AVISO

AVISO: Este blog trata sobre cómo se hacen las películas de Disney por lo que puede haber SPOILERS en los artículos cuando se habla con detalle sobre determinados personajes o escenas.

viernes, 31 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Una Melodiosa Voz

La dulce y melodiosa voz de Aurora, seductora y misteriosa, como si fuera la de una ninfa, es la voz de Mary Costa. Cinefantastico.com ha publicado una entrevista con la cantante y actriz cuya carrera se vio disparada a raiz de su intervención en la película.
Esta es la entrevista:

La voz de una mujer ha cautivado al público durante más de 50 años, desde el mundo encantado de los cuentos de hadas hasta los escenarios de los grandes teatros de ópera de todo el mundo. Varias generaciones se han dejado hechizar por la ternura y la belleza de la Princesa Aurora, pero pocos conocen a la extraordinaria mujer que se esconde tras la princesa y de su fabulosa carrera en el deslumbrante mundo de la ópera. Mary Costa, voz y modelo de la Princesa Aurora en la producción de Walt Disney La Bella Durmiente, nos habla de su carrera y de su prodigiosa voz.


Mary Costa

Grabando La Bella Durmiente
“Mi carrera comenzó con Walt Disney”, señala Mary Costa, una leyenda de Disney. “Sin ese meticuloso trabajo vocal y sin la incalculable ayuda de Walt Disney, mi vida podría haber tomado un rumbo totalmente diferente”. Disney, que llevaba tres años buscando la voz perfecta para la princesa de su cuento de hadas, estuvo a punto de detener la producción de la famosa película La Bella Durmiente, pero entonces conoció a una joven llamada Mary Costa. “Había ido a una fiesta y alguien me había escuchado cantar”, recuerda Costa. “¡Al día siguiente estaba cantando en los Estudios de Walt Disney! Walt me eligió porque mi voz era una voz pura”, afirma Costa, “una prolongación del habla. Me dijo: 'cuando te pongas delante de ese micrófono, utiliza todos los tonos de tu paleta vocal y ponte a pintar con tu voz'. Nunca olvidaré sus palabras”.

En 1958, su carrera operística se vio catapultada tras sustituir a Elisabeth Schwarzkopf en el Hollywood Bowl. . Tuvo muy buenas críticas y le invitaron a cantar su primer papel protagonista en una ópera llamada La Novia Vendida, para la Ópera de Los Ángeles en el Shrine Auditorium de Los Ángeles. Apodada “la nueva estrella soprano más deslumbrante del cielo” por la crítica y el público, en 1959, la Ópera de San Francisco contrató a Mary para cantar varias óperas.
En esa época, Mary se había convertido en una estrella muy popular, y, en 1960, participó en el espectáculo de Frank Sinatra Salute to the Ladies, con Eleanor Roosevelt. “Me divertí muchísimo con ella. Llamó a la puerta de mi camerino y me dijo: 'Señorita Costa, necesito su ayuda. El Sr. Sinatra quiere que cante High Hopes y no quiero hacerlo'. Después de ensayar con ella la canción me dio las gracias”. Estas dos maravillosas mujeres, que compartieron una breve amistad, se escaparon de los guardias de seguridad y se fueron a la despensa a comerse un perrito caliente. “Había mucha gente y ella se lo estaba pasando muy bien hablando con todos”. El servicio de seguridad no tardó en dar con ellas y Mary cuenta: “Fue una experiencia maravillosa y siempre recordaré ese momento con muchísimo cariño”.

1961 fue un año muy destacado en la carrera de Mary, un año en el que interpretó el papel de Musetta en La Bohème para RCA Victor. “Fue una gran oportunidad para mí, porque la ópera se grabó en directo en la Ópera de Roma”. Mary interpretó a la protagonista Titania en el estreno americano de la ópera de Britten, Sueño de una Noche de Verano. En 1961, Mary también cantó en Cincinnati la Manon de Puccini. Esta heroína con un trágico destino, dividida entre el amor y el dinero, se convirtió en el papel estrella de Costa. Después cantó en el Covent Garden de Londres, donde fue la Violeta de La Traviata, uno de sus papeles favoritos.


