AVISO

AVISO: Este blog trata sobre cómo se hacen las películas de Disney por lo que puede haber SPOILERS en los artículos cuando se habla con detalle sobre determinados personajes o escenas.

viernes, 25 de febrero de 2011

FANTASIA: El Cascanueces por Piot Ilich Tchaikovsky


El Cascanueces era la composición más aborrecida por su propio autor, aunque considerada por muchos la mejor de Tchaikovski y también la parte más bonita de Fantasía.


Los artistas que participaron en la creación de este segmento exploraron con lápices de colores y pasteles así como nuevos usos para la cámara multiplano. El departamento de efectos especiales creó ilusiones nunca vistas dando luminosidad a los fondos y los personajes con los brillos y fosforescencias que emanan de ellos.



Disney decidió no contar la historia del cascanueces, sino hacer algo nuevo con ella... dejar volar la imaginación y animar las imágenes que le evocaba la música. Pero esta vez no había formas abstractas en lo que su mente fabricaba. Disney y sus artistas crearon nuevos personajes y le dieron un nuevo sentido a la música del Cascanueces, convirtiéndolo en un ballet de hadas y flores representando las estaciones del año.


El maravilloso elenco de hadas, flores, hongos, peces y colores, dan vida al fantástico mundo de la naturaleza acompañados de la hermosa música magníficamente dirigida por Leopold Stokowski, nos introduce de lleno en la película tras la Tocata y Fuga que anunciaba el comienzo de algo espectacular.

FANTASIA: Tocata y Fuga por Johann Sebastian Bach


"La Tocata es impetuosa e intesa, y está realzada por bellos contrastes de tonos. la Fuga, divertida y exhuberante, da a los artists la oportunidad de trabajar con una pieza abstracta"

Así se describe esta pieza en el prólogo de Fantasía. La animación de esta parte de la película fué todo un reto para los animadores que por primera vez en su vida debían interpretar sus propios sentimientos y emociones a través de imágenes abstractas. El título de la obra evoca imágenes indefinidas y no cuenta ninguna historia, por lo que permitía dar libertad para interpretar la música con las imágenes que esta producía en las mentes de los animadores al escucharla, sugiriendo formas, colores, figuras en movimiento...


Walt Disney llevaba años pensando en un proyecto de dimensiones abstractas y esa era la oportunidad que había estado esperando para llevarlo a cabo.

La decisión de abrir la "Película Concierto " con Tocata y Fuga de Bach fué bienvenida por todo el equipo, pues las clásicas notas iniciales de la pieza musical llaman la atención, suenan como el anuncio de algo grande que está comenzando. Al principio el oyente es consciente de la orquesta, pero conforme se va adentrando en la música, ésta va tomando forma en su imaginación, y esto es lo que plasmaron los animadores.

La obra, originalmente escrita para órgano, fué adaptada para orquesta por el propio Stokowski, que tenía experiencia ya en este tipo de transcripciones.


El famoso artista Oskar Fischinger fué contratado para el proyecto debido a su dilatada experiencia con el arte abstracto y la animación en este estilo, pero sus ideas no coincidían con las de Walt Disney, así que lo "invitaron a abandonar" el equipo. Sin embargo su trabajo con la productora sirvió de guía y de inspiración a los animadores que tomaron las ideas de Fischinger como punto de partida para expresar sus propias impresiones.

Tocata y Fuga es una de mis partes favoritas de Fantasia porque es original, llamativa y se puede apreciar en ella un trabajo hecho con mucha vitalidad. Las ganas de experimentar y de transmitir sentimientos son palpables a lo largo de los 9 minutos de todo el segmento, que quizá sea más arriesgado que toda la película en sí.

domingo, 20 de febrero de 2011

Fantasia, La animación como arte


Muchos años después del estreno de Fantasia, Walt Disney dijo que aún no había obtenido beneficios de esa película, pero que era lo mejor que había hecho hasta entonces con los medios de los que disponía.

Fantasía fue un experimento de enorme magnitud que nos demuestra que la animación hace posible lo inimaginable. Es la prueba viviente de que el talento artístico y la tecnología no tienen límites y con ellos se puede crear y materializar cualquier cosa.


Es errónea la creencia difundida por Deems Taylor de que el origen de Fantasia fue la necesidad de crear un nuevo corto con Mickey Mouse que lo lanzase de nuevo al estrellato porque el éxito del Pato Donald lo había eclipsado. El boom del Pato Donald no tuvo en realidad nada que ver para que Disney tomase la decisión de hacer un nuevo corto de Mickey Mouse. Lo que sí es cierto es que El Aprendiz de Brujo, ya se hallaba en producción cuando se decidió hacer un largometraje.

