AVISO

AVISO: Este blog trata sobre cómo se hacen las películas de Disney por lo que puede haber SPOILERS en los artículos cuando se habla con detalle sobre determinados personajes o escenas.

domingo, 10 de julio de 2011

Winnie the Pooh: El regreso del estilo más clásico

Walt Disney Animation Studios vuelve al Bosque de los Cien Acres con “Winnie the Pooh”. Hacía más de 35 años que Disney no llevaba a la gran pantalla una aventura animada de Pooh. Esta película es totalmente nueva pero sigue teniendo el encanto intemporal, el ingenio y la originalidad de los primeros cortos. El "Osito de Poco Cerebro" vuelve a reunir al público así como a sus amigos Tigger, Rabbit, Piglet, Kanga, Rito y por último Igor, que ha perdido la cola.


“Toda la historia se desarrolla en un solo día", dice el directo Don Hall. “La vida continúa en el Bosque de los Cien Acres. Pooh se despierta con un hambre de lobo y se da cuenta que no tiene miel. Así que decide salir a buscar su alimento favorito, pero empiezan a ocurrirle todo tipo de cosas y sus planes se van al traste. Y el primer problema es buscar una nueva cola para Igor".

Después Pooh encuentra una nota de Christopher Robin que dice: "He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida". Pero Búho interpreta mal la nota y afirma que una criatura llamada "Backson" ha secuestrado al chico. Así que toda la pandilla se pone en marcha para rescatar a Christopher Robin de las garras de un delincuente imaginario. El día se le complica mucho a este osito que sólo había salido a buscar un poco de miel.

“Nuestra intención es hacer siempre una película para todas las generaciones. Una película que guste a los niños, que entretenga a sus hermanos adolescentes y que haga reír de buena gana a los padres, dice John Lasseter, productor ejecutivo. "Las personalidades de los personajes de A.A. Milney están perfectamente dibujadas y su sencillez les hace tremendamente elegantes. Nos parecieron increíblemente divertidos incluso antes de hacer un primer esbozo de la historia. Son personajes con los que hemos crecido todos, personajes que queremos que conozcan los más pequeños de la casa y que vuelvan a descubrirlos todas las personas que queremos".

El cómico John Cleese (“Shrek Forever After” [Shrek, felices para siempre], “A Fish Called Wanda” [Un pez llamado Wanda]) es el narrador de “Winnie the Pooh”. El reparto de voces en inglés cuenta con algunos de los actores favoritos que ya habían prestado anteriormente su voz a los personajes: Jim Cummings (“Gnomeo & Juliet” [Gnomeo y Julieta], “The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo], “Shrek”) presta su voz a Winnie the Pooh y a Tigger, y Travis Oates (“My Friends Tigger & Pooh”, “Tigger & Pooh and a Musical Too”) es la voz de Piglet. El reparto también incluye a los nuevos amigos de Pooh como Bud Luckey (“Toy Story 3”) en la voz de Ígor, Craig Ferguson (“The Late Late Show with Craig Ferguson”) que presta su voz a Búho, Tom Kenny (“SpongeBob SquarePants” [Bob Esponja]) en la voz de Rabbit, Kristen Anderson-Lopez (serie de televisión “The Wonder Pets” [Mascotas maravilla], "In Transit” obra del Off Broadway) en la voz de Kanga, Wyatt Hall que presta su voz a Roo y Jack Boulter que es la voz de Christopher Robin.

La película está dirigida por Stephen Anderson (director de “Meet the Robinsons” [Descubriendo a los Robinson]) y Don Hall (responsable de historia en “The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo], “Meet the Robinsons” [Descubriendo a los Robinson]); Peter Del Vecho (“The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo]) es el productor. John Lasseter es el productor ejecutivo de “Winnie the Pooh”. Kristen Anderson-Lopez (“In Transit”) y Robert Lopez (“Avenue Q” en Broadway) se encargan de las canciones originales; la banda sonora original es de Henry Jackman (“Kick-Ass” [Kick-Ass: Listo para machacar], “Monsters vs. Aliens” [Monstruos contra alienígenas]). La actriz/músico/cantante/compositora Zooey Deschanel (banda de Indie folk de “She & Him”) es la voz que canta el tema del adorable “Winnie the Pooh", así como otras canciones de la película, incluyendo la canción de los créditos finales, "So Long", escrita por ella.

"Winnie the Pooh" se inspira en los tres cuentos de A.A. Milne. Este clásico de Disney, cuyos dibujos están realizados a mano, "Winnie the Pooh" llega a los cines de Europa y Latinoamérica en la primavera del 2011. En Estados Unidos se estrena el 15 de julio de 2011.

“El aspecto de esta película está directamente inspirando en los libros de Milne", dice Lasseter. “Tiene ese estilo clásico de la acuarela y del dibujo hecho a mano que había desaparecido de la mayoría de las películas animadas. Estos personajes surgen de las páginas de los libros. Es una historia clásica de Pooh en su máxima expresión".


REGRESO A LAS RAÍCES
Los realizadores se adueñan de estos personajes intemporales

Cuando John Lasseter, consejero delegado creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios se reunió con los directores Don Hall y Stephen Anderson para volver a llevar a Pooh a la gran pantalla, los realizadores aceptaron enseguida la propuesta. "Nos pareció una gran oportunidad para revisitar esos entrañables personajes y jugar con ellos, jugar en su mundo y llevarlos al público actual", dice Anderson, que es un fan de toda la vida de los libros y de la música. De hecho, su madre le tocaba música de Pooh desde siempre.

Hacía 35 años que la pandilla del Bosque de los Cien Acres no había puesto los pies en Walt Disney Animation Studios (las últimas películas habían salido directamente en DVD o realizadas por otros estudios), así que para Lasseter y los directores era importante volver a llevar a estos personajes a la gran pantalla pero de una forma muy especial. "Nuestra misión era que Winnie the Pooh llegara a un público lo más amplio posible: niños pequeños, niños un poco mayores, adolescentes, veinteañeros y otros aún más mayores", dice Hall. "Queríamos que regresara a sus raíces".

Y para hacerse una idea sobre el escenario en el que iba a desarrollarse la historia, los realizadores visitaron Ashdown Forest en East Sussex, Inglaterra, donde A.A. Milne escribió los libros de Pooh y donde el auténtico Christopher Robin pasaba sus vacaciones de verano. Visitaron varios museos de Londres para ver los dibujos originales de E.H. Sheperd, y organizaron pases de las películas antiguas para el reparto, el equipo técnico y sus familias. Todos se rieron, con independencia de su edad, así que eso fue una buena señal para el equipo.

"Todos nos enamoramos de los cortometrajes que hizo Walt a finales de los años 60", dice Hall, que no estaba tan familiarizado con los personajes al principio del rodaje. Pero ahora se ha convertido en un auténtico fan. "Vimos varias veces las películas antiguas y después volvimos al texto original de A.A. Milne. Leímos los dos libros e intentamos extraer historias que no se habían explorado demasiado en las películas".

Después, el equipo se centró en su arma secreta: Burny Mattinson. "Soy el hombre que crea la historia", dice el veterano animador de Disney. Mattinson es uno de los pocos artistas de Disney que puede afirmar que ha trabajado con Walt Disney y más de 50 años después sigue en Walt Disney Animation Studios.
"Tuvimos la suerte de poder contar con Burny, uno de los mejores narradores de historias de todos los tiempos, para que dirigiera el desarrollo de la historia", dice John Lasseter, productor ejecutivo. “Se nota que se lo pasaron bomba visualizando y contando esas historias".

Hall añade: "No hay nadie mejor para transmitir el espíritu, el encanto de un clásico de Disney. Le llamamos el gurú Pooh porque ha sido nuestro referente durante todo el proceso".

Mattinson empezó en la sala de distribución de correo de Disney en 1953. Tenía 18 años, pero eso no le impidió ascender rápidamente. A los seis meses, Mattinson estaba trabajando como intercalador de “Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo) (1955). Diez años después conoció a Winnie the Pooh. "Empecé a trabajar en 'Winnie the Pooh and the Honey Tree’ (Winnie the Pooh y el árbol de la miel) en 1964, dice Mattinson. "En aquella época era ayudante de Eric Larson. Era uno de los Nueve Ancianos".

La película, dice Mattinson, empezó como un largometraje, pero Walt Disney decidió estrenar una versión abreviada en forma de cortometraje. "El primer cortometraje funcionó muy bien", dice Mattison. "Así que Walt dijo que teníamos que hacer un segundo". Y así fue como nació ‘Winnie the Pooh and the Blustery Day’ que funcionó aún mejor y ganó un Premio de la Academia®".

Según Mattison, Winnie the Pooh, las películas y el merchardising que le siguió, se convirtieron en un éxito gigantesco. El Estudió creó un tercer cortometraje llamado "Winnie the Pooh and Tigger Too" (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!) en el que Mattison fue animador principal. Los cortometrajes se reunieron después en un largometraje de 1977 titulado "The Many Adventures of Winnie the Pooh" (Las aventuras de Winnie the Pooh).

Ahora, más de treinta años después, Walt Disney Animation Studios vuelve a traernos al "oso con un cerebro muy pequeño". "No sólo hemos vuelto a las raíces literarias, es decir a los libros de A.A. Milne", dice el productor Peter Del Vecho, "sino también a las raíces de Disney. De hecho llevábamos 35 años sin animar esos personajes dentro de las paredes de los Estudios de Animación Walt Disney.

Del Vecho añade: "Nos dimos cuenta que las primeras películas tenían un encanto especial y que a nuestras películas más recientes le faltaban ciertos elementos. Por ejemplo, había mucha interacción entre los personajes y el texto del libro, así que siempre sabías que eran personajes salidos de un libro. Decidimos recuperar esa interacción".

La interacción con el texto de los libros y también la interacción del personaje con el narrador John Cleese, logra romper la cuarta pared, acercar mucho más los personajes al público, un aspecto que gustó a los realizadores. Además, utilizaron un estilo artístico que se parecía al de las primeras películas.

Del Vecho dice: "Nos aseguramos que la película diera esa sensación de acuarela que tienen las originales. Y todos los dibujos se realizaron a mano. De hecho se pueden ver las líneas en los fondos terminados, y también el papel blanco El lápiz, el papel y la acuarela se funden para transmitir la esencia de las películas clásicas".

Los realizadores también recuperaron la primera secuencia de acción real que se desarrolla en el dormitorio de Christopher Robin. Del Vecho afirma: "Es importante porque gracias a esa secuencia de apertura en la habitación de Christopher Robin queda claro que se trata de animales de peluche y que sólo cobran vida a través de la imaginación de un niño".

Encontraron fotos de la habitación real de Christopher y la diseñaron lo más parecida posible. Por supuesto, para rodar la escena de acción real los realizadores iban a necesitar los animales de peluche. Afortunadamente Burny Mattinson tenía una copia de Pooh. “Woolie” Reitherman, el director de los cortometrajes clásicos y del largometraje posterior, le pidió a un miembro del equipo de tinta y pintura que construyera muñecos para la secuencia de apertura. Mattinson, que no lo sabía, le pidió lo mismo a su mujer. "Se puso inmediatamente a hacerlo", dice Mattinson, "le mostré a Woolie el pequeño Pooh y le pareció precioso".

Pero era demasiado tarde. La escena de apertura ya se había rodado con los otros juguetes. Pero el director se enamoró de la creación de la Sra. Mattinson. "Le dijo: 'si no le importa me lo voy a quedar unos días en mi habitación', dice Mattinson. "Y no se lo devolvió".

Al final Reitherman le devolvió el muñeco al veterano animador que todavía lo conserva. "Me la llevé a casa y se lo di a mis hijos, y después a mis nietos. Pasó cierto tiempo en un desván polvoriento", dice Mattinson. "No tiene las articulaciones en muy buen estado pero sigue de una pieza".

De hecho, el Pooh hecho en casa hizo su primera aparición en la gran pantalla en la secuencia de apertura de acción real de "Winnie the Pooh". "Cuando decidimos hacer esta película y rehacer la secuencia de apertura, se lo traje a los directores y les gustó muchísimo".


MEJORANDO UN CLÁSICO
Los realizadores buscan la forma de mejorar los entrañables personajes

Los realizadores se enfrentaron a un verdadero desafío ya que iban a hacer una película en la que los personajes son conocidos en todo el mundo. El director Stephen Anderson dice: "Es interesante comparar el proceso de crear un mundo desde cero a sumergirte en un mundo que ya existe. No tienes que enfrentarte a una página en blanco con todas esas preguntas sin responder y darte cabezazos contra la pared intentando imaginar algo. Pero en este caso hemos cogido personajes muy queridos del público desde hace muchos años. Así que no quieres defraudarles sino encontrar la forma de aportar algo de nosotros mismos a la película".

Según los directores, el truco está en mantener las cualidades de esos clásicos que tanto les gustan, pero añadiendo toques contemporáneos que resultan más divertidos para el público de hoy. "El mundo que creó Milne es un mundo intemporal y queríamos mantener ese espíritu", dice el director Don Hall. "No queríamos que los personajes tuvieran artilugios modernos. Queríamos que siguieran siendo intemporales. Pero lo que sí podíamos hacer era actualizar el sentido del humor".

Algunos personajes -Tigger y Pooh- conservan su personalidad, dice Hall, mientras que otros han cambiando un poco. "Rabbit era un poquito pesado, muy ordenado, muy puntilloso y a veces resultaba antipático", dice el director. "Es un tipo gruñón, necesita hacer ese papel en el grupo. Pero se nos ocurrió hacerlo un poco más amable y con algo más de humor".

Y en palabras de Hall: "Búho es irresistible. Es tremendamente divertido. Búho solía ser muy fanfarrón, un poco fantasma, pero ahora es un verdadero chiflado. Está totalmente loco, en el mejor sentido de la palabra".

Y la palabra loco puede ser la más acertada a la hora de referirse al humor de la pandilla del Bosque de los Cien Acres, según los realizadores. De hecho, el productor ejecutivo John Lasseter comparó los personajes de "Winnie the Pooh" con los de “One Flew Over the Cuckoo’s Nest” (Alguien voló sobre el nido del cuco).

Y según el creador de la historia Burny Mattinson, les abrió un montón de puertas. "Nos permitió pensar en estos personajes de forma totalmente distinta. Tienen un sentido del humor muy simple pero a la vez muy descabellado".

Los realizadores afirman que el objetivo era sorprender al público, pero sin asustarle. "Puede que tengan una idea preconcebida sobre Winnie the Pooh", dice Hall. "Queremos que todo el mundo sepa que Pooh no es una película para niños de guardería, es algo que puede llegar a todo el mundo. Se pueden divertir mucho con los personajes y en cierto sentido verse reflejados en esos personajes".

El productor Peter Del Vecho afirma que el momento no podía ser más propicio ya que según él, "Winnie the Pooh" nos da lecciones sobre la vida que impactarán más que nunca al público de hoy. No tiene por qué ser complicado. Estos personajes lo tienen muy claro. La clave está en la fuerza de la amistad y también nos recuerda la importancia de la imaginación. Y todo el mundo puede identificarse con un personaje como mínimo".

Anderson afirma: "Lo interesante de los amigos del Bosque de los Cien Acres es que puedes resumirlos a todos en una sola palabra: Piglet es el miedo, Búho es el ego, Rabbit es el control, Pooh es la inocencia e Igor es el pesimismo. Todos representan cualidades humanas. Pero eso son tan creíbles y también tan divertidos Los observas, te ríes y te identificas con ellos".


QUIÉN ES QUIÉN EN "WINNIE THE POOH"
Los entrañables personajes han vuelto

“Winnie the Pooh y sus amigos del Bosque de los Cien Acres son algunos de los personajes más divertidos y entrañables de la animación de Disney”, dice John Lasseter, productor ejecutivo. “Para un grupo de fantásticos realizadores, esta nueva película ha sido una excelente oportunidad para ofrecer su visión personal sobre este material.