Rodando La Bella Durmiente

La Bella Durmiente
En 1963, un acontecimiento marcó la carrera de Mary. Jacqueline Kennedy le pidió que interpretase el Libera Me del Réquiem de Verdi, en el funeral de John F. Kennedy que fue retransmitido por televisión en todo el mundo. “Fue un día que no olvidaré jamás”, afirma Costa. "La Sra. Kennedy llamó a mi representante, Sol Hurok, y le preguntó si podía cantar en el funeral del Presidente, ya que tanto a ella como al Presidente Kennedy les había gustado mucho mi interpretación del himno nacional de los Estados Unidos en los Premios de la Academia de 1962". Sólo tenía un día para prepararse, pero Mary actuó ante el mundo entero bajo la batuta de Zubin Mehta y el Coro Roger Wagner. “Reinaba un gran dolor y queríamos rendir el mejor homenaje a nuestro Presidente. Nunca había actuado en un espacio tan grande donde la gente se sintiera tan unida por el dolor y la admiración. Es un recuerdo que siempre permanecerá intacto en mi mente y en mi corazón”.

Mary debutó en el Metropolitan de Nueva York en enero de 1964 con La Traviata. Recibió una de las mayores ovaciones de la temporada y sigue siendo considerado uno de los debuts más destacados de una cantante estadounidense en la historia de este teatro de ópera. La noche del estreno de Vanessa, la ópera de Samuel Barber, Jacqueline Kennedy fue a los camerinos a conocer por fin a la diva. “Estuvo encantadora”, recuerda Costa. “Y pude darle las gracias por cantar en el funeral del Presidente”. Elegida personalmente por Igor Stravinsky para el papel de Anne Trulove, en la nueva obra El Progreso del Libertino, Costa disfrutó de tres inolvidables semanas de clase de canto en casa de Stravinsky. Mary también participó en el estreno de Luna de Sangre de Norman Dello Joio, y fue a Londres para grabar las aclamadas producciones televisivas de la BBC de La Traviata, Fausto y La Viuda Alegre.

En su primera gira por Rusia, Mary cantó La Traviata en el Bolshoi de Moscú, en 1970. El público ruso quedó tan embelesado con su arte que su visita de dos semanas se convirtió en una gira de 13 semanas. “El pueblo ruso es encantador y muy aficionado a las artes. Me recibieron muy bien en Siberia, Odessa, Kiev, Leningrado... Cada lugar era diferente, y se agotaron las localidades en todos los teatros”, recuerda Costa.
En 1971, a petición de Leonard Bernstein, Mary inauguró el nuevo Kennedy Center de Washington DC, cantando una versión de Cándido. Andrew Stone presenció su actuación y contrató a Mary para interpretar a la esposa de Johann Strauss en El Gran Vals. “Siempre había querido hacer una película musical y la historia sobre la vida de Johann Strauss me pareció maravillosa”, dijo Costa. Se rodó en Austria y Mary fue nominada a los Globos de Oro por su interpretación que la llevó a hacer una gira de conciertos de música vienesa por toda América del Norte.


En la ópera

Anunciando coches
La fabulosa carrera de Mary continuó con un sinfín de apariciones en televisión y actuaciones en todo el mundo. “He tenido el privilegio de trabajar con muchísima gente de gran talento y totalmente volcada en su profesión”, afirma Mary Costa. Incluso después de que se retirara de la escena, Mary encontró nuevas vías para dar rienda suelta a su talento. En 2003, Mary fue nombrada por el Presidente Bush para formar parte del Consejo Nacional de las Artes, un grupo que asesora al National Endowment for the Arts (Fundación Nacional para las Artes) en Washington DC. Su nominación fue confirmada por el Senado de los Estados Unidos, y Mary juró su cargo ante Sandra Day O'Connor, Juez del Tribunal Supremo. “Ha llegado el momento de devolver algo de lo que he recibido", afirma Costa. Y añade: "A lo largo de los años, he tenido muchos mentores que me han ayudado a desarrollar mi carrera. Esta es una oportunidad maravillosa para devolver a los demás una pequeña parte de lo que tan generosamente se me ha concedido". 