El Aprendiz de Brujo estaba en pre-producción y no iba a ser más que un corto para contar el famoso cuento utilizando la música de Paul Dukas, y la idea no era devolver a Mickey al estrellato, sino desarrollarlo como personaje. Walt quería que este corto fuese espectacular y el presupuesto se disparó. Una noche, cenando en un restaurante Walt vió a Stokowski sentado en una mesa y le preguntó si podía sentarse con él. Hablaron de El Aprendiz de Brujo, el famoso director se ofreció a hacer la banda sonora y, una vez enfrascados en el proyecto terminaron decidiendo convertir el proyecto en el largometraje que hoy es Fantasia.


Cuando Roy Disney, que controlaba la parte económica de la compañía, vió que el coste de El Aprendiz de Brujo había alcanzado un presupuesto de 125.000$ se llevó las manos a la cabeza, y así fué como Walt vió una oportunidad de venderle a su hermano la idea de convertir el corto en un largo.

Se dice que fué Leopold Stokowski quien tuvo la idea de hacer el largometraje, pero no fué así. Fué el propio Walt quien sugirió la idea a Stokowski, y no al revés.

La película tuvo por un tiempo el título provisional de "The Concert Feature" (La Película Concierto). En una reunión en la que también estaban Walt Disney, Taylor, Grant y Huemer, Stokowski dijo que ese proyecto era una "fantasia", que es un término musical que se usa para denominar una composición realizada de forma inusual en un estilo irregular o peculiar. Lo que la propia palabra representa y el hecho de que esta denominación sea igual en todos los idiomas, fué lo que hizo a Walt tomar la decisión de darle el título actual a la película.


Stokowski tenía una forma muy peculiar de trabajar, y decidió grabar la banda sonora en una sola noche. Citó a todos los miembros de la Orquesta Filarmonica de Filadelfia para grabar a LAS 3:00 DE LA MADRUGADA!!!! En 3 horas habían terminado la grabación completa. Cuando le preguntaron a Stokowski por qué había decidido grabar a esas horas dijo: "Los músicos toman café para no dormirse y eso les mantiene alerta"

Stokowski entendía que el sonido de esta película no podía grabarse de forma convencional, porque los sonidos de la orquesta venían de cientos de instrumentos y direcciones, por lo que al reproducir la grabación en un sistema normal el sonido se distorsionaba. La banda sonora se grabó en 9 pistas separadas. Stokowski se encargó personalmente de editarlas, mezclarlas y controlarlas subiendo o bajando el volumen de determinados instrumentos y pasajes. Por ejemplo, el clarinete tiene una parte qlue vale la pena destacar en el segmento de la tormenta de la sinfonía Pastoral. En directo no se aprecia apenas el sonido del clarinete en este segmento, por eso Stokowski subió el volumen de este instrumento en esta parte para hacerlo destacar.


Walt quería que el estreno de Fantasía fuese un gran acontecimiento y que icorporase nuevas tecnologías y nuevas técnicas para hacerlo más espectacular. Entre las ideas que se barajaron estuvieron la de incluir pantallas a los laterales del cine para que la película rodease al público y la de incluir algún segmento en tres dimensiones para el que habría que usar gafas de visión 3D. Finalmene hubo una de esas ideas que sí fué posible llevar a cabo: el primer sistema de sonido envolvente de la historia del cine, del sonido y de la música. El sistema FANTASOUND era incluso mucho más complejo y avanzado que los actuales sistemas de sonido sorround, pero tan sumamente caro que incluso hoy tendría un coste extremadamente prohibitivo.



Con el sistema de sonido FANTASOUND, la música no solo se oía desde diferentes partes de la sala, sino que además revoloteaba entre el público. El sonido viajaba de delante hacia atrás, de atrás hacia delante, alrededor del público y por encima de él. Además se conseguía también el efecto de que los sonidos de distintos instrumentos se moviesen en sentidos y direcciones distintos, así mientras un instrumento iba desde el fondo de la sala hasta la pantalla, otro instrumento viajaba alrededor del patio de butacas.


Fantasia se pudo estrenar en muy pocos cines, debido a que la instalación del Fantasound requería, no solo una instalación muy complicada, sino también algunas modificaciones arquitectónicas en los teatros, incluso en sus cimientos.

La animación de Fantasía empezó el 21 de enero de 1938. Justo un mes después del estreno de Blancanieves y los 7 Enanitos.



Se barajaban ideas de todo tipo para contar las historias y se planteaban cuestiones de todo tipo para obtener los mejores resultados: ¿Qué puede hacer Mickey cuando sueña que es mago? ¿Qué nexo de unión puede haber entre el agua del sueño y el agua que inunda la habitación donde está Mickey? ¿Cómo se esparcen las gotas de rocío de las hadas? etc.

Cuando finalmente se estrenó Fantasia, hubo muy buenas críticas, pero también las hubo muy malas, y estas fueron la mayoría de ellas. El público rechazó la idea de Fantasia, considerándola aburrida y pedante.