“Nuestros directores Don Hall y Steve Anderson pidieron prestadas unas cuantas páginas de los magníficos y galardonados cortometrajes de los años sesenta creados por Walt Disney y su equipo de legendarios animadores y narradores. Y hay que reconocer que han hecho un trabajo espectacular contando una nueva historia divertida y emocionante”, añade Lasseter. “Es una alegría tremenda volver a ver a estos personajes en la gran pantalla. Y estoy convencido de que despertará al niño que todos llevamos dentro.”
WINNIE THE POOH (voz de Jim Cummings)
Winnie the Pooh se describe a sí mismo con un "osito de poco cerebro", pero este encantador y mullido oso tiene una filosofía muy suya y muy realista que conquista a todo el mundo. “Winnie the Pooh tiene una sabiduría muy sutil", dice el productor Peter Del Vecho. “Se trata de disfrutar de los amigos, de la familia y la vida. Nos devuelve a un estilo de vida más sencillo y menos complicado".

“Es un cruce entre el caballero más encantador y el niño más adorable", añade Jim Cummings, que presta su voz a Pooh. “Creo que Pooh ve el mundo a través de sus gafas color miel”.
Pooh es un amigo leal de sus vecinos del Bosque de los Cien Acres. Siempre está dispuesto a echar una mano o más bien una zarpa... Y está deseando compartir un tarro de miel con quien se lo pida. Lo cierto es que a Winnie the Pooh siempre le apetece comer miel o lo que encuentre a mano para acallar el constante "gruñido de sus tripas".

Y es ese "gruñido de sus tripas" lo que da lugar a la última aventura de Winnie the Pooh, cuando el osito se encuentra un montón de tarros de miel vacíos. “¡Qué pena!”, exclama Pooh que tiene que salir en busca de su comida favorita. Y a pesar de sus esfuerzos encuentra de todo menos miel.

El osito de peluche de Christopher Robin, hijo del escritor A.A. Milne sirvió de inspiración para el personaje. Milne le puso el mismo nombre que tenía un oso de verdad del Zoo de Londres. Este Winnie, donado al zoo por el oficial canadiense Harry Colebourne, se llamaba así en honor a Winnipeg, su ciudad natal.

A.A. Milne escribió por primera vez sobre Winnie the Pooh, en un artículo del periódico londinense Evening News a finales de 1925. Al año siguiente llegaron el resto de los amigos que tiene Winnie the Pooh en el Bosque de los Cien Acres.

El artista E.H. Shepard fue quien dibujó el personaje de Winnie the Pooh, y su interpretación está basada en el osito de peluche de su propio hijo.

Las entrañables características de Winnie the Pooh incluyen su pasión por la miel, su filosofía práctica de la vida y sus comentarios desprovistos de cualquier arrogancia: "Soy un osito con poco cerebro y las palabras largas me molestan”.

De la película: “Esto parece divertido", decía Pooh. “Debo estar pensando demasiado”.
PIGLET (voz de Travis Oates)
Piglet es un animalito asustado y de voz suave cuya generosidad y humildad superan con mucho su pequeño tamaño. Sus movimientos meticulosos, su manera de retorcer las manos y su adorable tartamudeo -“qué-qué-qué-es-esto”- nos transmiten su carácter nervioso y su miedo a lo desconocido. “Lo más maravilloso de Piglet es que aunque todo le da miedo se atreve a enfrentarse al mundo para estar con sus amigos", dice Travis Oates, que presta su voz a Piglet.

Dentro del diminuto cuerpecito de Piglet hay un gran corazón que asume grandes responsabilidades en su última aventura. ¿Hay que cavar un agujero? Piglet se pone manos a la obra. ¿Hay que quitar piedras? Piglet es tu hombre. El no se echa atrás, a pesar de que eso signifique internarse en los bosques más oscuros y enfrentarse a una aterradora criatura llamada Backson que con toda seguridad ha secuestrado a Backson. (Al menos esto es lo que dice Búho)

“Piglet es el colega de Pooh, su ayudante”, dice Bruce Smith, el supervisor de animación. “Pero en este caso, le dejan solo para que se enfrente al Backson. A Piglet nunca le habían encargado una tarea tan difícil. Tiene que hacerse mayor. Y ver a Piglet prepararse para la batalla es muy divertido".

El Piglet original formaba parte de los juguetes de Christopher Robin y hoy está en la Biblioteca Pública de Nueva York junto con el oso de peluche original del niño, al igual que Tigger, Igor y Kanga.
Piglet es un personaje al que todo el mundo adora por ser tan leal a Winnie the Pooh.

De la película: “Ay ay ay, no hay que tener miedo”, decía Piglet. “Hay que hacer una cosa muy importante".
TIGGER (voz de Jim Cummings)
Tigger es una criatura única y exuberante con su famosa cola elástica. Actúa por impulso y esa forma de ser tan lanzada a menudo le hace saltar sin mirar. La capacidad de rebotar de Tigger es la perfecta expresión de sus inagotables ganas de vivir, una alegría que siempre está dispuesto a compartir con sus amigos. Aunque algunos, como Rabbit, no siempre quieren compartirlo con él. A otros, como Igor, les resulta mucho más fácil apuntarse a lo que propone Tigger. “Tigger siempre está inventándose cosas que hacer", dice Andreas Deja, el supervisor de animación de Tigger. “Intenta convencer a Igor que para encontrar al Backson, la criatura que ha secuestrado supuestamente a Christopher Robin, Igor necesita la energía de un Tigger, es decir de un tigre. Intenta convertir a Igor, ese personaje triste y traumatizado, en un Tigger repleto de energía”.

La personalidad única de Tigger también conlleva una manera muy personal de hablar. Confunde palabras e inventa otras. Tigger le dice a Igor: “¡Necesitamos Tiggerizarte!”

El personaje de Tigger surge en “The House at Pooh Corner” de A.A. Milner, en 1928.

Tigger es absolutamente especial—“y lo mejor de los Tiggers es que yo soy el único”.

Tigger es conocido por su carácter alegre, su propensión a rebotar (¡es lo que mejor saben hacer los tigres!) y sus excesos verbales: “¡TTFN—Ta-Ta-For-Now!”

De la película: “Si vas a saltar, tendrás que tomar impulso botando", decía Tigger. “El Bosque de los Cien Acres necesita un héroe… y yo soy el único que hay.”
IGOR (voz de Bud Luckey)
Igor es el entrañable burrito triste al que todo el mundo adora. Pero Igor no se considera un triste, sólo le falta ambición.

Se sorprende y hasta cierto punto se siente decepcionado por ser uno de los protagonistas de “Winnie the Pooh”. Según el supervisor de animación Randy Haycock, “Igor tiene un papel muy significativo en esta película, más que en cualquier otra, ya que el argumento central se basa en que ha perdido su cola y todo el mundo intenta ayudarle a encontrar una nueva”.

Igor ve la vida con bastante pesimismo, pero aún así a veces tiene destellos de alegría. Los gestos amables de sus amigos y masticar cardos suelen alegrar su carácter sombrío. Pero a pesar de su actitud sombría, Igor se ha ganado el corazón de muchos. Haycock afirma: “Creo que lo que hace que Igor sea divertido es que él no sabe que es divertido".

La voz en inglés de Igor es Bud Luckey, un veterano animador/diseñador de personajes cuyos créditos incluyen “Toy Story”, “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), y la serie de televisión “Sesame Street” (Barrio Sésamo). También dirigió el cortometraje de Pixar titulado "Boundin'", que le valió una nominación a los Oscar®. En cierto sentido, Luckey personifica el verdadero espíritu del personaje y dice que Igor es un tipo relajado. “Es bastante indolente, pero sus amigos se ocupan de él”.

Igor es bastante pasota, pero le encanta comer cardos.

A.A. Milne le describió como un "viejo burro gris", pero a pesar de su manera pesimista de ver la vida, es uno de los personajes más queridos por los fans de la serie.

De la película: "Podría ser peor", dice Igor. "No estoy seguro, pero podría ser".
BÚHO (voz de Craig Ferguson)
Todo el mundo sabe que los búhos son las criaturas más inteligentes del reino animal. Y Búho lo sabe todo, o eso es lo se cree él, aunque su si información (¡y su ortografía!) no siempre son exactas. Aunque Búho es bastante sabelotodo, también le gusta ayudar a sus amigos. Pero sus ganas de ayudarles suele acarrear problemas al Bosque de los Cien Acres, y en esta entrega de “Winnie the Pooh” no nos defraudará...

“Hay una nota en la puerta de Christopher Robin", dice el director Don Hall. “Pooh no la entiende y se la lleva a Búho. Y Búho interpreta 'He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida' como que una aterradora criatura llamada 'Backson' ha secuestrado a Christopher Robin”.

Así que todos se ponen a buscar al Backson, que sólo existe en la imaginación de Búho... y ahora en la de todo el mundo. “Búho es un de esos tipos maravillosos que no sabe decir algo tan sencillo como 'No lo sé'", dice Craig Ferguson, que presta su voz a Búho. “Así que se inventa cosas, improvisa para que sus amigos no se den cuenta de lo desesperado que está. Y en eso se parece muchísimo a mí”.

Búho es un personaje totalmente inventado. Winnie the Pooh, Tigger, Piglet e Igor estaban inspirados en los juguetes del hijo de A.A. Milne, mientras que Búho es fruto de la imaginación.

Búho es conocido por su sabiduría, que él se encarga de proclamar a los cuatro vientos. A pesar de que afirma tener todo tipo de conocimientos, lo cierto es que la ortografía no es uno de ellos. Búho se equivoca bastante a menudo. En todos los círculos siempre hay alguien que se parece a Búho.

De la película: “El talento artístico me viene de familia", decía Búho. “De hecho, es algo innato”.
RABBIT (voz de Tom Kenny)
Seguramente, Rabbit es el más listo de los amigos del Bosque de los Cien Acres (al menos eso es lo que él piensa), y suele erigirse en líder del grupo. “Si tuviera que elegir un calificativo para Rabbit", dice Tom Kenny, la voz de Bob Esponja que presta también su voz a Rabbit, "diría que es un maniático. Es muy exigente, muy organizado. Le gusta que su jardín esté de tal forma, tener su casa de tal forma, no le gustan las visitas inesperadas... la gente que se presenta de improviso a su puerta echa a perder su rutina, y a él le chifla la rutina".

Rabbit es testarudo y se enfada a menudo, pero sus amigos saben que es más dulce que un conejito de chocolate y que siempre está dispuesto a entrar en acción.

“En realidad, es a Rabbit a quien se le ocurre el plan para atrapar al Backson y rescatar a Christopher Robin”, dice el director Stephen Anderson.

“Diseña un disparatado plan para dejar cosas desperdigadas que puedan atraer al Backson y así poder atraparle”, añade Eric Goldberg, supervisor de animación. “Rabbit es aún más estirado que en las películas originales. Hemos retomado las características que todo el mundo conoce y las hemos exagerado dándoles un toque más humorístico".

Rabbit es otro de los personajes inspirados en los juguetes de Christopher Robin Milne, que Milne introdujo para complementar a los demás.

Rabbit es famoso por su comportamiento bastante impulsivo. Pero hay muchos fans que comparten su obsesión por el orden.

De la película: “Lo último que necesitaba es una visita de ese oso", decía Rabbit.
KANGA (voz de Kristen Anderson-Lopez)
Kanga -la mamá de Rito- es una canguro cariñosa y protectora. Tiene las manos (y también la bolsa) llena con el pequeño Rito, pero lo lleva con amor y mucha paciencia.

Cuando Búho plantea la idea de un concurso para encontrar una nueva cola para Igor, lo primero que hacen los amigos del Bosque de los Cien Acres es discutir sobre el premio que debería darse al ganador. Rito sugiere que tiene que ser algo guay, "como un petardo". Mamá Kanga dice: “No, por Dios, tiene que ser algo bonito, como un buen abrazo”.

Y cuando se presentan los aspirantes, Kanga ha tejido una bufanda para que "no le enfríe el trasero".
Si Kanga fuera una persona, sería la típica madre y ama de casa perfeccionista que sabe hacer de todo.

Kristen Anderson-Lopez presta su voz a Kanga y también compone una serie de canciones originales (junto con su marido y compositor Robert Lopez).

De la película: “Tiene que ser algo bonito, como un buen abrazo”, decía Kanga.

RITO (voz de Wyatt Hall)
Rito es un joven atrevido y aventurero que quiere ir a todas partes e intentarlo todo. No importa cuál sea la situación o las pegas que le ponga su madre... Rito se tira al agua pase lo que pase. A veces Rito pone a prueba la paciencia maternal de Kanga, pero al final no hay nada más agradable que los mimos de su mamá cuando vuelve a su bolsa.

Mientras que las versiones en peluche de Winnie the Pooh, Piglet, Tigger, Igor y Kanga viven en la Biblioteca Pública de Nueva York, Rito se perdió en un campo de manzanos en los años 1930.

Wyatt Hall, el hijo de siete años del director Don Hall, fue contratado para hacer el chirrido -o voz temporal- de Rito. Hall dice que al principio su hijo no estaba muy entusiasmado, pero aceptó la oferta (después de sobornarle con algún que otro Transformer), y acabó convirtiéndose en la voz oficial de Rito. “Pero puede que hayamos creado un monstruo”, dice Hall. “Intentábamos enseñarle cómo decir alguna frase en especial y él nos contestaba: 'No creo que Rito lo hubiera dicho así'.

Rito es un niño muy valiente y por eso tiene un montón de seguidores.

De la película: “Qué tal algo guay”, decía Rito, “¡como un petardo!”


CHRISTOPHER ROBIN (voz de Jack Boulter)
Christopher Robin es el único ser humano del Bosque de los Cien Acres y aunque es un niño pequeño, todas las criaturas acuden a él en busca de sus consejos y su amistad. Pero al que más quiere es a Winnie the Pooh. Ambos han corrido muchas aventuras juntos.

Christopher Robin sabe perfectamente que a Pooh le gusta meterse en líos... Se le oye a menudo diciendo que su amigo es un “¡Oso tontísimo!” Pero a pesar de los problemas que se busca la pandilla, Christopher Robin siempre está dispuesto a acudir a su rescate. Pero él también puede contar con ellos, porque para eso están los amigos. La verdad es que Christopher Robin no podría haber soñado con tener mejores amigos.

Christopher Robin lleva el nombre del hijo de A.A. Milne, Christopher Robin Milne. Para escribir estos cuentos clásicos, el autor se inspiró en su osito de peluche, que llevaba el nombre de un oso del Zoo de Londres.

El verdadero Christopher Robin nació en 1920.

La sincera amistad de Christopher Robin por sus amigos ha hecho las delicias de los lectores y del público desde que se publicó el primer libro en 1926.

De la película: “Eres un oso tontísimo”, decía Christopher Robin.

BACKSON (voz de Huell Howser)
El Backson es una criatura horrible, malvada y feroz que ha raptado a Christopher Robin. O eso es lo que Búho hace creer a la pandilla del Bosque de los Cien Acres. Según Búho, el Backson es una criatura gigante con cola, cuernos afilados, greñas y pelo rojo. No huele muy bien, salvo que los pies de los monos huelan bien, y es responsable de algunas de las cosas más fastidiosas de la vida: relojes que se paran, calcetines agujereados, lápices rotos y leche derramada... entre muchas otras. Pero, ¿el Backson existe de verdad? ¿O es que Búho ha interpretado mal la nota de Christopher Robin que dice “He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida"?

Eric Goldberg fue supervisor de animación de la canción de Backson. “Para ilustrar a sus amigos cómo es un Backson y lo que hace, Búho empieza a pintar en una pizarra”, dice Goldberg. “Una vez que empieza a dibujar, entramos en el mundo de la tiza. Está animado y dibujado de forma demasiado elemental para que el público crea que lo ha dibujado de verdad Búho. Pero Búho convence a sus amigos y todos salen a buscar a la criatura que supuestamente tiene retenido a Christopher Robin”.

La “Canción de Backson” está interpretada por Craig Ferguson, la voz de Búho, acompañado por las voces de los amigos de Búho.

Animar música exige un bueno oído, y Goldberg reconoce que no lo tiene. Pero encuentra la forma de que funcione, al igual que hizo en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) donde supervisó la animación de "Almost There", la canción de Tiana.


DANDO FORMA AL CONJUNTO
La música de “Winnie the Pooh”

Los realizadores supieron desde el principio que la música sería un elemento importante de "Winnie the Pooh". "Queríamos que la película empezase con la clásica canción de Winnie the Pooh", dice el director Stephen Anderson. "Pero la pregunta era: '¿Cuál es la mejor forma de interpretarla para el público actual?' Queríamos que tuviera el mismo encanto que la original, pero dándole un toque fresco, un tono contemporáneo".