En la actualidad, Mary Costa sigue trabajando en causas benéficas en defensa de los niños y las artes. “A los 22 años no podía saber que La Bella Durmiente se convertiría en un clásico tan popular que me ha permitido seguir en contacto con los niños toda mi vida”, afirma Costa. “Siempre les digo que tienen que trabajar mucho y no abandonar nunca sus sueños”.
Para Mary, fue Walt Disney el que estableció las pautas en su vida. “La cultura del trabajo que aprendí en Disney fue la base de mi carrera profesional en la ópera. Todo lo que decía, incluso cuando bromeaba, lo decía para prepararme para el futuro. Estoy convencida de que si no hubiera interiorizado esa cultura del trabajo, no hubiera podido tener la carrera que tuve. Walt solía decir: 'Si tienes las cuatro 'D' -Dedicación, Determinación y Disciplina, lograrás hacer realidad tus Sueños (Dreams en inglés)'. Siempre pensé que la quinta D era la de Disney.”

viernes, 24 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Los personajes




Oreb diseñó una joven esbelta, graciosa, segura de sí misma, con un aire a Audrey Hepburn, la diva del momento, con una poblada melena dorada y con movimiento que realzaba sus facciones. Todo el dibujo desde el cabello hasta el vestido estaba lleno de lineas verticales y horizontales que hacían que el personaje destacara y al mismo tiempo se integrara en los fondos estilizados que diseñó Eyvind Earle.



El Príncipe Felipe tampoco supuso una tarea facil para Milt Kahl, quien se ocupó de dar vida a este personaje. Milt se quejaba de que le había tocado el personaje más aburrido de la película, pues era casi un secundario que hacía más bien poco y sus acciones eran muy limitadas. El personaje debía tener la compostura y la dignidad de un príncipe, debía resultar realista y creíble, por lo que su diseño y su animación debían de ser simples. En contraposición estaba su padre, el Rey Huberto, cuyo diseño es más redondeado y caricaturesco, lo que permite dar más expresividad y movilidad al personaje. Sin embargo, la animación de felipe es poco sofisticada debido a su diseño y no da lugar a exageraciones que permitan dar más expresividad, por eso su cara es casi estática y sus expresiones tan sutiles, lo que al mismo tiempo da la sensacion de que es un personaje emocionalmente contenido y consciente de su comportamiento por la educación que ha recibido como príncipe.





El mayor contraste se presenta en el diseño de las hadas, que dentro de su angulosidad como lade los demás personajes, encontramos también líneas redondeadas que les dan un aspecto más suave, sobre todo en lo referente a sus caras, dándoles así el aspecto de seres benéficos y agradables. Son las abuelitas que todos quisiéramos tener.


Seguramente habréis echado de menos la inclusión en este artículo de más material relacionado con el diseño de personajes y model sheets, pero he optado por cel-setups y dibujos conceptuales porque son la esencia del aspecto visual de la película. No obstante, tengo pensado confeccionar un pase de diapositivas sobre el diseño de personajes que muestre mejor la evolución de los diseños. Estad atentos a las actualizaciones!!!

martes, 14 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Las Hadas de Frank y Ollie

Los legendarios animadores de Disney, Frank Thomas y Ollie Johnston, se ocuparon de las tres hadas Flora, Fauna y Primavera. Ellos mismos se consideraban los únicos que creían posible que unas viejecitas pudiesen resultar divertidas. Pero antes que ellos, Ted Sears, Winston Hibler y Bill Peet, ya se habían ocupado de estos personajes. En las diferentes versiones del cuento hay una cantidad diferent de hadas, llegando a ser hasta trece. Sin embargo los guionistas de la versión de Walt Disney limitaron el número de hadas a tres para hacer avanzar mejor la narración. Además a Walt le gustaban las combinaciones de tres personajes con personalidades diferentes cuyas reacciones al relacionarse creaban situaciones cómicas, al igual que sucede en los cortos clásicos de Mickey, Goofy y Donald.


Ed Penner y Joe Rinaldi se ocuparon de plasmar las escenas de las hadas en los Story Boards, mientras que a Frank y a Ollie les tocó la parte de la animación.  Frank Thomas decía que "Un personaje no está nunca definido hasta que el animador plasma sus rasgos sobre el papel con un lápiz. Así que comencé a estudiar a estas ancianitas. 
Pasaba horas enteras en las tiendas, en los bancos del parque... ahí se ven muchísimas. No me importaba el tiempo que perdía, las viejas me caen bien. Tenía una niñera que venía a casa unas horas, estaba hermosa y rellena. La estudié tan minuciosamente que se molestó. Después adelgazó 10k y así perdí a la modelo. Un verano, estando de vacaciones en Colorado, conocí a una que me pareció el tipo perfecto. Tenía gracia al moverse, pero cada vez que la filmaba se ponía rígida. Resultaba desalentador. Volví al verano siguiente y sucedió lo mismo. Pero mientras tanto me documentaba sobre las mujeres ancianas y cómo se mueven. Las hay de dos clases: por un lado las jorobadas, y por otro las erguidas y entradas en carnes. La segunda es la clase más interesante.