No fué hasta el re-estreno de 1969 cuando pudo obtener beneficios, gracias a los nuevos ideales de la era de la psicodelia, lo cual demostró que Walt Disney siempre iba por delante de su tiempo. Desde ese año, Fantasía se ha proyectado todos los días en algún lugar del mundo hasta su 50 aniversario de 1990.

Fantasía fué también la primera película con sonido digital de la historia del cine. Fué en 1985 cuando se re-estrenó con una nueva banda sonora dirigida por Irwin Kostal y grabada con esta nueva tecnología.

Hoy en día, Fantasia es considerada una de las grandes obras maestras de Walt Disney, y es indudablemente una gran obra de arte.


viernes, 18 de febrero de 2011

Enredados: Experimentando con la Música


“Tangled” (Enredados) presenta cinco nuevas canciones y una banda sonora de Alan Menken, el compositor de música/canciones ganador de ocho Oscar® (“The Little Mermaid” [La Sirenita], “Beauty and the Beast” [La Bella y la Bestia], “Aladdin”, “Pocahontas” y “Enchanted” [Encantada]). Las letras son de Glenn Slater, nominado a los premios Tony® y Grammy® por su trabajo en “The Little Mermaid” (La Sirenita). “Something that I Want” es una de las canciones de los créditos finales, escrita e interpretada por la cantante de Hollywood Records, Grace Potter.

“Es muy divertido buscar música actual para la película pero conservando siempre esa cualidad de intemporalidad", dice Menken. “Es genial probar nuevos vocabularios. Una de las primeras cosas que hice fue leer la historia de Rapunzel e intentar imaginar algo nuevo. Algo que tuviese que ver con el pelo y con las ganas que tiene de salir de la torre. Eso me recordó a artistas de folk rock como Joni Mitchell, James Taylor, Cat Stevens y Jackson Browne. Me dio un punto de partida para crear algo nuevo".


Rapunzel (Mandy Moore) canta la canción de apertura de la película, “When Will My Life Begin?” en la que expresa su inquietud y su deseo de explorar el mundo. Menken afirma: "En cierto sentido, está inmersa en un viaje que desconoce completamente. No sabe que existe el mundo exterior. Es algo que no puede comprender. Así que el reto era crear un deseo por algo que no sabe en qué consiste. Queda perfectamente reflejado en la letra de la canción: 'Soy muy feliz aquí, pero quiero que mi vida empiece'".

Moore afirma: “Nos divertimos mucho creando esta canción, pero también fue un verdadero reto porque hay que incluir mucha información en un tiempo cortísimo. No se pueden poner muchas palabras en una sola frase a riesgo de quedarse sin aliento. Es una manera perfecta de sumergirse en la película y en la historia de esta joven. Ella es muy divertida y está llena de vida. La canción ayuda al público a contar quién es el personaje y saber que le gusta su vida. No se siente sola. Sólo dice que le falta algo, pero no acierta a decir de qué se trata”.


Para el gran número musical de Madre Gothel, “Mother Knows Best”, Menken y Slater se inclinaron por un estilo musical más clásico y eterno. Menken afirma: "Tiene un tono muy de 'Cabaret'. El personaje tiene matices de Ursula de 'La Sirenita'. Quiere a Rapunzel pero necesita controlarla. En muchos aspectos, Madre Gothel se parece a todas las madres. Es una versión exagerada y la canción expresa cómo asfixia una madre a su hija en su intento de protegerla".

“Donna Murphy clavó la canción", añade Conli. “Estábamos en la sesión de grabación totalmente alucinados. Se convirtió en el personaje de Madre Gother aportando todos los matices. Encajaba muy bien en la película y es perfecta para el papel".

Una de las escenas más entretenidas de "Tangled" (Enredados) es el momento musical en el que Rapunzel y Flynn entran en el pub Snuggly Duckling y se enfrentan a un puñado de malhechores y gente con muy mala pinta. Rapunzel logra desactivar la situación con la canción “I Have a Dream” y en el pub descubre algunas revelaciones sorprendentes.


Menken lo explica: "Para Rapunzel era muy importante encontrar un grupo de personas del que formar parte al principio de su viaje. Flynn intenta asustarla, pero este momento en el punto es absolutamente clave. Cuando escribí la canción quería algo que se puede escuchar en ‘The Mighty Wind’ o una canción interpretada por el Kingston Trio. Tenía que tener un pie en el mundo medieval y el otro en el irónico universo folk de Pete Seeger”.