Recurrieron a la actriz/músico/compositora Zooey Deschanel para grabar la versión actualizada. "Su canción abre la película con mucha frescura, con muchísima energía", dice Anderson. Y añade: "Es la mejor forma de empezar la película, dejando que el público sepa inmediatamente que se trata del mismo Winnie the Pooh de siempre, pero más actual".

El productor Peter Del Vecho añade: "Todo el mundo conoce la canción de Winnie the Pooh. Es genial que un artista actual redescubra un clásico y eso es exactamente lo que ha hecho Zooey. Ella aporta su propia personalidad a la canción. Pero cuando nos presenta a los personajes es como si los conociera de toda la vida, lo que es verdad".

"Soy una gran fan de Winnie the Pooh y de todos sus amigos", dice Deschanel, que también toca el ukalele en la canción. "Resulta difícil elegir a uno: Winnie the Pooh es tan rico, le encanta la miel, es una monada. Igor es fantástico, me encanta Igor. Y Piglet es tan diminuto. Winnie the Pooh, Igor, Piglet y 
Tigger son inseparables".

Entre otras canciones, Deschanel interpretó “A Very Important Thing to Do”, una canción que ayuda a ilustrar el reto al que se enfrentan los amigos del Bosque de los Cien Acres para buscar una nueva cola para Igor. Interpreta "So Long" con M. Ward su compañero de banda en She & Him, una canción que compuso Deschanel.

Los realizadores recurrieron al matrimonio formado por Robert Lopez y Kristen Anderson-Lopez para crear las canciones originales de la película. Además Anderson-Lopez también es la voz de Kanga en la versión en inglés. Lopez es el creador del musical "Avenue Q", un gran éxito en Broadway. Además, juntos han escrito para Nickelodeon y Disney, incluyendo la versión teatral de “Finding Nemo” (Buscando a Nemo) y canciones para “The Wonder Pets” (Mascotas maravilla) que ganó dos Premios Emmy®.

Henry Jackman ha compuesto la banda sonora. Jackman es conocido por películas como “The Da Vinci Code” (El Código Da Vinci), “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto), “Pirates of the Caribbean: At World’s End” (Piratas del Caribe: En el fin del mundo) y “Monsters vs. Aliens” (Monstruos contra alienígenas).

"Con las aportaciones musicales de Bobby y Kristen Lopez, Zooey Deschanel y Henry Jackman, “Winnie the Pooh” está a la altura del legado musical de este clásico de Disney", dice John Lasseter.

El productor ejecutivo, que propuso a los realizadores el reto de conservar las raíces clásicas de la película al tiempo que la hacía más atractiva para el público actual, afirma que está encantado con el resultado. “Estoy muy orgulloso del productor Peter De Vecho, de los directores Steve Anderson y Don Hall, y de todo el equipo de 'Winnie the Pooh' por insuflar nueva vida a los personajes de Winnie the Pooh", dice Lasseter. Y añade: "y por hacer una película tremendamente divertida y absolutamente maravillosa que va a gustar al público de todas las edades y del mundo entero."


LOS REALIZADORES

STEPHEN ANDERSON (Director) se incorporó a Walt Disney Feature Animation en 1995 como artista de historia en “Tarzan” (Tarzán). Antes de trabajar en tareas de dirección en “Winnie the Pooh”, colaboró como director en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) de 2007.
Entre sus créditos en el departamento de historias de WADS están “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras) y “Brother Bear” (Hermano Oso). En ambas películas trabajó como supervisor de historia.

Antes de incorporarse a Disney, Anderson trabajó como animador en Hyperion Animation en “Rover Dangerfield” (Nuestro amigo favorito) y “Bebe’s Kids”. Debutó como director en la serie de televisión “The Itsy Bitsy Spider”.

Anderson creció en Plano, Texas. Después estudió en el prestigioso California Institute of the Arts, donde también fue profesor de creación de historias durante cinco años.

Actualmente reside en Canyon Country, California, con su mujer Heather y su hijo Jacob.

Antes de asumir el papel de director en “Winnie the Pooh”, DON HALL (Director) trabajó como responsable de historia en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) de 2009. Como responsable de historia, trabajó mano a mano con los directores en las sesiones de montaje y grabación; entre sus tareas estaban la supervisión del equipo de creación de historia, las secuencias de storyboard y el guión.

Hall empezó su carrera en Walt Disney Animation Studios en junio de 1995, como aprendiz de creación de historia en "Tarzan" (Tarzán). Trabajó como artista de storyboard en “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), “Chicken Little” y en el desarrollo de varios proyectos. En “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson), le ascendieron a responsable de historia. Fue nominado a un Premio Annie Award por el storyboard de “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), y su trabajo en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) le valió una segunda nominación.

Hall se licenció en dibujo y pintura en la Universidad de Iowa y también en animación de personajes en el California Institute of the Arts. Después de graduarse en Cal Arts, volvió a la universidad como profesor de desarrollo de narración.

Hall nació en Glenwood, Iowa. Actualmente reside en Pasadena con su mujer y sus dos hijos.

Antes de aventurarse con el Bosque de los Cien Acres, PETER DEL VECHO (Productor) fue productor de "The Princess and the Frog" (Tiana y el sapo), el largometraje de animación de Walt Disney número 49. La película le reunió con los directores Ron Clements y John Musker, creadores de “The Little Mermaid” (La Sirenita) y “Aladdin” (Aladino).

Del Vecho llegó a Disney Animation Studios en 1995, con una amplísima experiencia en la producción teatral. Después de trabajar en numerosos teatros de Nueva York y de la Costa Este de Estados Unidos, se unió el prestigioso Guthrie Theater, donde permaneció nueve años, hasta 1995. Su pasión por trabajar en equipo en un entorno artístico lo llevó a Disney en 1995.

Como jefe de producción de “Hercules” (Hércules), fue el responsable de dirigir un equipo de producción de 300 artistas y ayudar a llevar esta aventura épica al cine. Su siguiente crédito fue el de productor asociado de “Treasure Planet” (El planeta del tesoro) en 2002. También fue productor asociado de la aventura animada de 2005 “Chicken Little”, el primer largometraje animado en 3D, en el que además se implicó en el ámbito creativo.

Del Vecho nació y creció en Boston, Massachusetts y mostró desde muy pequeño un gran interés por la música y el teatro: estudió producción teatral en la Universidad de Boston donde se graduó en Bellas Artes. Después trabajó como director de escena en varios teatros de la Costa Este de Estados Unidos antes de pasar nueve años en el reconocido teatro Guthrie Theater de Minneapolis.

Además de sus éxitos como realizador de cine, Del Vecho tiene una encantadora esposa, Jane, y es padre de Gregory y Georgina, sus mellizos de 13 años. También tiene una licencia de Piloto Deportivo de la FAA, y pilota su propio superligero por la zona de Los Angeles.

JOHN LASSETER (Productor Ejecutivo) ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa el aspecto creativo de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos relacionados. Lasseter debutó como director en 1995 con “Toy Story” (Toy Story [Juguetes]), el primer largometraje de animación generado por ordenador, y desde entonces ha dirigido “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Cars”. Este verano se vuelve a poner al volante de “Cars 2”.

Entre sus créditos como productor ejecutivo se encuentran “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “The Incredibles” (Los increíbles), “Ratatouille”, “WALL•E”, “Bolt”, y “Up” (Up, una aventura en altura), la película del año pasado aclamada por la crítica. Fue la primera película de animación que ha inaugurado el Festival de Cine de Cannes en toda su historia. Además fue galardonada con dos Premios de la Academia® a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Banda Sonora Original. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) y "Tangled" (Enredados), así como el éxito más reciente de crítica y taquilla de Disney•Pixar, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Lasseter escribió, dirigió y animó los primeros cortometrajes de Pixar, entre los que se encuentran “Luxo Jr.”, “Red’s Dream”, “Tin Toy” y “Knick Knack”. “Luxo Jr.” fue la primera película animada por ordenador en tres dimensiones que resultaba nominada a un Oscar de la Academia® al Mejor Cortometraje Animado en 1986; "Tin Toy" fue la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® cuando fue elegida Mejor Cortometraje de Animación en 1988. Lasseter ha sido productor ejecutivo en posteriores cortometrajes del estudio como “Boundin’”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy”, “Day & Night”, y el ganador de un Premio de la Academia®- “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).

Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones del mundo del cine. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story (Juguetes)". Obtuvo también, junto al resto del equipo de guionistas de “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), una nominación a los Oscar® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que una película de animación era reconocida en esa categoría.

En 2009, Lasseter fue premiado en la edición número 66 del Festival de Venecia con el León de Oro a toda una carrera. Al año siguiente, recibió el David O. Selznick Achievement Award que concede la Asociación de Productores de América. Fue el primer productor de películas animadas que recibía este galardón. Entre otros galardones recibidos por Lasseter cabe destacar el premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que le concedió en 2004 la Asociación de Directores Artísticos y un título honorífico del American Film Institute. Además, en 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación.

Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó “The Adventures of Andre and Wally B” (Las aventuras de André y Wally B), la primera película de animación por ordenador en 3D basada en personajes, y creó por ordenador el personaje del Caballero de la Vidriera en la producción de Steven Spielberg de 1985 titulada Young Sherlock Holmes (El Joven Sherlock Holmes).

Lasseter formó parte de la primera promoción del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts donde se graduó en 1979. Lasseter es el único en haber ganado dos veces el Premio para Estudiantes de la Academia a la Animación por “Lady and the Lamp” (1979) y “Nitemare” (1980) que realizó cuando estudiaba en CalArts. Logró su primer premio con 5 años cuando ganó quince dólares en el Model Grocery Market de Whittier, California, por un dibujo a lápiz del Jinete sin Cabeza.


BURNY MATTINSON (Artista Senior de Historia) es uno de los pocos artistas que quedan de los que trabajaron con Walt Disney y sigue formando parte de Walt Disney Animation Studios. Uno de los hitos de la extensa carrera de Mattinson fue una nominación a los Oscar de la Academia® de 1983 de su cortometraje animado “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey), que volvió a llevar a Mickey Mouse a la gran pantalla tras 30 años de ausencia.
El veterano realizador de Disney había trabajado en clásicos como "Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo), “101 Dalmatians” (101 Dálmatas) “The Sword in the Stone” (Merlín el encantador), “The Jungle Book” (El libro de la selva) y “The Rescuers” (Los rescatadores). Desempeñó un papel clave en el equipo de historias en clásicos contemporáneos de Disney como “Aladdin” (Aladino), “Beauty & the Beast” (La Bella y la Bestia), “The Lion King“ (El Rey León), "Pocahontas”, “Mulan” (Mulán), “The Hunchback of Notre Dame” (El Jorobado de Notre Dame), “Tarzan” (Tarzán) y más recientemente, en el famoso cortometraje de Goofy “How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy).

Mattinson nació en San Francisco y todavía recuerda el profundo impacto que le causó “Pinocchio” (Pinocho) cuando lo vio a los 6 años. A los 12 dibujaba personajes de Disney y soñaba con ser artista de dibujos animados.

En 1953, Mattinson empezó su carrera trabajando en el departamento de distribución de correo de Disney. Tenía 18 años y ninguna formación artística formal. A los seis meses dejó de ocuparse del correo y ascendió a intercalador en “Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo).
Después fue ayudante de animación en “Sleeping Beauty” (La Bella Durmiente) (a las órdenes del legendario Marc Davis) y continuó ejerciendo esta tarea en “101 Dalmatians” (101 Dálmatas). Pasó los 12 años siguientes colaborando con Eric Larson en películas como “The Sword in the Stone” (Merlín el encantador), “The Jungle Book” (El libro de la selva) y “The Aristocats” (Los Aristogatos).

En 1972, después de completar un programa de formación interno, se convirtió en animador en “Robin Hood” y primer animador en “Winnie the Pooh and Tigger Too” (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!). Después trabajó como diseñador de storyboards y títulos en “The Rescuers” (Los rescatadores) y “The Fox and the Hound” (Tod y Toby), antes de dirigir “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey) en 1983. En 1984, Mattinson escribió, produjo y dirigió “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective).

Antes de unirse al equipo del Bosque de los Cien Acres, MARK HENN (Supervisor de Animación de Winnie the Pooh y Christopher Robin) trabajó como supervisor de animación de la princesa Tiana en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo), ayudando a diseñar el personaje y supervisar su animación durante toda la película.

Henn se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1980 como intercalador en “The Fox and the Hound” (Tod y Toby). En menos de un año ascendió a animador, formando parte del equipo responsable de la animación de Mickey Mouse en “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey). Como animador en “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico), Henn trabajó en el secuaz del Rey Astado, Creeper, en el peludo Gurji y en el juglar flewddur Flam. Creó la animación de Goofy en “How to Hook Up Your Home Theater" (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy) dentro del programa de cortometrajes de Disney. También se encargó de la animación en las secuencias finales del éxito de Walt Disney Studios, “Enchanted” (Hechizada).

Desde que se incorporó a Disney, Henn ha ido cobrando prestigio y se ha convertido en uno de los artistas más respetados del sector. En su primer proyecto como supervisor de animación, Henn se encargó de la animación de Basil, del Dr. Dawson, de Olivia y de Flaversham en “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective). Desde entonces, ha seguido trabajando como supervisor de animación, dando vida a Oliver, Dodger, Jenny y Fagin en “Oliver & Company” (Oliver y su Pandilla); a Ariel en “The Little Mermaid” (La Sirenita); a Bernard y Bianca en “The Rescuers Down Under” (Los Rescatadores en Cangurolandia); a Mickey, al Príncipe y a Goofy en el cortometraje animado “The Prince and the Pauper” (El Príncipe y el mendigo); a Bella en “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia); a Jasmine en “Aladdin” (Aladino); al joven Simba en “The Lion King” (El Rey león); a la atrevida y arrolladora heroína de “Mulan” (Mulán), así como a su padre Fa Zhou; a las bailarinas de hula en la secuencia de apertura de “Lilo & Stitch” (Lilo y Stitch); y a Grace en “Home on the Range” (Zafarrancho en el rancho). También trabajó como animador en el personaje principal de “Pocahontas”. En el año 2000, Henn cambió sus lápices por la silla del director y dirigió el galardonado cortometraje “John Henry” que está basado en una leyenda popular norteamericana.

Henn nació en Dayton, Ohio y desde los 7 años tuvo claro que quería ser animador después de ver el clásico de Disney, “Cinderella” (Cenicienta). En 1980, acabó con éxito el programa de animación de personajes en el California Institute of the Arts. Después empezó su carrera en Disney, donde su mentor fue Eric Larson, el legendario animador de Disney. Henn colecciona antigüedades y es un gran aficionado a la historia americana. Actualmente reside en el Valle de Santa Clarita con su familia.

RANDY HAYCOCK (Supervisor de Animación de Igor) se ha encargado del diseño y de la animación de Igor en ”Winnie the Pooh”, colaborando en la desarrollo del aspecto y la personalidad del personaje, además de trabajar con los directores para que Igor encajara en la visión que ellos tenían. Trabajó también como supervisor de animación de Naveen en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo).
Haycock creció en Grand Junction, Colorado, y quería ser paleontólogo. Después quiso ser ilustrador de libros, pero a los 15 años vio el clásico "Fantasía" y decidió que quería ser animador en los Walt Disney Animation Studios. Su deseo se hizo realidad unos años después, tras estudiar en la Brigham Young University y en el California Institute of the Arts.

Antes de incorporarse al equipo de Disney en febrero de 1992 como intercalador en el largometraje ”Aladdin” (Aladino), adquirió experiencia trabajando en el diseño de personajes en una serie animada de televisión.

Después de ”Aladdin” (Aladino), trabajó como animador en las siguientes películas de Disney: ”The Lion King” (El Rey León), “Pocahontas”, “Hercules” (Hércules) (supervisando a Baby y al joven Hércules), “Tarzan” (Trazán) (supervisando a Clayton), ”Atlantis: The Lost Empire” (Atlantis, el Imperio Perdido) (supervisión de la princesa Kida),”Treasure Planet” (El planeta del tesoro), ”Chicken Little” y ”Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) (supervisión de Franny, Fritz, Petunia, Laszlo y Tallulah), así como la animación de Goofy en el cortometraje ”How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy). Haycock también ha creado la animación en el cortometraje de próximo estreno titulado "The Ballad of Nessie” (La Balada de Nessie).
Haycock vive con su mujer, cinco hijos y tres perros en Santa Clarita, California.