Recordé que las ancianas al moverse saltan como si tuvieran un muelle. Caminan como si estuvieran remando. Cuando están de pié, los movimientos de sus brazos son como brincos. Las manos se separan del cuerpo, como si tuvieran miedo de perder el equilibrio.
Debemos documentarnos en todo lo que sea posible sobre las tres hadas. Es lo que hacemos con cada personaje. Si en Blanca Nieves era el enanito Mocoso, teníamos que saber cómo come, cómo se peina y cómo se suena la nariz... Todo. No se puede dibujar lo desconocido.
Probamos con toda clase de vestimenta. Tenemos libros para documentarnos sobre vestimentas medievales. Hemos probado versiones escandinavas, alemanas y de otras clases.


Observamos a las personas del estudio, hombres y mujeres. Observamos a cientos de actores en nuestra búsqueda de tipos perfectos. Ninguna era perfecta.
Mientras tanto, la personalidad de las hadas fue tomando forma. Una era la dominante, Flora, mientras que las otras dos se dejaban guiar. Tratamos de darles una personalidad fuerte. Eran personas benéficas pero no de las que se quedan quietas, no del tipo de Carrie Nation. Tenían mucha energía.
La idea se moldeó cuando Don Da-gradi  presentó unos bocetos de las tres hadas. Eran justo lo que andábamos buscando. Después Tom Oreb hizo las maquetas de las hadas en varias posturas, mostrando sus proporciones y perspectivas. Esto sirve como punto de referencia a los animadores."


viernes, 10 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Un Cuento Sencillo, Una Historia Épica


Walt Disney siempre dijo que la producción de LBD duró demasiado tiempo. Mientras que el tiempo necesario para rodar una película con actores suele ser de unos 6 meses, la media para terminar un largometraje de animación es de 3 a 6 años. Con LBD el trabajo se prolongó durante más de 7 años debido, según Walt a una serie de problemas derivados del intento de apartarse de todo lo que había hecho anteriormente, ya que la historia contenía elementos que ya habían utilizado en Blanca Nieves y La Cenicienta, por lo que era imprescindible que los artistas trabajasen con ideas nuevas.

Fue el 19 de Enero de 1959 cuando el título de la película se registró en la Johnston Office, la oficina establecida por la Asociación de Productores para la Protección de Títulos.

Durante dos años hubo muchas deliberaciones antes de que el proyecto fuese aprobado, ya que sabían que el presupuesto superaría los 4 millones de dólares (que no era moco de pavo en los años 50). Durante esta primera fase se elaboraron algunos bocetos con los que se discutirían las posibilidades narrativas y cómo se llevaría a cabo la adaptación cinematográfica del cuento. En esta fase se encargó la elaboración del guión a Ted Sears, Winston Hibler y Bill Peet, y se le encomendó una secuencia a Ralph Wright.


Existen cientos de versiones del cuento de La Bella Durmiente. Actualmente muchos estudios pseudopsicológicos le atribuyen al cuento temas en los que en aquella época ni se pensaba, ni siquiera en la época en la que fue realizado el film. La historia se basa en dos temas muy populares en el folklore europeo: Los encantamientos de sueño y la venganza de un ser sobrenatural por una ofensa recibida. Las dos versiones más populares son la de los hermanos Grimm, titulada La Pequeña Rosaespina,  y La Bella Durmiente del Bosque de Charles Perrault. Ambas hablan de un rey una reina sin descendencia que finalmente tienen una niña e invitan al bautizo a varias hadas, pero un hada maliciosa se enfada por no haber sido invitada y vaticina la muerte de la princesa al pincharse el dedo con el huso de una rueca al cumplir los 16 años. Una de las hadas buenas cambia el hechizo convirtiendo la muerte en un sueño que durará 100 años, y así ocurre. Pasado un siglo, un príncipe llega a conocer la leyenda y consigue llegar hasta la princesa y la despierta.