Otro de los grandes momentos musicales de la película es el dueto “I See the Light” en el que Rapunzel y Flynn empiezan a mirarse de forma diferente y totalmente nueva. Se desarrolla en un barco en el mar, con miles de resplandecientes farolillos que flotan en el cielo alrededor de ellos. La canción es bellísima y también una revelación. “‘I See the Light’ es un momento íntimo y precioso repleto de emoción", explica Menken. "Es sencilla y tiene algo de folk norteamericano que encaja con el resto de las canciones. Mandy tiene una voz maravillosa y consigue una mezcla de contención, vulnerabilidad y sensualidad. Es una verdadera perfeccionista y trabajó muchísimo para que el resultado fuera impecable. Ella y Rapunzel se funden en una sola voz. Zac tiene una cualidad vocal muy apreciada, la naturalidad. Fue estupendo trabajar con él. No estaba seguro de que pudiera hacerlo, pero lo hizo genial. Los dos han sabido expresar a la perfección ese momento en el que te enamoras y sientes que ambos estáis en la misma burbuja, una burbuja de amor".

Moore añade: "Me gusta la música y también cantar. Así que formar parte de un proyecto como éste es apasionante porque es una combinación de ambas cosas. Poder grabar con Zac fue fantástico. Cuando abrió la boca me di cuenta de que cantaba muy bien. Tiene una voz preciosa, esa naturalidad que personifica tan bien Disney. Grabamos mucho juntos para conseguir la máxima compenetración.


Creo que la canción es algo muy especial porque es un momento mágico que cuenta la historia desde ambos lados. Es la canción que recordará la gente al salir del cine, porque es un momento maravilloso de la historia".

“La canción es la culminación del viaje que han emprendido juntos", dice Levi. “Rapunzel y Flynn ven por fin la luz. Han bajado la guardia y se abren el uno al otro. Es entonces cuando se dan cuenta que están enamorados. Ya no hay prejuicios ni malentendidos. Los dos estamos en la misma onda y la canción lo refleja perfectamente.


“Uno de los mayores alicientes de esta película es cantar una canción de Alan Menken", continúa diciendo. “Alan es un genio, y hace muchísimo tiempo que admiro su talento, como le ocurre a todo el que conoce su trabajo.”

Menken concluye diciendo: “En esta película gran parte de nuestro proceso de compositores ha sido construir una especie de autopista que nos condujera a ese preciso lugar que buscábamos. ¿Puede existir una colaboración más estrecha? Nuestro reto ha sido encontrar la voz que cuenta la historia cantando”.

Fuente: Walt Disney Studios

jueves, 17 de febrero de 2011

Enredados: Creando el escenario


Dave Goetz, director artístico y Dan Cooper codirector artístico (junto al diseñador de producción Doug Rogers) se encargaron de crear el aspecto de la película diseñando los ambientes, los elementos arquitectónicos y la paleta de colores. Basándose en lo que había dicho John Lasseter, diseñaron la torre de Rapunzel como si fuera el hotelito más encantador del sur de Francia”. ¿Sus razones? Justificar por qué Rapunzel, siendo tan lista, no se había escapado antes de cumplir los 18 años. Así que la torre tenía que ser un lugar muy acogedor. El equipo artístico creó platós generados por ordenador que fueran originales y de gran belleza. Se inspiraron en la forma en S de "Cenicienta" y en las voluminosas proporciones de "Pinocho", que dan un toque sugestivo y cálido. Goetz utilizó una paleta de colores saturados para crear esa realidad tan intensificada que querían los realizadores.


“La totalidad del concepto de diseño está basado en las curvas en S y en formas muy fluidas", explica Goetz. “Byron y Nathan querían llevar el estilo clásico de Disney a una película generada por ordenador. Si nos fijamos en 'Cenicienta', todo es grácil, y casi todo proviene de un banco de formas que está hecho de combinaciones de curvas en S. Todo está imbuido de suavidad. No hay ángulos. Así que había que eliminar todo lo que tuviese un aspecto demasiado literal y que pareciese hecho a mano y no muy perfecto. Hemos estilizado las cosas para que las formas fueran gráciles y permitiesen al espectador escapar de la vida real. Pero al mismo tiempo todo esto existen en un universo que es creíble con texturas, iluminación y ambientes realistas”.

Cooper añade: "Estamos traduciendo el estilo clásico de Disney en algo que está generado por ordenador y el resultado es algo totalmente nuevo. El aspecto ha pasado por el filtro de la estética de Dave. Los directores querían explorar este aspecto, y Dave es el cabecilla que lo analiza y lo incorpora a este nuevo medio".


“Queríamos inventar un mundo creíble, aunque con una realidad exagerada”, añade Greno. “Queremos que el público sienta que es un lugar donde ellos mismos podrían estar, pero que es más bonito que el mundo real. Es un sitio imaginario muy real”.

Crear la torre de Rapunzel fue la tarea que llevó más tiempo y la que cambió menos durante el transcurso de la producción.

“Lo importante es que la torre resultase atractiva", dice Goetz. “Se encuentra en un valle precioso, y Rapunzel ha vivido allí feliz pero aislada. Pinta en las paredes y reproduce la vida que ve a su alrededor. El mural es su diario, con comentarios sobre su vida. Ve el mundo, lo traduce y eso se refleja en alguna parte del mural".