DALE BAER (Supervisor de animación de Búho) siempre quiso trabajar en Disney. Desde que tenía 8 años deseaba volar como Peter Pan. Se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1971 en el recién estrenado Programa de Formación de Animación. La primera producción de Baer fue “Robin Hood” donde se ocupó de varias tareas, de los intercalados y la limpieza y también de la animación. Entre sus primeros trabajos están “The Rescuers” (Los rescatadores) y “Winnie the Pooh and Tigger Too” (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!).

El siguiente trabajo de Baer fue como freelance a través de su empresa Baer Animation. Entre sus proyectos se incluyen la animación de “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico), “The Prince and the Pauper” (El Príncipe y el mendigo), “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey) y “The Great Mouse Detective" (Basil, el ratón superdetective). También trabajó como supervisor de animación en "Who Framed Roger Rabbit" (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), para la unidad de Los Ángeles.

En 1998 volvió a Disney y no tardó en ascender al puesto de supervisor de animación del personaje de Yzma en “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), ganando un Premio Annie en la categoría de Mayor Logro Individual en Animación de Personajes en 2001. Se encargó de supervisar la animación de Wilbur en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson), y colaboró en la animación y el diseño de personajes en varios cortometrajes.

Baer nació en Denver, Colorado, y estudió en el Instituto de Arte Chouinard. Actualmente vive en Leona Valley, California, con sus perros, gatos y llamas.


ANDREAS DEJA (Supervisor de Animación de Tigger) trabajó como supervisor de animación de Mama Odie y Juju en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) antes de hacerse cargo de Tigger en “Winnie the Pooh.”

En 2007, Deja recibió el prestigioso Premio Winsor McKay a toda una carrera que concede la International Animation Film Society – Hollywood por su gran aportación a la animación.
Deja solicitó un trabajo como animador de Disney cuando tenía 10 años. Deja nació en Polonia y creció en Alemania. Recuerda que escribió al estudio después de ver “The Jungle Book” (El libro de la Selva). El estudio le contestó diciendo que no tenían plazas vacantes, pero que siempre estaban buscando nuevos talentos. Esta respuesta le dio la motivación que necesitaba para conseguir su objetivo y a los 23 años tras terminar sus estudios de comunicación visual en la Folkwangschule de Essen, Alemania, volvió a solicitar un puesto y fue aceptado.

Después de trabajar con Eric Larson, uno de los legendarios “nueve ancianos” de Disney, Deja pasó varias pruebas y colaboró en el diseño de personajes, en investigación de vestuario y animación en “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico). Su siguiente misión fue “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective), donde se encargó de la Reina Ratón y de su melliza robótica. Deja colaboró en el diseño de muchos de los personajes de “Oliver & Company” (Oliver y su pandilla). También hizo algunas animaciones antes de que le enviasen un año a Londres para trabajar como animador jefe en “Who Framed Roger Rabbit?” (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), bajo la dirección de Richard Williams.

En “The Little Mermaid” (La Sirenita) Deja supervisó la animación de Tritón, un personaje muy potente que exigía grandes dotes como dibujante así como fuerza interpretativa. En el musical animado “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia), galardonado con un Premio de la Academia®, Deja fue supervisor de animación del primero de los muchos villanos de Disney, el pomposo e intolerante Gastón.

Siguió con este tipo de personajes oscuros animando al malvado visir Jafar en “Aladdin” (Aladino), el musical animado de Disney que cosechó un enorme éxito. También supervisó la animación de Scar, el villano hambriento de poder del “The Lion King” (El Rey león), que se convirtió en una de las cintas de más éxito de los Estudios Walt Disney, así como uno de los más rentables de la historia del cine. Entre los créditos de Deja cabe destacar “Runaway Brain”, el primer cortometraje de Mickey Mouse desde 1953. Supervisó la animación del famoso ratón en las instalaciones de la compañía en París. Trabajó como animador de supervisión de los personajes principales de la comedia épica animada “Hercules” (Hércules), así como del personaje de Lilo en “Lilo & Stitch” (Lilo y Stitch). Creó el personaje animado del padre de Bambi en “Bambi II” para DisneyToon Studios, y el de Goofy en “How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy).

ERIC GOLDBERG (Supervisor de Animación de Rabbit y de Backson Song) es un veterano director, diseñador y animador que ha trabajado en Nueva York, Londres y Hollywood, creando largometrajes, anuncios publicitarios, secuencias de títulos y especiales de televisión tanto en el mundo de la animación dibujada a mano como generada por ordenador. Goldberg fue supervisor de animación de Louis, el caimán que toca la trompeta en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo), la película de animación dibujada a mano.

Las primeras incursiones de Goldberg en el cine en Super-8 le hicieron acreedor de varios Kodak Teenage Movie Awards, incluyendo el Gran Premio en los cursos de verano de 1974 en la Universidad del Sur de California. Recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de Brooklyn, Nueva York, donde se graduó en ilustración además de seguir cursos de animación y cine.

Uno de sus primeros trabajos profesionales fue como animador freelance (cuando todavía estaba estudiando) que le llevó a conseguir un trabajo a tiempo completo como ayudante de animador en “Raggedy Ann and Andy” de Richard Williams. Cuando acabó el rodaje, Williams invitó a Goldberg a trabajar en su estudio de Londres como director/animador de infinidad de anuncios para televisión. Tuvo la suerte de trabajar con Ken Harris, que le enseñó las técnicas que Harris había aprendido como mejor animador de Chuck Jones. La colaboración de Goldberg con Williams continuó en Los Angeles, donde Goldberg fue director de animación de “Ziggy’s Gift”, ganadora de un Emmy® y basada en la famosa tira cómica de periódico.

Goldberg y su mujer Susan (una artista de animación que también ha hecho las veces de directora artística en sus proyectos) regresaron a Londres, donde cofundó Pizazz Pictures, un estudio de anuncios publicitarios con una cartera de clientes internacionales. Dirigió anuncios utilizando las técnicas más diversas, desde la 'cel-animation' y la pintura, la animación fotograma a fotograma y la pixelización, pasando por la combinación de acción real y animación y la composición digital.

Disney contrató a Goldberg en lo que se convirtió en una estancia de diez años en el estudio. Empezó supervisando la animación del Genio de “Aladdin” (Aladino). Fue codirector de la famosísima “Pocahontas” y se encargó de la animación del sátiro Phil en “Hercules” (Hércules) a quién Danny DeVito prestó su voz. Después dirigió, escribió y animó dos secuencias de “Fantasia/2000” (“Carnaval de los Animales" y “Rhapsody in Blue”). Su mujer Susan fue directora artística en ambos trabajos.

Goldberg ha experimentado con las técnicas más avanzadas de animación por ordenador que reproducen la fluidez del método 'squash and stretch' (compresión y extensión)” de la mejor animación dibujada a mano. El resultado de sus experimentos fue la atracción Magic Lamp Theater en el parque temático DisneySea de Tokio, cuya estrella es el personaje del Genio en 3D. También dirigió “A Monkey’s Tale”, un cortometraje animado de 12 minutos en alta definición para un centro cultural budista en Hong Kong.

Antes de participar en “Winnie the Pooh”, BRUCE SMITH (Supervisor de Animación de Piglet, Kanga, Rito) trabajó como supervisor de animación del villano Dr. Facilier en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo). Los supervisores de animación establecen el estilo de sus personajes y dirigen la realización. En este cargo, Smith supervisa un equipo de animadores con el fin de garantizar el nivel de calidad que se espera de los Walt Disney Animation Studios.

Smith se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1988. Creó números de animación para los parques temáticos, mientas realizaba la animación de películas como “Tarzan” (Tarzán), “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras) y “Home on the Range” (Zafarrancho en el rancho).

A Smith siempre le interesó el arte de la animación. Después de estudiar animación de personajes en Cal Arts, Smith probó en varios estudios de animación antes de aterrizar en Disney. Allí trabajó en su primera película, “Who Framed Roger Rabbit?” (¿Quién engañó a Roger Rabbit?).

A lo largo de su carrera, Smith ha trabajado en un sinfín de proyectos innovadores. Fue director de “Bebe’s Kids” y director de animación en “Space Jam”. Smith trabajó como productor ejecutivo y creativo en “The Proud Family" (Los Proud), la popular serie de televisión animada de Disney Channel.


ROBERT LOPEZ (Canciones Originales) ha ganado un Premio Tony® como co-compositor del musical de enorme éxito titulado “Avenue Q” que estuvo seis años representándose en Broadway y cuatro en el West End de Londres, y que ahora lleva dos años en el off-Broadway. El siguiente proyecto de Lopez es el musical “The Book of Mormon”, que ha escrito junto con Trey Parker y Matt Stone (“South Park”), y que se estrena en Broadway en marzo de 2011; así como “Up Here”, un nuevo musical escrito con su mujer, KRISTEN ANDERSON-LOPEZ (Canciones Originales, Voz de Kanga), cuyo espectáculo, titulado “In Transit”, se representó hace poco en el off-Broadway. Lopez ha co-escrito el episodio musical de la serie “Scrubs”, y Lopez y Anderson-Lopez han compuesto para Nickelodeon y Disney, incluyendo la versión teatral de “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), y canciones para “The Wonder Pets” (Mascotas maravilla) (ganador de dos Premios Emmy®).

HENRY JACKMAN (Compositor) estudió música clásica en el Reino Unido, en el Coro de la Catedral de San Pablo, en Eton y en la Universidad de Oxford. Su insaciable interés por la tecnología y la cultura contemporánea le llevó a mezclar su educación formal con los ritmos urbanos de la música de club y la revolucionaria producción de sonidos electrónicos. Henry tiene una exitosa y ecléctica carrera en la industria del cine y la música. Su obra musical va desde números unos en las listas de éxitos hasta lo esotérico, y desde los éxitos en las taquillas de verano a los proyectos de cine de autor. Posee un abanico único de cualidades que incluyen una formación en composición clásica, arreglos orquestales, la programación de ritmos, el diseño de sonido, la producción y las mezclas.

En los últimos años, Henry ha hecho una sorprendente y espléndida transición a las bandas sonoras para el cine. A principios de 2006, llamó la atención de Hans Zimmer, ganador de un Oscar® y uno de los compositores de más éxito de todos los tiempos. Esta fructífera asociación se ha materializado en un gran número de créditos y colaboraciones en algunas de las películas más rentables de los últimos años como “The Da Vinci Code” (El Código Da Vinci), “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe: El Cofre del hombre muerto), “The Holiday”, "Pirates of the Caribbean: At World’s End” "Piratas del Caribe: En el fin del mundo), “The Simpsons Movie” (Los Simpson: la película), “Kung Fu Panda”, “Hancock”, “The Dark Knight” (El caballero oscuro), y “It’s Complicated” (No es tan fácil). En 2009 compuso toda la música de “Monsters vs. Aliens” (Monstruos contra Alienígenas), para Dreamworks Animation, y durante el verano compuso la banda original del biopic “Henri 4” (de Ziegler Films, Alemania), estrenada en marzo de 2010. El siguiente proyecto de Jackman fue “Kick-Ass” (Kick-Ass: listo para machacar) (Marv Films / Plan B Entertainment), grabado en Air Studios, en enero de 2010 y estrenado en abril.

La película más reciente de Jackman es “Gulliver’s Travels”(Los viajes de Gulliver) (de 20th Century Fox), que se estrenó en la Navidad de 2010. Jackman escribió la música original del último estreno de 20th Century Fox, “X-Men: First Class” (X-Men: Primera generación). Además se encargará de la banda sonora de “Puss in Boots” (El gato con botas) de DreamWorks Animation.

La Orquesta Sinfónica de Londres y la Filarmónica de Los Ángeles han interpretado y grabado las singulares composiciones orquestales de Jackman. Su capacidad para trabajar con grandes músicos y directores de orquesta es una parte esencial de su trabajo. Además de componer música para películas, Jackman también ha encontrado tiempo para grabar sus propios álbumes. “Utopia” (Utopía), publicado en West One Music, combina el sonido de los coros lituanos con música electrónica y una producción muy innovadora. En 2005, él mismo escribió, programó, realizó los arreglos y las mezlas y produjo “Transfiguration”, publicado por KPM Music. Las influencias de este álbum son de lo más variadas, desde los Salmos de David hasta la poesía de Herman Hesse. Realizó “Acoustica”, publicado también por KPM Music, en colaboración con el galardonado guitarrista y compositor Augustus Isadore. Antes de terminar “Utopia”, “Transfiguration” y “Acoustica”, la obra de Jackman dentro de la industria musical ha sido muy variada y goza de gran prestigio. Sus créditos en la programación incluyen proyectos con Mike Oldfield, Marc Almond, Coolio y Kirsty McColl. Colaboró con Andy Gardner (Plump DJ) en la producción de una serie de remixes de música de baile que estuvieron en los primeros puestos de las listas de este tipo de música y que fueron escogidas para Pete Tong's Essential Selection, para artistas como Kele le Roc y Boyzone. Al mismo tiempo trabajó con Michael Gordon, un compositor minimalista que vive en Nueva York, en su composición "Weather", para Coalition Records.

Poco tiempo después, Jackman trabajó con el legendario Trevor Horn, programando e interpretando arreglos para cuerdas para el tema de la película "Anastasia" de 20th Century Fox. Richard Marx y Donna Lewis cantaron la canción 'In the Beginning'. Con Trevor Horn también produjo "Born On A Sunday" para el álbum del grupo Art of Noise titulado "The Seduction of Claude Debussy". Mientras tanto, produjo música pop para artistas como Gary Barlow de Take That (que llegó al número tres de las listas del Reino Unido) y Justin. Además de sus tareas de productor, Henry sigue componiendo música que se utiliza habitualmente en CNN News, la BBC, el "Show de Oprah Winfrey" y The Discovery Channel. Jackman colaboró con el cantante Seal, conocido en todo el mundo. Trabajaron juntos en la composición y producción de "This Could Be Heaven" para la película "The Family Man", protagonizada por Nicholas Cage.

Después de ocho años de éxito ininterrumpido en la industria de la música con artistas, productores, escritores y músicos ganadores de discos de platino, Jackman se ha dedicado a la composición de bandas sonoras, aportando su bagaje de valiosas experiencias y conocimientos sobre producción.


Fuente y fotos: Walt Disney Studios

Cars 2

“Siempre me han apasionado los coches y estoy empapado de la cultura del automóvil tan popular en el sur de California. Mi padre era gerente de recambios en un concesionario de Chevrolet, así que 'Cars' es un proyecto muy personal para mí... los personajes, el ambiente de ciudad pequeña, la solidaridad que hay entre ellos y su estilo de vida. No podía dejar de pensar en ellos. Quería que viajaran por el mundo, así que me dije que podía recrear el universo de los espías, un género que es otra de mis pasiones. La idea de casar dos mundos tan diferentes como Radiator Springs y el espionaje internacional me parecía interesantísima".
— John Lasseter, Director


LA PRODUCCIÓN

Pixar Animation Studios y Walt Disney Studios se van a las carreras en “Cars 2” ya que el piloto estrella, Rayo McQueen (voz de Owen Wilson) y su mejor amigo, el camión-grúa Mate (voz de Larry the Cable Guy), se embarcan en una nueva aventura y recorren lugares exóticos por todo el globo.

Al dúo se les une el equipo del pit de Radiator Springs. Viajan por el mundo con él para apoyar a Lightning mientras éste compite en el primer Gran Premio Mundial, una carrera diseñada para elegir al coche más rápido del mundo. Pero el camino hasta la meta está lleno de baches, desvíos y sorpresas explosivas ya que Mate se ve atrapado por error en una misteriosa aventura de espionaje internacional.