Era imprescindible reforzar la trama con efectos dramáticos para que la historia tuviese interés para el público. Uno de los principales problemas fue el príncipe ya que aparece a lo largo de toda la película (El príncipe de Blanca Nieves sólo aparecía al principio y al final de la película) y no podían dejar a la Princesa Aurora durmiendo una siesta de 100 años. Tampoco convenía ser demasiado fieles al cuento original porque no querían que el príncipe fuese 80 años más joven que la princesa que tendría 116 años, lo cual impedía jugar con la relación entre los personajes. Así que se idearon varias tramas, una de las cuales incluía una compleja secuencia en la que el rey organizaba una partida de caza para buscar un tesoro, pero finalmente se abandonó por una narración más sencilla y evocadora, cambiando el concepto original en el que la princesa crecía en el castillo junto a sus padres para propiciar el romanticismo de la historia. En esta versión, Aurora crece en el bosque desconociendo sus orígenes, criada por tres hadas buenas que incluso le ocultan su verdadero nombre, llamándola Rosa, para protegerla del malvado hechizo de la Bruja Maléfica.


domingo, 5 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Dramatismo y Arte

La mayoría de la gente de a pié no distingue un largometraje como LBD de un corto de Mickey Mouse o Buggs Bunny. La complejidad de la realización de un largo de esta envergadura supone no sólo un reto en el terreno técnico, sino también en el aspecto dramático de la película.
Dick Huemer animador y escritor de los estudios Disney durante su primera época dorada, relata desde su experiencia las grandes diferencias que existen:

Normalmente sólo había tres animadores para cada corto. Uno de nosotros decía, por ejemplo: "Vamos a hacer un corto ambientado en las islas Hawaii". Entonces cana uno se ponía a trabajar en un tercio de la película. Unas dos semanas después se acoplaban las escenas. "¿Tú donde lo dejaste?", preguntaba yo. Magari, el otro animador, tenía su secuencia terminada con los personajes Mutt y Jeff agarrados a un trozo de madera, entonces yo comenzaba la mía con los dos personajes montados a horcajadas sobre los restos de un naufragio. La Trama no resulaba complicada. Se trataba siempre de una serie de sucesos cómicos encadenados"

En los clásicos cortos animados, un personaje como el Pato Donald puede ser golpeado, mutilado o aplastado por un piano y a los pocos segundos vuelve a levantarse como si nada, causando las carcajadas del público. Pero este tipo de humor basto y fácil no puede usarse en un largometraje de animación en el que los personajes tienen que resultar creíbles y con los que el público debe identificarse. ¿Alguien se imagina a Blanca Nieves siendo golpeada por los enanitos antes de que estos descubran que es una princesa? Quizá algo así pudiese funcionar en una película al estilo de Shrek, porque es una comedia paródica, pero no sería factible en una obra en la que, a pesar de ser una comedia musical, tiene un alto contenido dramático.


De este mismo modo, sería impensable hacer que la Princesa Aurora fuese mutilada y se recuperase en apenas unos segundos. El humor en este tipo de películas debe ser más sutil y también más inteligente. Los gags visuales pueden ser graciosos pero no pueden ser demasiado salvajes, mientras que los diálogos pueden incluir chistes, pero éstos no deben relsultar ridículos ni parecer fuera de contexto.

Este es el motivo por el que se modificó la escena en la que Flora, Fauna y Primavera, están preparando el pastel y el vestido de Aurora. Originalmente en la escena, Flora metía el pastel en el horno y este empezaba a hincharse tanto que empezaba a salir del mismo. Las tres hadas entonces intentaban empujar la masa del pastel al interior provocando así que Primavera quedase encerrada dentro del horno con el vestido de Aurora puesto. Al darse cuenta, Flora y Fauna abren la puertecilla y Primavera sale despedida por los aires con el pastel hinchado como un globo debajo del vestido, entonces Fauna pincha el pastel con una aguja provocando una explosión que provoca que Primavera sufra una aparatosa caída y con el vestido destrozado. Acto seguido, al igual que en la escena final, las hadas deciden empezar de nuevo usando la magia.



El Storyboard de esta escena provocó carcajadas a Walt Disney y sus animadores, pero ese no era el efecto que querían conseguir, resultaba demasiado rudo, así que decidieron suavizarla, hacerla más delicada y sutil. La escena final sigue siendo muy cómica pero sin resultar zafia.

Esto demuestra la gran utilidad de un Story Board a la hora de confeccionar una escena. Los artistas actuales no comprenden como los pioneros del medio pudieron trabajar sin él. Antiguamente la trama se basaba en una historia preparada al azar en forma de texto de una o dos páginas. Pero este métodos no permitía hacerse una idea de la rapidez de la acción o de los efectos fantásticos que se podían obtener con los dibujos.