Los coloridos murales los diseñó Claire Keane (hija de Glen Keane), que aportó su talento y su imaginación.

“Empecé el proceso de creación del mural estudiando dibujos medievales y también la forma en la que algunos artistas relacionan los objetos", explica Keane. "Quería encontrar un nuevo lenguaje en su forma de pintar las paredes. El mural no sólo tiene funciones decorativas sino que expresa sus deseos y emociones subconscientes. Ella se pasa la vida cantando con los pájaros y regando las plantas. Le gustan las plantas porque ella viene de una flor.


También introduje el factor del paso del tiempo. Se reconoce el otoño, el invierno, la primavera y el verano. También hay marcas que nos dicen lo que ha crecido con el paso de los años”.

Glen Keane afirma: “Claire tiene algo del personaje de Rapunzel. Es indomable, el adjetivo que mejor define a Rapunzel. Cuando Claire tenía 18 meses, puse lápices y papel en su cuna e hizo un dibujo de su madre. Lo hizo todo al revés, pero tiene la barbilla de Linda, su nariz respingona, sus ojos, su peinado y sus pendientes. Siempre estaba preguntando si podía pintar los techos".


Al crear el pub Snuggly Duckling, una especie de bar de moteros medievales. Flynn lleva allí a Rapunzel para asustarla y que regrese a casa. Goetz estudió muchos pubs ingleses e hizo un viaje a la famosa taberna de Oakland que data de finales de los años 1800.


“El pub es el plató más divertido de la película. Y es muy posible que acabe recreándose algún día en un parque temático de Disney", dice Goetz. “John Lasseter me sugirió que visitase Jack London Bar en Jack London Square. Cuando entras en el bar todo el suelo se inclina. Hay cosas colgando del techo, incluyendo cientos de sombreros y las paredes están cubiertas de fotografías y recortes de prensa. Fue una excelente fuente de inspiración. Nuestro pub tiene armaduras colgando del techo y carteles de los 'Más buscados' por todo el local.”

En el castillo del rey y la reina de "Tangled" (Enredados), Goetz y su equipo querían crear algo que no se pareciera nada a los anteriores castillos de Disney. Buscaron arquitectura de casi todos los países europeos, incluyendo España, Italia, Portugal, Alemania, Francia y la República Checa.


“Nos inspiramos en los castillos daneses", recuerda Goetz. “Las bóvedas con juntas de cobre tenían un aspecto muy original y parecían encajar en el estilo de nuestra película. El castillo no es un rascacielos enorme. Tiene una escala más humana. Estudiamos qué área de la dirección artística podíamos ajustar para que la película fuera más atractiva. Y eran la escala, el color y la calidez. La arquitectura no es un elemento hostil, las formas son redondeadas y un poco estrambóticas".

Otra clave de la película es el bosque. Goetz manipuló la paleta de colores y utilizar un estilo hiperrealista para crear un ambiente más atractivo. “Los directores dieron instrucciones muy precisas sobre el diseño de los árboles y del bosque”, dijo. “La naturaleza de las formas es el elemento que las hace atractivas. Cuando Flynn es perseguido por los guardias del Rey y por Max, se adentra entre esos enormes árboles y tiene que abrirse camino. Pero Nathan y Byron no querían que pareciera espeluznante y diera miedo, sino que el bosque transmitiera una sensación misteriosa y más salvaje. Utilizamos el diseño de las formas, la iluminación y el color para dar un tono más ligero y no tan agobiante".


Doug Rogers añade: "Queríamos árboles de hoja caduca, no bosques de pinos, debido a las formas. Queríamos árboles con formas suaves. Una vez que creamos los árboles pudimos diseñar las copas. ¿Qué hace interesante a un árbol? Las raíces, la corteza, la estructura de las ramas. Todos nuestros árboles están dotados de personalidad y actitud. Los alineamos en diferentes formaciones.

Teníamos un catálogo de árboles, y en las imágenes generadas por ordenador, siempre tienes la posibilidad de cambiar la cámara dentro del mismo plató, y llegar a descubrir algo mejor".

Fuente: Walt Disney Studios

martes, 15 de febrero de 2011

Enredados: Viendo la Luz


Además del impresionante uso de la tecnología para avanzar en el arte de la animación, “Tangled” (Enredados) reunió a un grupo de fantásticos talentos técnicos para crear el impacto visual y la deslumbrante belleza que habían imaginado los realizadores.

El supervisor de efectos visuales Steve Goldberg, un veterano con 20 años en Disney, se encargó de supervisar a los equipos que crearon el aspecto, los entornos y los efectos de la película. “Llegué a Disney con el convencimiento de que si el arte y el talento que existen aquí en el estudio podían aplicarse al medio de la animación por ordenador, el resultado sería único y extraordinario", dice Goldberg. 