Mate se encuentra en una difícil encrucijada: ayudar a Rayo MacQueen en la carrera de altos vuelos y “enganchar” su remolque en una misión top secret orquestada por el espía británico Finn McMissile (voz de Michael Caine) y la bellísima espía novata Holley Shiftwell (voz de Emily Mortimer). El viaje de Mate, repleto de acción, le lleva a una persecución explosiva a través de las calles de Japón, Italia, Francia e Inglaterra, acompañado por sus amigos y retransmitido al mundo entero. Además, a esta acelerada diversión se une un variopinto nuevo reparto de coches, barcos, trenes y aviones que se completa por villanos malísimos y pilotos rivales de categoría internacional.

El estreno de “Cars 2” es el decimosegundo largometraje animado de Pixar y coincide con el 25 aniversario del famoso estudio. Además es la continuación del bombazo de taquilla de 2010 “Toy Story 3”, ganadora de los Oscar® de 2010. El oscarizado realizador John Lasseter, director creativo de Pixar desde su creación y consejero delegado creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios, vuelve a ponerse al volante como director en la última aventura de “Cars”. La película está codirigida por Brad Lewis (productor de la oscarizada “Ratatouille”), que dirigió la intensa búsqueda y el desarrollo inicial de la historia hasta que Lasseter pudo ocupar la silla de director. “Cars 2” está producida por la veterana de los efectos visuales Denise Ream (productora asociada en “Up”; productora ejecutiva de efectos visuales en “Star Wars: Episode III — Revenge of the Sith” [La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith]). El compositor Michael Giacchino, premiado con los Oscar® (“The Incredibles” [Los Increíbles], “Up”) es el autor de la electrizante banda sonora en la que el rock surfero se mezcla con el peculiar sonido de una peli de espías, así como una variedad de acentos que evocan el miedo, el misterio y la emoción. Brad Paisley, Robbie Williams, Weezer, el cantante francés Bénabar y la banda femenina japonesa Perfume ponen su talento a disposición de la banda sonora de la película.

Además, “Cars 2” cuenta con un elenco estelar de actores que prestan sus voces a los coches, sin olvidar los barcos y los aviones que exige esta historia de aventuras por todo el mundo. Owen Wilson vuelve a poner la voz a Rayo McQueen, ganador de cuatro Copas Piston y que se ha convertido en uno de los favoritos del Gran Premio Mundial. Larry the Cable Guy es la voz de Mate (propietario de Tom Mate), el mejor amigo de Rayo McQueen y el alma de Radiator Springs. Bonnie Hunt vuelve para prestar su voz a Sally, el Porsche 911 Carrera azul celeste cuyo motor late por Rayo. El aclamado actor Michael Caine debuta en una cinta de Pixar prestando su voz a Finn McMissile, un espía británico que confunde a Mate con un agente encubierto americano magistralmente disfrazado. Emily Mortimer aporta encanto, inteligencia y clase prestando su voz a Holley Shiftwell, una espía de campo novata que se sabe el manual de memoria. El versátil actor John Turturro ofrece una magnífica actuación en la voz de Francesco Bernoulli, el mundialmente conocido campeón italiano y máximo rival de Rayo. Tony Shalhoub, Guido Quaroni, Paul Dooley, Cheech Marin, John Ratzenberger, Joe Mantegna, Peter Jacobson, Jason Isaacs, Eddie Izzard, Franco Nero y Vanessa Redgrave completan el resto de elenco de voces. Lewis Hamilton, el auténtico piloto de Fórmula Uno y Jeff Gordo el piloto de NASCAR añaden un toque de autenticidad haciendo cameos en la película.

“Cars 2” se presenta en versión Disney Digital 3D™ donde esté disponible esta tecnología, y utiliza los últimos avances técnicos para que el público disfrute en primera persona (y también a través de la visión del ojo de los coches) de toda la acción de las carreras y de los fabulosos escenarios. El fantástico equipo técnico de Pixar también contribuye a que la película supere todo lo imaginado al servirse de las herramientas de última generación en maquetas, iluminación, sombreado y acabado.


JOHN LASSETER VUELVE A PONERSE AL VOLANTE
El director no puede resistirse a dirigir la carrera o la persecución de espías

Tras terminar “Cars”, John Lasseter sabía que quería contar otra historia con estos personajes que tanto le habían gustado a él y al público. Y las ideas de “Cars 2” fueron tomando forma antes de que empezara el rodaje de la película.

“Durante ‘Cars’”, dice Lasseter, “desarrollamos una secuencia en la que Rayo McQueen tenía una primera cita con Sally, el Porsche. Iban a ir a un autocine porque es el lugar perfecto para un coche. Después nos pusimos a pensar: '¿Qué película van a ver?' Me gustan mucho las películas de espías y pensé que sería genial ver cómo funcionaba este género en el mundo de los automóviles. Así que nos inventamos un personaje llamado Finn McMissile que sería el protagonista de la película del autocine.

“Me encantan las películas de espías", añade Lasseter. “Crecí viendo la serie de televisión ‘The Man from U.N.C.L.E.’ y me gusta ver películas de espías con mis cinco hijos varones. Hemos visto la serie de 'Bourne' más de cien veces. Y a pesar de que al final cambiamos la secuencia y la cita no es en el autocine, nunca me olvidé de la idea de Finn McMissile y la película de espías. Pensé: 'Aquí hay un potencial enorme'".

Después, en 2006, cuando estaba embarcado en una gira de promoción mundial para el estreno internacional de “Cars”, Lasseter comprendió que todos esos países con culturas tan diferentes serían el escenario perfecto para que los personajes de “Cars” se embarcaran en una aventura de espías.

“Es muy divertido llevar a Mate por todo el mundo y ponerle en situaciones que sólo pueden ocurrir en ese país", dice Lasseter. “Así que la segunda parte de la historia surgió mientras estaba viajando. Tenía a todos esos personajes en la cabeza, y no podía parar de reírme imaginando a Mate en esas situaciones tan extrañas para él. ¿Cómo se las arreglaría conduciendo por la derecha en Londres?? ¿Y cuándo se perdiera por el laberinto de las calles de Tokio, sin nombres de calles en inglés? ¿Y qué tal se las apañaría en Italia, donde las señales de tráfico son una mera sugerencia de lo que puedes hacer?”

Además de la oportunidad que representaba llevar a los personajes por todo el planeta y explorar el mundo de las carreras y del espionaje internacional, lo que atraía a Lasseter era el alma y el humor de los personajes y de la historia.

“El humor de ‘Cars 2’ reside en la personalidad de los personajes", dice el director, "y de verles en esas situaciones tan poco habituales para ellos. Pero en lo que se refiere a los sentimientos, el mensaje de la película es la amistad entre Rayo McQueen y Mate, que va a ponerse a prueba en situaciones de lo más peculiares e interesantes. Se trata de averiguar qué pruebas puede resistir una amistad. Lo que parece muy sólido en un lugar puede resultar muy diferente si se cambia de escenario. Se pone a prueba una amistad en una serie de circunstancias diferentes y en un escenario diferente... ¿Es tan fuerte su amistad?

Lasseter siente predilección por Mate. “Mate es un personaje muy especial. Es honrado y tremendamente sincero y dice las cosas como las siente", dice el director. "Además es adorable, y muy divertido. Cuando un personaje tan inocente como él se da cuenta que la gente no sería de las mismas cosas, sino que se ríe de él, se te rompe el corazón. Para él es un verdadero baño de realidad. Se ve obligado a conocer la verdad sobre sí mismo, o lo que él cree que es la verdad sobre sí mismo. Es muy emotivo porque gracias a este viaje interior, su amistad con Rayo McQueen se hace aún más fuerte. Ambos se dan cuenta que Mate es quien es y que no es Mate el que tiene que cambiar sino el mundo".

Brad Lewis, codirector afirma: "Trabajar con un John siempre es fuente de inspiración. Tiene una imaginación desbordante y enseguida te das cuenta que todos esos mundos maravillosos habitan en su cerebro. En el caso de ‘Cars 2’, los personajes tienen un significado especial para John. Hemos creado una gran historia juntos y tenemos un amistad maravillosa. Ha sido una gran alegría y una fabulosa experiencia trabajar codo con codo con él en esta película”.

La productora Denise Ream afirma que trabajar con Lasseter fue un sueño hecho realidad. Y no lo fue sólo para ella. "Desde que John terminó de dirigir 'Cars', Pixar ha crecido considerablemente, así que un montón de artistas no habían tenido la oportunidad de trabajar con él. "Ha sido un privilegio ver a John dirigir a los artistas y a los animadores, y verle trabajar con todos los distintos departamentos. Como director, lo tiene todo muy claro. Sabe lo quiere. Esto es su pasión. Y es genial trabajar con alguien que siente tanta pasión por este medio. Además hay que reconocer que es un grandísimo narrador. Tenía esta película en mente, y ha sido muy divertido trasladar esta visión a la pantalla. Ha sido un auténtico desafío pero trabajar con él es una gozada".


DE VUELTA A LA CARRETERA: CREAR LA HISTORIA DE "CARS 2"
Los realizadores crean un cuento repleto de acción sobre el espionaje internacional

Espionaje internacional. Carreras de coches por todo el mundo. Amistad. Cada tema desempeña un papel en "Cars 2", y el codirector Brad Lewis, el guionista Ben Queen y el equipo de historia de Pixar, a las órdenes de Nathan Stanton, se encargaron de encontrar el equilibrio en la historia. El guión de la película es de Queen, basado en una historia de Lasseter, Lewis y Dan Fogelman.

"Esto no es una parodia de una película de espías", afirma Lasseter. "Es una película de espías en la que los coches son los personajes. Es un género diferente que nos da una oportunidad de jugar con un montón de artilugios. El niño que llevo dentro sale en esta película más que en cualquier otra. Vamos a divertirnos con este mundo. Vamos a divertirnos con estos artilugios".

Queen afirma: "Cuando ves la secuencia de apertura con Finn McMissile te das cuenta que está interpretada con total seriedad. Y después, la siguiente escena se desarrolla en Radiator Springs y se interpreta en tono de comedia. Y esta yuxtaposición funcional genial y establece inmediatamente el tono de la película. Es un thriller de espías, pero con trasfondos cómicos y emotivos. En el resto de la película arrastramos al público a una historia y género que discurren a velocidad de vértigo".

Para Queen, que había escrito y producido una serie de televisión para Fox llamada "Drive" sobre carreras ilegales en las carreteras del país con personajes que tunean sus coches, "Cars 2" fue su primer guión para una película animada. "La primera película de 'Cars' afianzaba la amistad entre Mate y Rayo, que era algo con lo que se identificaban muchísimo los espectadores", dice Queen. "Queríamos sacar a Radiator Springs de su ambiente y sumergirlo en otro totalmente diferente. Es una verdadera prueba de fuego para esta amistad".

"Llegamos a la conclusión de que su amistad es el quid de la cuestión", dice Nathan Stanton, el supervisor de historia. "Hemos imaginado que han pasado cuatro o cinco años desde la primera película, así que los lazos de amistad entre Rayo y Mate son muy fuertes. Tenemos a un piloto de carreras muy conocido cuyo mejor amigo no ha salido nunca de su pueblo y es tremendamente inocente. Son muy amigos en la seguridad que les proporciona Radiator Springs, así que su amistad no se puesto nunca a prueba. Nos gustaba la idea de explorar lo que ocurre cuando se produce una fractura en su amistad".

Lewis recuerda: "Creo que la película despertó un enorme interés desde el principio. Pero se preguntaban. '¿Es factible? ¿Se puede hacer una película de espías internacionales y conspiraciones que también es una película sobre carreras de coche? Creamos una gran historia y lo mejor de todo es que en Pixar todo el mundo se entregó en cuerpo y alma en esta película. Y creo que el resultado es una de las películas más maravillosas que se han hecho jamás".


"CARS 2" DE PIXAR SE GLOBALIZA
La pandilla de Radiator Springs se va de viaje a Japón, Italia, Francia y el Reino Unido

Cuando "Cars" llegó a los cines en 2006, los espectadores se enamoraron de Radiator Springs, de su encanto y de la magia que desprende una ciudad pequeña. Después de todo es la ciudad pequeña más bonita de Carburetor County. Eso es lo que opina el jefe de grúas de la ciudad y Mate sabe bastante de este tipo de cosas.

Pero cuando llegó el momento de volver a visitar a la pandilla de Radiator Springs, los realizadores se preguntaron qué haría este grupo tan carismático fuera de la seguridad de sus hogares. ¿Pero dónde?

En todo el mundo, por supuesto. El director John Lasseter afirma: "Vayas donde vayas por el mundo, te encuentras el mundo de 'Cars'".

"Y eso es absolutamente genial", dice Lasseter. "Si te fijas en las tres películas de 'Cars', son temas completamente diferentes pero todos se desarrollan en la habitación de Andy y alrededor del mundo de los juguetes. Lo que es diferente en esta película es que el mundo de ‘Cars 2’ es tan grande como el mundo en el que vivimos".

A los realizadores les interesó tanto el escenario de las carreras internacionales que decidieron introducir su coche de carreras en ese nuevo mundo. "Invitan a Rayo McQueen a competir en el Gran Premio Mundial y competir contra los coches más rápidos del mundo en tres localizaciones maravillosas: Japón, Italia y el Reino Unido Pero Mate, que no ha salido nunca de Radiator Springs se siente totalmente desplazado en esas culturas tan diferentes y eso da lugar a momentos cómicos tremendamente divertidos".


LA PELÍCULA SE PONE EN MARCHA
Una aventura global como "Cars 2" no está exenta de dificultades. Según la productora Denise Ream, al ser una secuela, la película tenía cierta ventaja ya que muchos de sus protagonistas y el mundo en el que vivían ya se establecieron en 'Cars'". Ream afirma: "Al empezar 'Cars 2' fue muy útil saber que la película tenía un aspecto establecido. Sin embargo, ampliamos el mundo para que tuvieran cabida todos esos lugares internacionales. Así que a la estética ya conocida vino a añadirse un enorme campo de posibilidades. Incorporar todas estas localizaciones dinámicas ha sido el mayor desafío. De hecho hemos doblado el número de localizaciones de cualquier otra película de Pixar".

"Hay que reinventar los mundos", añade el codirector Brad Lewis. "Tienes que 'car-eizar' todos los edificios de fondo, el atrezzo y los personajes para integrarlos en el mundo de 'Cars'. Y todo forma parte de una película en episodios con comedia y emociones. Recuerdo que cuando dimos las primeras pistas al equipo que iba a ser responsable de gran parte del diseño y del alcance de la película, exclamaron: '¡Estáis de broma, no!'"

"Además, 'Cars 2' tiene más planos de masas, más efectos especiales, más personajes", dice Ream. "Es un proyecto enorme. Tuvimos la suerte de contar con Charley Jessup, un veterano del diseño de producción, que supervisó un departamento artístico repleto de talento cuyo trabajo en el diseño superó todas las nuestras expectativas".

Los artistas y narradores de Pixar se pusieron manos a la obra. El primer paso fue investigar y a este equipo le apasiona investigar, sobre todo cuando eso significa viajar a exóticas localizaciones en el extranjero y empaparse lo más posible de la cultura local. Exploraron ciudades de Europa y Japón para contrastar los detalles del argumento y para asegurar que el aspecto y el estilo de los escenarios internacionales fueran lo más auténticos posible.


LONDRES
En mayo de 2009, varios miembros del equipo de producción de "Cars 2" hicieron un intenso tour por Europa visitando todas las ciudades que pudieron, incluyendo una visita de dos días a Londres.

Los realizadores tomaron nota de la paleta de colores de cada país, dice Jessup. "De hecho utilizamos los cielos grises y la mampostería de Londres como contrapartida a los colores brillantes de los coches, los autobuses rojos de dos pisos y las cabinas de teléfono. Hay muchas pinceladas rojas y azules en Londres.”

La visita incluía paradas en Scotland Yard, el Parlamento, el Big Ben, la Abadía de Westminster y la Noria del Milenio. Pero Jay Shuster, director artístico de personajes, también pasó mucho tiempo recorriendo las calles. "En un momento dado me planté en una acera de Londres durante la hora punta de la mañana y grabé todos los coches que vi, incluyendo camiones y autobuses, para intentar capturar el ambiente".

Las observaciones de Shuster permitieron al equipo poblar las localizaciones internacionales con los tipos de vehículos que circulan en cada lugar. El las llama "especies autóctonas".