De ahí se desprende que la invención del Story Board surgiese de la necesidad de un método mejor para presentar las tramas de las historias. Esto ocurrió en plena época del esplendor creativo de los estudios Disney, a principios de los años 30. Su uso se extendió a los largometrajes animados y a las películas de imagen real y la técnica fue adoptada por los demás estudios para la planificación de sus proyectos cinematográficos. La posibilidad de añadir o eliminar o modificar el orden de los elementos de los elementos narrativos de una escena convierte esta herramienta en algo extremadamente útil. Permite establecer el tono dramático o cómico de una escena, elejir los ángulos de cámara y establecer el ritmo de la narración.

En el corto "El Viejo Molino", de 1937, se experimentó con el
ementos dramáticos y se elaboró por primera vez una trama que no tenía nada que ver con una serie de sucesos cómicos encadenados. El corto se compone de escenas en las que se ilustra la vida de varios animales que viven dentro de un molino de viento abandonado en medio del campo junto a una charca. Este cortometraje no sólo sirivó para explorar y perfeccionar nuevas técnicas que permitirían mejorar la calidad de las películas animadas, sino que además sirvió para experimentar con el drama en el plano narrativo de este tipo de cortos para luego aplicarlo en los largometrajes.

Todo esto es lo que, a pesar de las canciones y los gags, las películas de Walt Disney resulten más atractivas e interesantes. Es el elemento dramático lo que mantiene el interés del espectador en la historia.

viernes, 3 de octubre de 2008

La Bella Durmiente: Una Vez en un Sueño


Más de 7 años de trabajo y 4 millones de dólares fueron necesarios para llevar a la pantalla lo que en su día fue un fracaso comercial y que hoy en día es una de las películas más famosas de la historia.


Walt Disney se encontraba totalmente inmerso en sus proyectos para la televisión y su primer parque de atracciones Disneyland. Fue por esto que estuvo menos involucrado en la producción de La Bella Durmiente. Sin embargo tenía plena confianza en su equipo de artistas los cuales se ocuparon de realizar el film siguiendo el consejo que les dio Walt: "hacedla hermosa, sin prisas". Así es como él quería que se hiciera esta película. Quería que fuese visualmente novedosa e impactante, pero que conservara el encanto de sus anteriores largos animados. La historia era muy conocida y no era necesario demasiado esfuerzo para construirla, pero lamentablemente no se prestó la atencion adecuada al desarrollo de los personajes. A pesar de todo, hoy en día no hay nadie que se atreva a negar que La Bella Durmiente es puro Disney en esencia y a pesar de la esquematización de los personajes, éstos han sido ya tan mitificados en la cultura popular que nosotros mismos los hemos dotado ya de la personalidad y carisma suficientes como para empatizar con ellos al ver la película.


Fueron precisamente los personajes y la historia lo que hicieron que la crítica se cebara con LBD con frases como "Disney copiándose a sí mismo". Las similitudes con Blanca Nieves y los Siete Enanitos son muy evidentes, y las comparaciones son inevitables al tratarse de una película creada por el mismo estudio cinematográfico. Sin embargo, casi 50 años después, las vemos muy distintas teniendo en cuenta sobre todo la faceta artística. LBD fue un proyecto muy ambicioso ideado para mostrar al público cuanto se había mejorado en el mundo de la animación desde Blanca Nieves. Sin embargo el público la consideró demasiado pretenciosa. Su estilo visual, hoy considerado como una obra de arte, fue criticado negativamente por sus diseños recargados y angostos.

El Hecho de que LBD haya sobrevivido el paso de los años, y que sea considerada como una de las mejores películas de Walt Disney, es lo que demuestra que hay películas que no sólo envejecen muy bien, sino que además rejuvenecen con el tiempo. Otros clásicos como Dumbo o Merlín el Encantador pueden parecer pasados de moda, pero LBD sigue siendo actual y fresca a pesar de que algunos de sus elementos la sitúan en un marco histórico en el que la filosofía del mundo aún era algo "carca" para nosotros. No estoy hablando de la época medieval, que es en la que se ambienta la historia del film, sino de la época en la que se hizo, en plena mitad del siglo XX, muy poquito antes de que tuviera lugar en el mundo una revolución hippy que cambió el concepto de moralidad para siempre.