“Disney siempre ha contado con los mejores artistas de la industria y un legado para hacer animación de cinco estrellas. Y estoy convencido que 'Tangled' (Enredados) es la expresión perfecta de todo ese potencial. Con grandes artistas como Glen Keane, Dave Goetz y Dan Cooper en la cúspide de sus carreras, la magnífica dirección de Nathan y Byron, y la asombrosa maestría en técnicas digitales que atesora el estudio y que es mayor con cada película, Disney ha creado algo absolutamente especial con esta película.

“Con 'Tangled' (Enredados) quisimos superar todas las limitaciones y prejuicios sobre lo que es difícil y materializar la visión de los realizadores y directores artísticos", añade. “Con las técnicas generadas por ordenador, lo fácil y lo difícil es tremendamente variable. En una película puede haber algo que parece imposible y que se resuelve fácilmente en la siguiente. La tecnología evoluciona muy rápidamente y en la siguiente película vamos aplicando lo que aprendimos en las anteriores".


El supervisor de efectos generados por ordenador, Jesús Canal encabezó un equipo que se hizo cargo de los aspectos del desarrollo y diseño de los personajes, de las maquetas y el montaje. Su grupo también se encargó de simular el movimiento del pelo y de la ropa en las escenas que no exigían que los animadores hicieran ajustes individuales. “Simular la ropa de Rapunzel y de Madre Gothel fue un auténtico reto en esta película”, cuenta Canal. “Rapunzel lleva tres capas de ropa, lo que significa que se produce un roce entre las diferentes capas. Lleva una enagua, encima una falda y un corsé con mangas abullonadas. 

Madre Gothel lleva un vestido y una capa con capucha. Para los directores era muy importante que las mangas fueran largas para que pareciera que la madre asfixia simbólicamente a Rapunzel cada vez que la abraza".


Para Michael Kaschalk y su equipo, el reto consistió en crear uno de los efectos más complejos y complicados que se ha visto en animación generada por ordenador. Entre estos efectos está el resplandor que adopta el pelo de Rapunzel cuando aplica sus propiedades curativas, un cielo repleto de farolillos con luz de velas, aguas embravecidas y grandes masas de espectadores.

CUIDADO CON LAS INUNDACIONES
Una de las escenas con efectos más impresionantes se desarrolla en un pozo minero mientras Rapunzel y Flynn escapan de sus perseguidores en una rápida retirada de la taberna a la caverna. Estalla una presa y las aguas inundan la zona creando una escena de gran dramatismo. El equipo de efectos estudió la atracción Grizzly River Run que se encuentra en el Parque Temático de Aventuras de Disney en Anaheim, California, en busca de inspiración. Querían saber cómo se filtra el agua a través de la desvencijada presa de madera que estalla en la película.


“Nunca habíamos hecho agua a una escala parecida", dice Kaschalk. “Hay 87 millones de litros de agua virtual generada por ordenador que se vierten cuando la presa se derrumba, junto con cientos de trozos de tablones y madera saltando por todas partes. La secuencia tiene que ser lo más dramática posible y para conseguirlo creamos docenas de fuentes de agua de mentira para filmarlas fuera de la pantalla”.

LUCES VOLANDO
Crear un cielo repleto de farolillos para la escena capital de la película que acompaña a la canción “I See the Light” fue otro gran reto que tuvo que superar el equipo de efectos. John Ripa, artista de historia, tuvo la idea de este espectáculo además de algo que John Lasseter había experimentado personalmente.
Greno lo explica: "Nos estábamos dando golpes en la mesa intentando imaginar qué haría que Rapunzel saliera de la torre. Hablamos de fuegos artificiales o de algo que ella pudiese ver desde la distancia. Y entonces John Ripa tuvo la idea de esos farolillos flotando".

“Había leído sobre esas ceremonias con farolillos que celebran en Indonesia y el Lejano Oriente. En realidad son farolillos hechos con papel de arroz con una vela dentro y los echan a volar”, añade Howard. "Hay decenas de miles de ellas y el resultado es espectacular. Cuando se lo contamos a John Lasseter, nos dijo: 'Sí, yo ha he hecho eso'. Él y su mujer, Nancy, habían estado en Indonesia y habían lanzado uno de esos farolillos en una ceremonia. Sabía exactamente de lo que estábamos hablando y dijo: 'Hay que hacerlo. Será espectacular'."


Kaschalk lo cuenta así: “Buscamos material de Tailandia e investigamos muchísimo a qué rapidez volaban los farolillos, cuántos se solían soltar y cómo podríamos reproducirlo en nuestra gigantesca escena. Nos basamos en el enfoque de líneas que fluyen para recrear los movimientos de los farolillos. Pero no sólo fluyen haciendo un movimiento curvo, sino entre ellos. Los farolillos bailan entre ellos formando espirales. Esos movimientos simbolizan armonía y transmiten la idea del amor”.