Los artistas se divirtieron muchísimo car-eizando los monumentos de cada una de las ciudades que se representa en la película. Jessup afirma: "Utilizamos maquetas y motivos de coches de finales del XIX y principios del XX, y utilizamos esas características para decorar los monumentos y los símbolos de cada ciudad".

Por ejemplo, en el Londres de "Cars 2", la cúpula de la Catedral de San Pablo tiene la forma de una caja de cambios. Una de las transformaciones favoritas del equipo es el Big Ben, que en "Cars 2" se llama muy acertadamente Big Bentley. "Es con toda seguridad el mejor ejemplo de monumento perfectamente adaptado a nuestro mundo", dice Jessup, que tuvo el privilegio de hacer un tour por el interior del Big Ben. "Big Bentley desempeña un papel fundamental en la historia. Para que encajara en el mundo de 'Cars' lo reproducimos a una escala del 250%. También redujimos el tamaño del reloj unas 50 veces hasta un tamaño que cupiera en una sala de juntas". El monumento car-eizado también lleva las rejillas características del Bentley y los adornos en el capó.

Según Lewis, había otro símbolo de Londres que estaba en la lista de los imprescindibles. "Sabíamos que teníamos que recrear el Palacio de Buckhingham", dice el codirector. "Siempre creímos que tenía que ser un lugar por donde pasase la carrera. No podría haber un lugar más regio para la meta que la entrada del Palacio de Buckingham. A John y a mí nos pareció divertidísima la idea de que Mate intentase hacer reír a los alabarderos de la Torre de Londres, así que tuvimos que hacer nuestra propia versión para la película".


PARÍS
Hacía tiempo que la imaginación de Lasseter había situado a Mate en París. "¿Cómo maniobraría Mate en la enorme plaza del Arco del Triunfo?", se pregunta "No hay señales ni carriles".

La película ofrece un montaje de París que incluye un plano del famoso monumento, con Mate intentando incorporarse al tráfico. Al igual que en Londres, el equipo de producción car-eizó el Arco de Triunfo de París diseñando la parte superior en forma de bloque de motor y colocando faros en la parte de delante. El montaje también incluye una pareja de coches besándose en un puente romántico que se parece al Pont des Arts, un lugar que Lasseter y su mujer Nancy visitan cada vez que van a la Ciudad del Amor. De hecho, Lasseter quiso que el "coche femenino" fuera color lavanda, el favorito de su mujer.

Y por supuesto, se car-eizó el Pont des Arts de "Cars 2" al igual que otros símbolos de la ciudad. Se construyó con un tipo de muelles que se utilizan en la suspensión de los coches. En "Cars 2", la parte superior de la Torre Eiffel tiene la forma de una bujía europea de los años 1930 y su base tiene las características de una rueda de radios francesa. En la cinta, la Catedral de Notre Dame de París está adornada con 24 "car-golas" y los contrafuertes tienen forma de tubos de escape.

Durante la producción, el equipo de “Cars 2” también se aventuró en los concesionarios de coches de los Campos Elíseos y visitó el Museo del Grand Palais y el Louvre. Vieron la Ópera de la Bastilla y el Museo de Orsay y les encantó incorporar Les Halles en la película. El antiguo mercado de alimentos se derribó en los años setenta pero en "Cars 2" ha resucitado transformándose en un mercado de recambios de automóvil. Jessup afirma: "Acabó siendo un lugar tremendamente evocador, una estructura enorme de hierro forjado lo suficientemente grande para que los coches pudieran correr. Además hay un mercado gitano dentro que están maravillosamente bien texturizado."

Jessup añade: "Me encantó volver a trabajar en París". "Lo estudiamos muy detenidamente para ‘Ratatouille’, así que fue una maravilla volver. París es una ciudad absolutamente maravillosa".


ITALIA
Para desarrollar la ciudad costera ficticia de Porto Corsa, Italia, el equipo de producción de “Cars 2” visitó localizaciones en la costa de Italia y de Francia. Fueron de Portofino, Italia a Niza, Francia, y también asistieron a la carrera de Fórmula Uno en Mónaco.

Lewis señala: "Cuando decidimos crear una ciudad ficticia italiana, queríamos que fuera una declaración de amor a las carreras de coches italianas. En Italia, las carreras de coches son una pasión nacional. Queríamos reflejar esa pasión, desde la maravillosa costa a la joya de la corona, la carrera de Fórmula Uno en Mónaco. Un por supuesto Montecarlo, con su gran casino".

Portofino fue una de las fuentes de inspiración para recrear Porto Corsa. Jessup afirma: "En la Riviera italiana los tejados son de terracota, los edificios están pintados con colores vivos. Las callejuelas de adoquines están repletas de vegetación mediterránea, sin olvidar el agua color turquesa". El equipo quiso recrear este estilo tan peculiar en su ciudad de Porto Corsa así que incorporaron la arquitectura típica de la Riviera francesa en un escenario al estilo Portofino.

El puerto deportivo de Porto Corsa está perfectamente car-eizado con las características de los coches clásicos italianos. El casino está construido sobre un peñón que reproduce la forma de un Fiat 500 Topolino de 1948, y en las mesas de juego del casino se ven esos dados de peluche que cuelgan de algunos retrovisores.

Lasseter señala: "La car-ificación hace que estos lugares exóticos se conviertan en personajes independientes". "Añade un nivel de humor y entretenimiento a la película que no se había hecho nunca en los escenarios de una cinta de Pixar".


TOKIO
La aventura transoceánica de “Cars 2” se inicia en Japón. A los realizadores les entusiasmaba la idea de reproducir los brillantes colores que iluminan la noche de Tokio. “Los carteles del distrito de Ginza y la riqueza de los colores eran extraordinarios", dice Jessup.

Tanto Lasseter como Lewis han visitado mucha veces Japón así que les entusiasmaba la idea de llevar coches a Tokio. "Pensamos que si los pilotos iban Tokio, se verían expuestos a una cultura muy diferente", dice Lewis. "Rayo McQueen y Mate tienen que vivir situaciones muy dramáticas. Rayo no tiene problema con las luces y la atención internacional, pero esto es algo totalmente nuevo para Mate. Le da la impresión de que no encaja".

Lasseter añade: "Todo el que ha estado en Japón y ha entrado en un cuarto de baño japonés sabe que los inodoros hacen cosas a las que no están acostumbrados los norteamericanos. Así que nos preguntamos cómo reaccionaría Mate y cómo sería un cuarto de baño de un coche. La verdad es que nos divertimos bastante con estas cosas".

Un reducido equipo de producción viajó a Tokio en octubre de 2009 para recrear el escenario de una de las primeras secuencias. Entre los investigadores estaba Sharon Calahan, directora de fotografía para iluminación. “Tokio había cambiado un poco desde la última vez que había estado allí, pero fue genial visitar algunas zonas de la ciudad en los que no había estado nunca, sitios fuera de los lugares trillados", dice Calahan. Ofrecía un enorme contraste con la zona más chillona, la de los neones tan llamativos. Pudimos explorarla libremente para inspirarnos. La secuencia de la fiesta de inauguración del Gran Premio Mundial se celebra en un museo, y el Centro Nacional de Arte de Tokio estaba muy cerca de nuestro hotel. No habíamos planeado basarnos en él, pero nos pareció un edificio maravilloso".


Lewis añade: "Se prestaba muy bien a la car-ificación". "Era bonito y moderno y nos pareció el mejor lugar para recrear la fiesta de inauguración del Gran Premio Mundial".

Durante el tiempo que estuvo en Tokio, el equipo de producción recorrió el circuito urbano de carreras que se reproduce en la película. Se parece a la carrera de Fórmula Uno que se celebra de noche en un circuito urbano de Singapur y Lasseter y Lewis vieron el material de la carrera para utilizarla como referencia. Lewis afirma: "Durante la carrera, se ven esas brillantes luces halógenas blancas en toda la pista. Es fantástico. John y yo pensamos que si podíamos recrear los neones de Tokio y convertirlos en una carrera nocturna con esas luces halógenas blancas tan brillantes, sería una magnífica forma de iniciar la película. Ese centro high-tech iluminado con neones contrasta muchísimo con Radiator Springs, la quintaesencia de la cultura norteamericana".

Lasseter afirma: "Esta película es muy diferente a 'Cars'. Pero sigue siendo una parte del mundo de 'Cars'. Eso es lo que lo hace tan divertido. Los escenarios de todo el mundo, la ostentación, el glamour, la espectacularidad de los escenarios europeos y japoneses, del género de las películas de espías, las carreras, el tipo de coches de carreras que hay allí. Era genial y nos divertimos muchísimo haciéndolo".


LOS EXPERTOS EN AUTOMÓVILES DE PIXAR ASEGURAN LA AUTENTICIDAD
El equipo de “Cars 2” trabaja duro para que todo salga bien

En Pixar, la gente se toma muy en serio su pasión por los coches y de hecho han nombrado a un 'guardián de franquicia' para “Cars” cuya tarea es asegurarse que todos los detalles son correctos. Jay Ward, que dirigió el equipo de maquetas y articulación de personajes en la primera entrega de “Cars” es ahora el recurso fundamental del que dispone Pixar para todo lo que se refiere a “Cars” (incluyendo todas las cuestiones sobre “Cars” relacionadas con la construcción de "Cars Land” en el California Adventure Theme Park de Disney, así como la fabricación de los coches troquelados). A igual que Lasseter, la querencia de Ward por los coches le viene de su padre que trabajó de mecánico en un concesionario y después como vendedor y coleccionista de coches de época. Es el experto en coches del estudio y también dirige el “Motorama” que se celebra anualmente en Pixar. Este evento se remonta a 2001 y los empleados y algunas marcas escogidas de coches muestran sus más preciadas posesiones.

Jay Shuster, que trabajó en el departamento artístico de la primera entrega de "Cars" y ha sido director artístico de personajes en “Cars 2” es otro fanático del motor. Nació en Detroit donde su padre fue diseñador de coches durante 43 años en General Motors.

El papel de Shuster era dirigir el aspecto artístico del diseño de los personales de la película. “Lo primero que hice fue sentarme con John y hablar con él sobre los personajes que había que hacer y sus tipos de personalidad. Muchos de los personajes de la película son diseños propios. Empezamos realizando una profunda investigación sobre el tipo de coches que estábamos creando. Hemos reunido todas las piezas de referencia y hemos intentado hacer un híbrido que después podemos convertir en un objeto original de Pixar".


Añade. "Después de realizar y acabar el diseño, desarrollamos un dibujo ortográfico en tres dimensiones que describe todas las superficies. Después de que John lo apruebe, saltamos enseguida a realizar la maqueta. Analizamos la maqueta esquemática y nos aseguramos que las proporciones, la base de las ruedas y los ojos y la boca funcionen. Después, el equipo de elaboración de maquetas crea la verdadera geometría y rellena la superficie en el espacio informático en tres dimensiones”.

Los equipos artísticos de personajes de “Cars 2” supervisaron la creación de 145 personajes únicos de coches y 781 variantes adicionales. Crear 926 personajes para una película es un récord en Pixar.

Ward explica: “Uno de los trabajos que nos encargaron a principios de la película consistió en comprobar que los coches correspondían a cada país en el caso de los fondos y de los personajes secundarios. Cuando vas a Japón, no ves un Toyota Camry americano porque allí no los venden. Ellos tienen el Toyota Majestic. Queríamos prestar especial atención a estos detalles para que los coches contribuyeran a contar la historia que ocurría en cada lugar.

“Lo pasamos genial diseñado los coches de carreras tipo Fórmula Uno que tanto gustan a los fans de todo el mundo", sigue diciendo Ward. “Al crear nuestras propias competiciones de carreras, nuestros coches se llaman Formula Racers. Fue muy complicado hacer ese tipo de coche para la película, pero queríamos rendir homenaje a la Fórmula Uno, el deporte de motor más popular del mundo. Franceso Bernoulli es uno de nuestros favoritos con el diseño característico de sus llantas. John Turturro aporta al personaje la dosis justa de bravuconería italiana. Es un tipo que sigue pensando que lo importa es el destino y no el viaje. La obsesión de Bernoulli es ganar a todos y tener el mejor aspecto posible".

Según Shuster, conseguir ese aspecto para Francesco fue un verdadero desafío para el equipo. “Francesco era el diseño más difícil de todos debido a que su suspensión estaba al aire", dice. “Tuvimos que rompernos la cabeza para conseguirlo, pero la verdad es que me encanta Francesco.

Shuster añade: “Los coches de Fórmula Uno tienen morros muy largos, así que tuvimos que inflar la forma para conseguir el aspecto que queríamos. Nos llevó mucho trabajo recrear la expresión física de Francesco pero al final ha quedado muy bien. Puede adoptar poses realmente extremas".

Según Ward, la historia de las carreras exigía una investigación muy específica, pero el equipo no se quejó. Ward afirma: “Una cosa es ver las carreras desde fuera otra estar dentro del coche, correr y sentir la fuerza de la gravedad, las curvas, la adrenalina de estar en un bólido de carreras".

Así que varios animadores participaron en escuelas de pilotaje, pero eso sólo fue el principio. “Nos gusta ir a las carreras y observar al público, a los fans, oír los sonidos que no puedes apreciar en un vídeo clip", dice Ward, que también estuvo con varios miembros del equipo de producción en los pits de las carreras. Añade: “Al estar ahí ves cosas que no verías desde tu casa. Por ejemplo, en esta película fuimos al Gran Premio de Mónaco. Hay gente por todas partes. Oyes el sonido de los coches que rebota en las paredes como si fueran gemidos de espíritus... Es impresionante".


Otro favorito de los amantes y expertos en coches de Pixar fueron los coches espía.

“Finn McMissile es el coche más guay de la película porque hace un montón de cosas", explica Ward. “Se transforma en hidroavión y en submarino y tiene todo tipo de artilugios. También tiene imanes de acero en las ruedas lo que le permite escalar por una pared de acero. Finn es un diseño propio e hicimos todo lo posible para que tuviera este fantástico estilo europeo de los años sesenta. Realizamos todo tipo de investigaciones y después se las pasamos a Jay Shuster y al equipo de diseño de personajes. Le dimos muchas vueltas para que todo pareciera auténtico".

Shuster se encargó de encontrar el lugar donde colocar el equipo de espionaje en Finn y Holley Shiftwell. Lo explica así: “No queríamos diseñar a Finn como a un espía". “Queríamos que fuera un coche deportivo inglés de los sesenta. Y realizamos investigaciones exhaustivas sobre los coches de esa época. Cogimos todo lo que nos gustaba de los coches y creamos a Finn".

Al igual que Finn McMissile, Holley Shiftwell debe su belleza al equipo de Pixar que se encargó de diseñarla. Shuster indica: “El proceso de creación de Holley fue muy rápido. Un domingo por la tarde estaba haciendo esquemas y dibujos basándome en lo que John me había dicho sobre el aspecto de Holly. Ella pertenece a la nueva escuela. Así que estudié los coches de careras modernos de todas las marcas que hay en el mundo. Hay toda una nueva generación de bólidos creados por fabricantes privados. Así que dibujé un esquema y al día siguiente se lo mostré a John. Me dijo: 'Sí, ese es'".

Como no podía ser menos, Holley está totalmente equipada con artilugios de última generación, como las cámaras en los faros, un arma escondida, un mecanismo de electroshock y un brazo telescópico. Shuster afirma que de hecho puede volar. “Tiene alas que sobresalen de sus paneles laterales y la puerta trasera del maletero se convierte en un estabilizador horizontal de un ala trasera que es como la de un avión. Tiene quemadores auxiliares que aparecen en su tubo de escape".

Shuster afirma que el trabajo es tan difícil como gratificante. “Cada coche tiene su propia ingeniería y sus propios problemas. Es un verdadero desafío pero también una enorme satisfacción porque he podido utilizar mis conocimientos sobre coches. Nunca creí que podría utilizar todo que aprendí en Detroit para comprender todos los aspectos del diseño y de la ingeniería, y que el resultado serían personajes como estos”.


