el tono dramático o cómico de una escena, elejir los ángulos de cámara y establecer el ritmo de la narración.

En el corto "El Viejo Molino", de 1937, se experimentó con el
ementos dramáticos y se elaboró por primera vez una trama que no tenía nada que ver con una serie de sucesos cómicos encadenados. El corto se compone de escenas en las que se ilustra la vida de varios animales que viven dentro de un molino de viento abandonado en medio del campo junto a una charca. Este cortometraje no sólo sirivó para explorar y perfeccionar nuevas técnicas que permitirían mejorar la calidad de las películas animadas, sino que además sirvió para experimentar con el drama en el plano narrativo de este tipo de cortos para luego aplicarlo en los largometrajes.

Todo esto es lo que, a pesar de las canciones y los gags, las películas de Walt Disney resulten más atractivas e interesantes. Es el elemento dramático lo que mantiene el interés del espectador en la historia.

1 comentario:

Sergio Recio Gamo dijo...

Desde luego si no fuera por ti, amigo escritor de la bitácora, yo no tendría ni idea de la complejidad y fascinación de la parte creativa y de diseño. ¡Muchas gracias!