El equipo de efectos creó un grupo de 14 farolillos de diferentes formas y colores. Se colocó una llama de 10.000 micropuntos de luz en cada uno, y se duplicaron los farolillos hasta alcanzar una cifra máxima de 46.000 en una de las escenas cumbre de la película.

“A medida que Rapunzel se pierde en su ensoñación, los farolillos se dispersan, se hacen más difusos, más brillantes y se multiplica su número", añade Kaschalk. “Al principio de la escena, el mar tiene olas y textura, pero a medida que avanza, se alisa y se convierte casi en un espejo.


De esa forma los farolillos se reflejan y da la impresión de que los dos están volando en su góndola rodeados de un universo cuajado de farolillos”.

El director artístico Dave Goetz dice: “La secuencia de los farolillos es la culminación de su historia de amor. La película pasa de ser una comedia romántica en la que los dos protagonistas están siempre de uñas (aunque de una forma muy divertida) a una auténtica historia de amor. Además, ha alcanzado la meta de su vida que era saber lo que son los farolillos. Queríamos que esta escena fuera romántica y que irradiara una gran belleza".

PASO A LAS MASAS
Antes del lanzamiento de los farolillos, miles de personas se reúnen en el patio del rey para contemplar el espectáculo. El equipo de efectos creó una muchedumbre digital de 3.000 personas para poblar la zona. Es la mayor multitud de personas que ha creado Disney en una película de animación hasta la fecha. Esto se consiguió eligiendo a 40 personajes, vistiéndolos y pintándolos de forma diferente, modificando rasgos como la barba, y multiplicándolos de forma aleatoria durante toda la escena.

ILUMINACIÓN CÁLIDA
Otro departamento que contribuyó a que la película resplandeciera fue el de iluminación, bajo la supervisión de Mohit Kallianpur. Kallianpur también supervisó los departamentos de desarrollo de aspecto y efectos de la película. “En esta película nuestra meta era hacer que la iluminación fuera brillante, alegre y transmitiera una sensación de felicidad”, dice Kallianpur. “Lasseter y el grupo artístico quería que fuera como la luz de la Provenza o de la Toscana para que la gente viera las imágenes y quisiera irse allí de vacaciones. La iluminación es suave y cálida en casi toda la película. Hay muchas luces que rebotan por todas partes, y fenómenos atmosféricos que añaden profundidad. Utilizamos un montón de colores saturados, con un buen equilibrio entre los tonos cálidos y fríos. La torre de Rapunzel es un escenario muy importante de la película, y la vemos en diferentes circunstancias. La iluminación nos sirvió para crear estados de ánimo que añaden impacto emocional a la historia".


Una de las tareas más difíciles del departamento de iluminación fue el interior del pub Snuggly Duckling. Cuando Rapunzel y Flynn llegan allí, la iluminación es muy fuerte e intimidante. Pero cuando empiezan a cantar, la iluminación se hace muy teatral y se acompaña con focos. La luz durante la canción de Madre Gother llamada “Mother Knows Best” también utiliza una luz muy teatral.


Fuente: Walt Disney Studios

lunes, 14 de febrero de 2011

Enredados: La Magia Está en el Pelo


La clave del éxito de la película era encontrar una forma de animar el pelo de Rapunzel y hacerlo creíble, orgánico y que los realizadores y animadores pudieran hacer con él todo lo que necesitaban hacer.

Keane es uno de los mayores especialistas a la hora de animar cabellos. “Si te fijas en mis personajes, sus problemas siempre tienen que ver con el pelo”, dice. “Ariel siempre está flotando en una nube de pelo rojo. Quiere decir que esta chica vive en un mundo pero quiere estar arriba, en otro. En el caso de la Bestia, su pelo hace alusión a su pelaje. Es un animal y le cubre todo el cuerpo. El viento siempre está agitando el pelo de Pocahontas. Esta peculiaridad representa su lado espiritual, y su lucha por comunicar la invisible naturaleza espiritual del Nuevo Mundo a aquellos que sólo ven el oro que esconde. Las raíces de Tarzán eran las de Lord Greystroke. Pertenece a la aristocracia, pero ahora lleva unas melenas que no han visto nunca un peine. El pelo define su problema: ¿es un ser humano o un animal? En el caso de Rapunzel, su pelo nos recuerda constantemente que tiene un potencial increíble”.


Keane enseñó a los animadores cómo animar y colocar el pelo y trabajó con el equipo técnico en el proceso de simulación. “Hice un montón de dibujos y les hablé de los principios que hay que tener siempre en mente. El pelo debía tener un aspecto sensual, algo que resultara atractivo y que irradiara belleza. Y también tenía que pesar. Rapunzel tiene que tocarlo y utilizarlo. Además desempeña un papel muy importante en su historia. Es un lugar en el que se esconde, y cuando se siente libre, lo lanza por los aires”.