PIXAR REALIZA SU LARGOMETRAJE MÁS COMPLICADO HASTA LA FECHA
“Cars 2”, sinónimo de hazañas técnicas 

En tan sólo cinco años, cuando se estrenó "Cars" en 2006, el mundo de la animación por ordenador ha hecho enormes progresos. Para Apurva Shah, el director técnico de supervisión de “Cars 2”, y las prodigiosas mentes técnicas de Pixar Animation Studios volvieron a diseñar los coches y para ello se sirvieron de una gama variada de de herramientas y programas nuevos. A pesar de tener una granja render (un banco de varios ordenadores que se reparten el trabajo de renderizar las animaciones de la película) tres veces mayor de una que utilizamos en “Toy Story 3”, gestionar el tiempo y los recursos fue especialmente difícil ya que se siguen necesitando 13 horas para terminar un fotograma normal.

“La envergadura de ‘Cars 2’ la convierte en la película más complicada que haya hecho Pixar hasta la fecha", dice Shah. “Esta película es un viaje alrededor del mundo, y todos los lugares a los que llevamos al público salen de la nada. Cada país tiene una gama diferente de personajes con un reparto de cientos de coches. Así que necesitábamos un sistema informático que pudiera soportar este tipo de volumen y ofrecer a la vez la máxima calidad. Ese fue uno de los mayores retos.

Shah afirma: “En lo que se refiere a los coches en sí mismos, la idea era tener una especie de línea de montaje para cada coche. Empezamos un modelo estándar y después fuimos añadiendo los atributos que tiene cada coche en particular. Cada coche se diferencia por su suspensión y por sus características mecánicas. Los coches más antiguos tienen una suspensión más floja, y tienes la impresión de que llevan bastante tiempo en la carretera. Uno de los grandes avances de la película es el sistema de pilotaje de los coches, cómo se mueven, en qué dirección van. Queríamos un gran nivel de control en esos aspectos, pero eso quiere decir otro nivel más de complicación”.

En el circuito de carreras de Londres, Pixar tuvo que crear unos 32 kilómetros de paisajes y entornos. Según Shah: “Empezamos literalmente con el auténtico mapa de Londres. A pesar de que nuestro mundo está muy caricaturizado, queríamos que resultara lo más verídico posible. En esta película, construimos la vegetación y los edificios de forma modular. Así podíamos colocar las piezas juntas y cubrir zonas muy amplias. También adoptamos un nuevo enfoque a la hora de crear el agua para controlar mejor el movimiento de los barcos y su forma de responder a la acción".

Para Jeremy Lasky, director de fotografía-cámara, el reto residía en capturar la enormidad del mundo y hacer que el público sintiese que el mundo en el que viven esos coches va más allá del fotograma. Afirma: “Cada película que hacemos en Pixar representa un paso adelante. Hemos ido aumentando el rendimiento de la cámara para adaptarlo a cada tema. En ‘Cars 2,’ hemos tomado lo que habíamos aprendido en la película en lo que se refiere a cómo filmar coches y hacer que parezcan personajes, y hemos aplicado todas las técnicas que se han ido desarrollando. Ahora la cámara parece más fija y más real que en el primer 'Cars'.
También hemos ampliado nuestro lenguaje en lo que se refiere a filmar carreras o persecuciones de espías para que resulten más atractivas. Esta película tiene que ser como la primera película, pero aún mejor. Siempre estamos subiendo el listón".

Lasky continúa diciendo: “Una de las cosas que averiguamos en el primer 'Cars' es que hay ángulos y lentes muy específicos que funcionan con estos personajes. Partimos de lo que habíamos aprendido en la última película y quisimos llegar más lejos para que los coches tuvieran más movimiento. Los coches son más interesantes cuando están en marcha. En esta película, movemos mucho la cámara para que fuera más dinámico y más interesante. Hemos cogido a esos personajes que tanto gustan al público y los hemos colocado en situaciones vertiginosas e intensas rodeados de maravillosos escenarios”.


Desde el punto de vista cinematográfico, Lasky está especialmente orgulloso de la segunda escena de carrera de la película que se desarrolla en la Riviera italiana en el idealizada pueblo de Porto Corsa. Lasky lo explica así: "Esta escena tiene 12 minutos y está compuesta de 250 planos. Es decir que es una escena de mucha envergadura. Funde varios argumentos clave al mismo tiempo. Está la historia de la carrera de Rayo, la de Mate disfrazado infiltrándose en un casino donde el villano y sus secuaces van a celebrar una reunión secreta para hablar de su artero plan, y donde Finn y Holley van a intentar detenerlos. Fue muy difícil trabajar con todas estas estructuras cinematográficas y estructurales para que la acción pudiera avanzar. La fluidez tenía que ser impecable. El resultado es apasionante y la tensión aumenta a medida que comprendes lo que está pasando”.

En la primera película de "Cars", Lasky y su equipo solicitaron el asesoramiento de Arite Kempner, el mayor especialista de Fox Sports, con el fin de capturar toda la emoción de una carrera en directo, y comprender la metodología que sigue para colocar cámaras en sus retransmisiones. En el mundo virtual de la animación por ordenador, la cámara puede colocarse en cualquier sitio sin peligro para la seguridad de los operadores de cámara o de que se rompan los equipos, así que las posibilidades son ilimitadas y más interesantes. Lasky añade: "Queríamos que la fotografía de ‘Cars 2’ se pareciera a la de una verdadera carrera de Fórmula Uno, pero también queríamos mostrar algo que la gente no ve cuando mira las carreras en la televisión. Queríamos que el público tuviese la impresión de que estaba corriendo con los coches".

En Pixar, las tareas del director de fotografía se dividen en dos áreas diferentes: cámara e iluminación. Sharon Calahan, la homóloga de Lasky en el área de iluminación, ha colaborado con John Lasseter en sus tres películas anteriores. 

“Esta película tiene un montón de fantásticas localizaciones internacionales”, afirma Calahan. “Se desarrolla en Europa y Asia, y queríamos reflejar cómo son esas zonas y que no pareciera que seguíamos en Radiator Springs. Tienen colores maravillosos, brillantes y muy modernos. Queríamos que Mate se sintiera como 'un pulpo en un garaje' en esos ambientes y la iluminación nos ayudó a conseguirlo.

Calahan continúa diciendo: “Siempre estamos cambiando la iluminación. Es un área en continuo desarrollo. “Pero eso ocurre en todos los ámbitos de la película y no sólo en la iluminación. Siempre estamos buscando la forma de hacer más. En esta película hemos hecho más cosas que antes. Hemos utilizado más configuraciones de luz, más luces y más superficies reflectivas que nunca".

En las escenas de París, Calahan rindió homenaje a “Ratatouille”, utilizando un luz suave y cálida muy parecida. Para añadir autenticidad, Julien Schreyer, se contó con el magistral artista de la iluminación en esas escenas de “Cars 2”. De hecho él es parisino y también trabajó en "Ratatouille". “Le dije que estas escenas no estarían terminadas hasta que empezara a añorar su ciudad”.

De la misma forma, varios británicos del equipo de iluminación que trabajaron en las escenas de Londres. "En estas escenas, el cielo estaba nublado pero no eran lúgubres", según Calahan. "Los ingleses de mi equipo decían: 'Vaya, tenía que estar nublado'. Y yo les dije: 'Pues sí, ¿qué os esperabais?'"

Algunas de las secuencias más difíciles para Calahan y su equipo fueron las que transcurrían de noche. La secuencia de espías repleta de acción que abre la película discurre en medio del mar con todo tipo de luces reflejándose en el agua. Y también están las escenas de Tokio con todos esos brillantes anuncios de neón. Todas ellas exigían optimizar y combinar los montajes de luces para lograr el efecto deseado.

Calahan añade: "La envergadura de esta película se refleja en todos los departamentos, no sólo en él de iluminación. Hemos hecho más planos de masas que nunca. Lo que me gusta de ‘Cars 2’ es que ofrece una enorme variedad visual. Visualmente es muy rico y colorido pero también hay escenas que tienen una paleta más suave, más limitada."

Y añade: “John es un realizador increíble". “Siempre tiene una visión muy clara de lo que quiere. Sabe cómo quiere que se interpreten las cosas, los puntos de la historia que son importantes para él. Y esa claridad meridiana ayuda muchísimo en todo el proceso de producción y motiva a la gente a superar sus límites”.


REPARTO DE LOS “CAR-SONAJES” PRINCIPALES Y COMPETIDORES
¿Quién es quién? en “Cars 2”

LA PANDILLA DE RADIATOR SPRINGS

Rayo McQueen (alias Rayo) (voz de Owen Wilson)
Rayo McQueen, que lleva el número 95, sigue siendo un coche de carreras rapidísimo, pero sus días de novato han llegado a su fin. Tras ganar cuatro veces la Copa Piston, Rayo, que ahora vive en Radiador Springs, se ha convertido en una auténtica estrella mundial.

Después de su última victoria, Rayo vuelve a casa para descansar y disfrutar de la vida junto a su novia Sally, su mejor amigo Mate y el resto de la familia de Radiador Springs. Pero su descanso se ve interrumpido cuando Mate le inscribe sin querer en el Gran Premio Mundial, una famosa competición de carreras de coches con tres escalas, y que le llevará a recorrer el mundo entero.

Recién pintado para la ocasión y con faros delanteros que funcionan de verdad, Rayo viaja a Japón, Italia e Inglaterra remolcado por su amigo Mate, para embarcarse en la gran aventura de sus vidas. Pero competir con los bólidos más veloces del mundo pone a prueba todas sus habilidades en la pista. Rayo se da cuenta que su mejor amigo no puede dirigir los boxes ni es el representante que necesita para navegar en este desconocido mundillo.

Mate (voz de Larry the Cable Guy)
En Radiador Springs, un destino turístico que se ha vuelto muy popular, la oxidada grúa Mate tiene varios papeles, incluyendo la de propietario del Servicio de Rescate y Grúa Mate, un magnífico narrador de historias y el alma del pueblo. Pero el título que más le gusta a Mate es el de mejor amigo de Rayo McQueen. Para Mate, las abolladuras que se ha hecho en sus escapadas con Rayo a lo largo de los años son como tesoros. Así que espera con impaciencia vivir nuevas aventuras con su amigo cuando Rayo vuelva de la última Copa Piston.

Mate es alegre, sincero y leal a muerte, así que defiende por encima de todo a su mejor amigo Rayo que acaba en una carrera internacional: el Gran Premio Mundial. Cuando Rayo invita a Mate a incorporarse a su equipo del pit, Mate sale de Carburetor County por primera vez en su vida.

Poco después de su llegada a Tokio, Mate se da cuenta que fuera de Radiador Springs el mundo es muy diferente y que le va a llevar tiempo acostumbrarse a tantas novedades. Pero le confunden con un agente secreto americano y se ve inmerso en su propia y fascinante aventura. Mate se ve atrapado entre apoyar a su mejor amigo en una competición de coches alrededor del mundo y su nuevo papel en el espionaje internacional. Y la cosa acaba con una persecución por las calles de Tokio y Europa junto con un equipo de espías británicos y un grupo internacional de villanos.

Sally (voz de Bonnie Hunt)
Sally, un Porsche 911 Carrera azul celeste, es la propietaria del Cozy Cones y de los Moteles Wheel Wagon de Radiador Springs y es la niña de los ojos de Rayo McQueen. Sally espera con impaciencia que Rayo regrese de su temporada en la Copa Piston y sueña con un largo paseo con “Stickers”, el apodo cariñoso con el que llama a Rayo.

Rayo se inscribe en el Gran Premio Mundial la misma noche de su regreso y Sally muestra un apoyo incondicional a su coche de carreras favorito. De hecho, convence a Rayo para que se lleve a su mejor amigo Mate para vivir una experiencia única en sus vidas. Sally se queda en Radiador Springs, y a pesar de que le ilumina en la carrera de monoplazas en Europa – sólo Rayo consigue que su motor vaya como la seda.

Luigi (voz de Tony Shalhoub)
Luigi también vive en Radiador Springs. Es un impulsivo y sociable Fiat 500 italiano, con un corazón que no le cabe en el chasis. Es propietario de la tienda Luigi’s Casa Della Tires y un auténtico virtuoso de los neumáticos. Luigi y su colega Guido se unen a Rayo y Mate para formar parte del equipo de mecánicos de Rayo McQueen para el Gran Premio. Luigi, además de ser un aficionado y un fanático de todo lo italiano, siente una particular fascinación por los coches de carreras de la marca Ferrari. Cuando la competición traslada al equipo a su pueblo natal de Porto Corsa en Italia, Luigi está loco de contento. Es su ocasión para enseñar al equipo de Radiador Springs su precioso pueblo y las maravillosas costumbres de Italia. Su familia recibe a toda la pandilla al estilo italiano: ¡con mucho amore!

Guido (voz de Guido Quaroni)
Guido, la pequeña carretilla elevadora, es el alma de Luigi's Casa Della Tires. Es el ayudante y mejor amigo de Luigi y son los aficionados más chiflados por los bólidos Ferrari de todo Carburetor County. Guido no habla mucho inglés, pero sí sabe palabras como "pit stop". Pero es toda una autoridad a la hora de cambiar neumáticos durante una carrera. Al incorporarse al equipo de Rayo McQueen, Guido podrá presumir de sus rapidísimas paradas en boxes, pero esta vez en la escena internacional, y quizás, sólo quizás... ¡logre ver algunos Ferrari!

Fillmore (voz de Lloyd Sherr)
Fillmore, el coche hippie de Radiador Springs, es un relajado Volkswagen de los años sesenta, que defiende la paz y el amor. Y como le gusta decir a su amigo y vecino Sargento, "quien ha sido hippie siempre será hippie". En su popular tienda llamada Combustible Orgánico Fillmore, elabora su propia gasolina y vende accesorios de estilo hippie. Cuando se entera de que el Gran Premio Mundial sólo autorizará el uso del combustible alternativo Allinol, Fillmore cierra su tienda y se enrola como experto en combustibles en el equipo de Rayo McQueen.

Otros personajes de Radiator Springs son Sargento (voz de Paul Dooley), Mack (voz de John Ratzenberger), Ramón (voz de Cheech Marin), Flo (voz de Jenifer Lewis), Sheriff (voz de Michael Wallis) y Lizzie (voz de Katherine Helmond).


AGENTES TOP SECRET

Finn McMissile (voz de Michael Caine)
Finn McMissile es un consumado espía británico. A pesar de su encanto y su elocuencia, son sus sigilosas estratagemas, su inteligencia y sus años de experiencia lo que logran burlar los inesperados ataques de los villanos, con temerarias y rapidísimas huidas. El diseño de Finn es elegante y estiloso, pero también está preparado para hacer frente a cualquier situación difícil gracias a su arsenal de armas y de divertidísimos gadgets, como los garfios delanteros y traseros, un lanzamisiles, explosivos magnéticos desplegables y un proyector holográfico camuflado. Finn es un avezado profesional en el mundo del espionaje internacional y cree que se está tramando una conspiración durante el Gran Premio Mundial. Su trabajo clandestino en la competición mundial le enfrenta a Mate, a quien confunde con un agente encubierto americano con un disfraz genial.

Holley Shiftwell (voz de Emily Mortimer)
Holley Shiftwell es una guapísima agente secreta británica, convertida en aprendiz de espía y que está destinada en Tokio. Culta e inteligente, lo ha aprendido todo en los libros—o más bien, sigue al pie de la letra lo que dice el manual de espías. Está equipada con la última tecnología en dispositivos de espionaje, que van de cámaras ocultas y armas camufladas a un brazo telescópico y una pantalla holográfica. Holley es una agente muy motivada, pero es una novata que acaba de salir de la academia. Así que su experiencia es puramente teórica y no sabe gran cosa de las situaciones reales. Cuando el experimentado espía Finn McMissile solicita los servicios técnicos de Holley para su última operación de campo secreta, se ve abocada a tener una cita con el candidato más inesperado. Se trata de Mate, una víctima inocente fascinado por la deslumbrante belleza de su nueva amiga.

Siddeley (voz de Jason Isaacs)
Siddeley es un jet bimotor británico dotado de la última tecnología. Con sus 53,6 metros del morro a la cola y una envergadura de ala a ala de 48 metros, el reluciente Siddeley plateado surca los cielos del mundo a velocidades record de Mach 1. Está dotado con todos los equipos de última generación, incluyendo tecnología secreta, armamento defensivo y postcombustión. Siddeley es el socio inquebrantable de Finn en la lucha contra el crimen en todo el mundo.