Clay Kaytis, el supervisor de animación, lo explica: “Ningún estudio había hecho nunca 21 metros de pelo. En el pelo que se había visto hasta ahora en animación, el pelo es bastante pasivo. Los personajes no suelen interactuar con él. No lo lanzan por los aires ni lo enredan en las sillas. Es la primera vez que se ha hecho este tipo de trabajo. Estoy alucinado con la capacidad técnica que se han conseguido en esta película. Sin lugar a dudas estamos ante una proeza tecnológica.

Y añade: “Animar el pelo de Rapunzel ha sido una gigantesca tarea para nuestro equipo". “Si el movimiento no exige interacción, como cuando ella está corriendo o sentada o haciendo cosas normales, se añade una simulación recta. Pero si necesita coger la melena y lanzarla, las cosas se complican. Hay varias soluciones técnicas, pero la más básica es la que el animador controla a mano, moviendo un tubo largo".


El supervisor de efectos visuales Steve Goldberg, el supervisor de efectos generados por ordenador Jesús Canal, el supervisor técnico Mark Hammel y un equipo técnico de expertos en pelo (encabezado por Xinmin Zhao y Kelly Ward), fueron los encargados de encontrar una forma de dar vida a la melena de Rapunzel. Desarrollaron un nuevo software (llamado Dynamic Wires) y nuevas técnicas para llevar a cabo las ambiciosas ideas de los realizadores sobre la animación del pelo.

“Glen convocó reuniones y nos dio directrices específicas para asegurarse de que el pelo de Rapunzel siempre estuviera fantástico, atractivo y natural”, dice Canal. “No quería que el pelo cayera formando una línea recta ya que eso resultaba muy soso. Debía tener volumen, ondas sensuales, mechones marcados y un remolino muy característico en la frente. Tuvimos que colocar y simular el pelo en cada plano siguiendo esas directrices. El equipo técnico animó 147 tubos que representaban la estructura del pelo, de la que saldría una imagen individual con cerca de 140.000 cabellos”.


La ingeniera informática Ward, que trabajó a las órdenes del supervisor de simulación Zhao, fue parte del equipo de tres (junto con Maryann Simmons y Andy Milne) encargado de crear el software de simulación para el pelo. Ward, licenciado en Informática por la Universidad de Carolina del Norte, escribió su tesis sobre el pelo y ha pasado los 10 últimos años dedicado a animar pelo en el ordenador. Está considerada una de las mayores expertas en la materia.

“El primer obstáculo fue simular un pelo tan largo", explica Ward. “Desarrollamos el programa Dynamic Wires para 'Bolt'. Pero en esa película el pelo era muy corto. Al ser más largo se plantean enormes problemas de tiempo porque la simulación dura mucho más y se necesitan muchos recursos informáticos. Otro gran problema fue que el pelo se amontonaba en el suelo cuando Rapunzel se movía. Una vez que logramos algo que se pareciera a una melena de 21 metros, tuvimos que darle el estilo artístico. En la siguiente fase tuvimos que trabajar con los directores y los animadores para comprender qué aspecto querían que tuviese el pelo y cómo tenía que moverse”.


La investigación incluyó anuncios de champú en YouTube y observar a una modelo con una melena de casi dos metros par comprender la física. Se realizaron un montón de pruebas para ayudar a los simuladores a perfeccionar el movimientos del pelo. Ward apunta: "Nuestro trabajo consistió en hacer que el pelo fuera atractivo. Teníamos que dar ese toque artístico que lo convirtiera en una materia exquisita, maravillosa, voluminosa y brillante”.

“Fue una tarea realmente ardua", dice Zhao. “Llegó un momento en el que supimos que podíamos simular el pelo. Pero después, teníamos que tener en cuenta las necesidades de la dirección artística a la hora de crear formas, curvas, movimiento y peso. El reto era conseguirlo rápidamente y ajustarlo para que los usuarios pudieran conseguir los resultados deseados. Al principio, nos costó dos semanas terminar una escena. Después lo conseguimos reducir a diez horas o menos".

El supervisor de efectos Michael Kaschalk y su equipo añadieron los toques finales a la melena de Rapunzel para dar ese brillo mágico. Dave Goez, director artístico, les explicó lo que quería y el equipo de efectos creó un nuevo aspecto para que el pelo tenga poderes cuando se canta el conjuro. “No queríamos utilizar polvo de hadas, o algo que ya se había hecho antes", dice. “Lo que hicimos fue añadir espirales, formas helicoides que fluyen a través del pelo y crean un resplandor interior que emana hacia el exterior. Da la impresión de que el pelo está iluminado desde el interior".

El equipo de efectos también encontró la forma de hacer mechones e introducir cambios sutiles en el tono para que no pareciera demasiado uniforme.

Fuente: Walt Disney Studios