El grupo de agentes secretos de “Cars 2” también incluye a Rod “Tuerca” Redline (voz de Bruce Campbell).


EMPIEZA LA CARRERA

Miles Axlerod (voz de Eddie Izzard)
Sir Miles Axlerod es un antiguo magnate del petróleo que ha empleado toda su fortuna en convertirse en un vehículo eléctrico. Ahora se dedica en cuerpo y alma a encontrar una fuente de energía renovable y limpia. Y al final descubre el combustible que, en su opinión, debería utilizar todo el mundo. Miles también es el coche que organiza el Gran Premio Mundial, una carrera que discurre por tres países y que creó para atraer a los mejores pilotos del mundo. Pero en realidad sólo es una excusa para mostrar su maravilloso combustible, el Allinol.

Francesco Bernoulli, nº 1 (voz de John Turturro)
Francesco Bernoulli creció a la sombra del famoso circuito automovilístico de Monza en Italia. El y sus amigos se colaban en el circuito y corrían por la famosa horquilla de la Pista di Alta Velocita. No tardó en imponerse en el circuito amateur y se convirtió rápidamente en un piloto campeón. A las damas les enloquece las ruedas de Francesco. Los jóvenes imitan su espíritu ganador y sus colegas de carrera envidian su velocidad. Pero el mayor fan de Francesco es el mismísimo Francesco. Y la mejor prueba es el número con el que corre. Es el coche de carreras más famoso de Europa, así que Francesco, con su número 1, es el favorito para ganar el Gran Premio. Y eso le convierte en el máximo rival de Rayo McQueen.

Lewis Hamilton, nº 2 (voz de Lewis Hamilton)
Lewis Hamilton el elegantísimo y rapidísimo campeón de Grand Touring Sports nº2, lleva casi toda su corta vida ganando carreras. Como todos los coches jóvenes, Lewis pasó la infancia entre el cole, las clases de kárate, además de ganar el British Karting Championship a los 10 años. Hoy, el famoso piloto británico sigue demostrando su excepcional ética profesional y su confianza en los circuitos de carreras, donde sus extraordinarias hazañas hablan por sí mismas gracias a un record impecable en los circuitos junior y profesionales. Lewis representará a Gran Bretaña en el Gran Premio Mundial con su brillante pintura metalizada negra y amarilla. Su coche también lleva la bandera de Grenada, el país de origen de su familia que emigró al Reino Unido en los años 50.Su incomparable técnica, su habilidad innata para la velocidad y su actitud relajada muy propia del kárate le convierten en un peligroso rival.

Carla Veloso, nº 8
Carla Veloso participa también en el Gran Premio Mundial. Es de Río de Janeiro, Brasil. La encantadora pero potente diva latina puede bailar toda la noche en el “Car-nival” pero pasa casi todo su tiempo en los circuitos de carreras. Después de establecer un nuevo record en el circuito local de Interlagos, le propusieron unirse al equipo de carreras de resistencia de 24 horas en Europa, donde logró una fantástica serie de podios. En el Gran Premio Mundial, la orgullosa piloto brasileña de Le Motor Prototype es la única chica de los participantes. Carla quiere demostrar al mundo que el nº8 ha venido a llevarse el triunfo a su país.


Jeff Gorvette, nº 24 (voz de Jeff Gordon)
Jeff Gorvette es uno de los mejores bólidos de carreras americanos que siguen vivos. Vestido con las barras y estrellas de la bandera de su país, el Corvette C6.R nº24 ha cosechado grandes éxitos en las pistas y carreteras de los circuitos del Grand Touring Sports. Tras mudarse de su pueblo natal de Vallejo, California, a Indiana para estar más cerca del mundo de las carreras, la capacidad de Gorvette para acelerar desde una edad muy temprana ha hecho que se levanten muchos capós cuando el compite. Sus campeonatos y el número de victorias no tienen parangón y le convierten en un competidor respetado -y una verdadera amenaza- en el Gran Premio Mundial.

Otros de los pilotos del Gran Premio son:

Max Schnell, nº4, Alemania. El descapotable de fibra de carbono ha ganado más carreras en Motorheimring que ningún otro coche en la historia de la World Torque League.
Miguel Camino, nº 5, España. Este veterano de la Carrera de los Bulldozers, también es un aguerrido competidor del circuito Grand Touring Sports.
Raoul ÇaRoule, nº 6, Francia. El “Mejor Coche de Rally del Mundo” — el primer coche que gana nueve rallies consecutivos — dominará en las secciones de tierra.
Shu Todoroki, nº 7, Japón. El Le Motor Prototype y campeón del Circuito Suzuka luce un temible dragón Ka-Riu que según algunos podría intimidar en la competición.
Nigel Gearsley, nº 9, Inglaterra. El piloto Aston Martin DB9R que ya ha ganado en casi todas las escalas del circuito Grand Touring Sports, incluyendo una lista de podios en Nurburgring y Le Mans.
Rip Clutchgoneski, nº 10, República de Nueva Rearendia. El piloto con una historia digna de Cenicienta, bien podría poner a su país en el mapa.

Otros nombres del mundo de las carreras:

Darrell Carter (voz de Darrell Waltrip)
Darrell Carter es un campeón de la legendaria multi-Piston Cup que se ha convertido en un queridísimo locutor de carreras. El Chevrolet Monte Carlo nº17 nacido en Kentucky es famoso por sus extravagantes comentarios que hacen las delicias de los aficionados de la Piston Cup por su humor, carisma y frases míticas como — “¡oogity, boogity, boogity! ¡Vamos a correr, chicos!” Ha pasado años en los circuitos, en los pits y entre aceite, pero sabe cómo contar las cosas. Este caballero del sur de Estados Unidos sabe lo que cuesta ganar y quiere que todo el mundo conozca el Gran Premio Mundial.

David Hobbscap (voz de David Hobbs)
El precioso Jaguar Lightweight E-Type verde bosque, David Hobbscap, originario de Royal Leamington Spa, Inglaterra, es una lumbrera de las carreras internacionales. Sus 30 años de carrera en los circuitos profesionales abarca todo el planeta y todos los tipos de deportes de motor. Ahora, David Now David comparte sus inestimables conocimientos en su papel de locutor, donde también es muy conocido por sus comentarios cómicos durante las retransmisiones de las carreras. Es un antiguo campeón con 24 participaciones en las 24 Horas de Le Mans, así que sus narraciones se basan en su experiencia personal. David, un locutor de televisión nada habitual, está deseando culturizar y entretener al público del Gran Premio.

Brent Mustangburger (voz de Brent Musburger)
Brent Mustangburger es un icono de las retransmisiones deportivas en Estados Unidos. Este nervioso Ford Mustang de 1964½ que se autoproclama el "mejor del garaje" está considerado una de las voces más reconocibles de la historia de las retransmisiones deportivas y se le identifica con algunos de los momentos más memorables del deporte moderno. En el Gran Premio Mundial, Brent contará la acción curva a curva con sus análisis tremendamente detallados.

John Lasseter (voz de John Lasseter)
Todo el mundo sabe que esas carreras de élite no serían posible sin la ayuda de los coches que hay en los pits. John Lassetire se incorpora a las filas del Gran Premio Mundial. Es el jefe del pit del nº24 Jeff Gorvette, un campeón norteamericano y un temido rival en las competiciones internacionales.


LOS MALOS

Prozesor Z (voz de Thomas Kretschmann)
El Prozesor Z, conocido como “El Prozesor” es un diseñador de armas buscado internacionalmente con el tamaño pequeño y sofisticado de un coche alemán. Es un científico brillante pero bastante chiflado con monóculo que planea sabotear el Gran Premio Mundial. A pesar de que sus motivos no están claros, el Prozesor Z está dispuesto a superar todos los obstáculos y cumplir su malvado “proyecto”.

Verde (voz de Joe Mantegna)
Verde es un AMC Gremlin de color naranja, abollado y oxidado. Durante muchos años se criticó su diseño. Se llegó a decir que Verde era un "limón". Verde tiene una gran muesca en el guardabarros que le ha llevado a los bajos fondos del espionaje internacional. Como secuaz del malvado Profesor Z, Verde y su compinche As intentan sabotear el Gran Premio Mundial y los famosos coches de carreras que participan en la competición. Verde y As confunden a Mate con un agente americano que tiene información secreta de gran valor. Así que los despiadados limones se dedican a perseguir a Mate por todo el mundo para impedir que frustre su malvado plan.

As (voz de Peter Jacobson)
As siempre se ha sentido un marginado en el mundo del automóvil. El destartalado AMC Pacer verde se une a coches "limón" como secuaces del astuto Profesor Z, cuya misión clandestina es sembrar el caos en el famosísimo Gran Premio Mundial. As tiene que dar caza a los agentes secretos británicos y americanos que han robado información esencial sobre el turbio complot del Profesor Z. Y resulta que su máximo objetivo es Mate, al que han confundido con un espía. As pone gran empeño en ser un tipo duro, pero se pasa muchísimo de rosca si lo comparamos con su cómplice Verde, mucho más sensato.


MÁS CAR-SONAJES GLOBALES

Tío Topolino (voz de Franco Nero)
El Tío Topolino, el tío favorito de Luigi, vive con Mama Topolino, su querida esposa, en el pueblecito de Carsoli, cerca de Porto Corsa, en Italia. El Tío Topolino es el dueño de la tienda de neumáticos del pueblo Allí enseño a Luigi y a Guido todo lo que saben. Les ha dado muy buenos consejos a pesar de que sus conocimientos se limitan a los neumáticos.

Mama Topolino (voz de Vanessa Redgrave)
Para todos los que la conoce, Mama Topolino, la tía de Luigi, es una cocinera consumada con el mejor combustible del pueblo de Carsoli, cerca de Porto Corsa, en Italia. A pesar de que tiene sus más y sus menos con su marido, Tío Topolino, es una fuente inagotable de amor y generosidad para su familia y amigos y alimenta a todos con su delizioso combustible.

Tumba (voz de Michel Michelis)
Tumba es un turbio coche francés con un diseño extraño y muy inestable de tres ruedas. Tiene un puesto de recambios en un mercado parisino, aunque el dudoso origen de su mercancía le ha permitido conocer al agente secreto británico Finn McMissile.

La Reina (voz de Vanessa Redgrave)
La última etapa del Gran Premio Mundial se celebra por las históricas calles de Londres, Inglaterra, así que la Reina está encantada porque Sir Mile Axlerod le ha invitado a presidir la meta. La Reina va pintada en los tonos azules más regios y siempre lleva su enjoyada corona. Es la definición de la compostura y la realeza, pero eso no le impide disfrutar de una competición de primera clase.

Crabby (voz de Sig Hansen)
Crabby es barco de pesca de Seattle, que se ha vuelto muy arisco después de pasar años pescando cangrejos en el turbulento Mar de Bering. El motor de este barco blanco con velas azul marino tiene un motor que funciona con combustible noruego y está registrado oficialmente en el Noroeste de Estados Unidos, aunque sus colegas y rivales le llaman Crabby. Su eslora de 31,40 metros suele estar repleta de cubos de cangrejos, hasta que un misterioso coche azul lo alquila para el transporte a coordenadas extremadamente lejanas en medio del Océano Pacífico – sin ninguna explicación – pero a Crabby no le importa siempre que le paguen.

Entre los coches internacionales de “Cars 2” también se encuentran Okuni, Kingpin Nobunaga, Pinion Tanaka, Zen Master, Topper Deckington III, Chauncy Fares, Sgt. Highgear, Prince Wheeliam y cientos más.


EL MUNDO DE “CARS” EN 3D: CARRERAS DE COCHES EN UNA NUEVA DIMENSIÓN
La tecnología 3D: una experiencia de inmersión para el público

Uno de los adelantos técnicos que ha surgido y que ha hecho suyo el mundo del entretenimiento desde el estreno del primer "Cars" en 2006 es la exhibición en 3D. Y “Cars 2” es la tercera película de Pixar que utiliza este popular formato. Este último estreno de DisneyPixar (después de “Up” y “Toy Story 3”) ofrece al público la posibilidad de disfrutar una maravillosa experiencia: estar en las carreras y sumergirse en los entornos maravillosamente bien diseñados y meticulosamente elaborados de la película.

El director John Lasseter afirma: “Me encanta la tecnología 3D, puede que más que a ningún otro director. ¡Las fotos de mi boda son en 3D! Nuestro cortometraje ‘Knick Knack’ que hicimos en 1989 se realizó en 3D antes de que hubiera cines dotados de esta tecnología. Siempre he creído que nuestro género de la animación por ordenador se adapta perfectamente a este formato.

“‘Cars 2’ — con mentalidad 3D". Y Lasseter continúa diciendo: “Así que para Pixar, una película en 3D no es ninguna novedad. Nos sirve sobre todo para crear un mundo más creíble y envolvente, como una ventana a ese mundo. Y le sacamos el máximo provecho. Creo que cuando ves ‘Cars 2’ en 3D, se nota que le hemos dado muchas vueltas: las cosas son muy reflectantes para que tengan un aspecto deslumbrante, glamuroso, sexy y muy atractivo. Pero todo está muy pensado porque la iluminación tiene muchísima profundidad en 3D. Las calles mojadas, los coches brillantes, los edificios relucientes... ¡Es todo un espectáculo!”

Brad Lewis, codirector, añade: "La película aprovecha al máximo las ventajas del 3D. John está entusiasmado por la forma en el que el 3D puede realizar diferentes tipos de películas. En ‘Cars 2’, Bob Whitehill, nuestro supervisor estereoscópico de 3D ha trabajado de forma paralela a medida que la película iba tomando forma, y creo que al final todo el mundo pensaba en cómo quedaría en 3D. Antes, el 3D era algo en lo que se pensaba al final del proceso, pero ahora está integrado en él. Cuando vemos algo que creemos que quedaría fabuloso en 3D empezamos a explorar de mover la cámara para que sea aún mejor. Está claro que la tecnología 3D puede añadir profundidad y dimensión y aportar más dramatismo a la historia".

“Cars 2” también se exhibirá en IMAX® 3D en cines selectos, ofreciendo a los espectadores una experiencia única que va más allá de la realidad.


“ESTRELLAS DE LA MÚSICA DE ESTADOS UNIDOS, REINO UNIDO, FRANCIA Y JAPÓN SUBEN A BORDO DE "CARS 2"
Talentos de todo el mundo ayudan a crear una aventura aún más global

“Cars 2” está repleto de escenarios globales, carreras vertiginosas, espionaje internacional y de una emotiva fábula sobre la amistad. Además incorpora al compositor Michael Giacchino, ganador de los Oscar® y los Grammy®, y también a Weezer, la banda de rock alternativo ganador de los Premios Grammy®, al músico de country Brad Paisley, al cantante y compositor británico Robbie Williams, un verdadero supervenas, a la superestrella francesa Bénabar y a la potente banda japonesa de pop llamada Perfume. Este elenco internacional "tunea" maravillosamente bien el "tono" de los personajes de "Cars" cuando estos se lanzan a la carretera para realizar un maravilloso tour por todo el mundo en el que vivirán un montón de aventuras épicas.

“Cars 2” es la cuarta banda sonora que Giacchino compone para Pixar. Antes había compuesto la música de “The Incredibles” (Los Increíbles), “Ratatouille” y “Up”, así como media docena de cortometrajes del estudio. “Michael ha compuesto una banda sonora genial", dice el director John Lasseter. Y añade: “No queríamos hacer la típica banda sonora de película de espías. Queríamos que fuera algo muy diferente, un enfoque totalmente nuevo".

“John [Lasseter] conoce la historia", dice Giacchino. “Sabe lo que necesitan y lo que piden los personajes. Así que la música sirve para reflejar las emociones Si Mate se siente marginado, yo puedo traducir ese sentimiento en música. Me encanta trabajar con la gente de Pixar porque todos hablan refiriéndose a la historia, y así es como me gusta trabajar".

La escena de apertura, que se desarrolla en medio del Océano, presenta al superespía británico Finn McMissile. Y para ponerle música, Giacchino recurrió a una pasión de su infancia. El compositor afirma: "La película empieza en un barco y no sabes quién es nadie. ¿Dónde está Mate? ¿Dónde está Rayo?" Y añade: “Cuando vi la escena, me trasladó inmediatamente a cuando tenía 10 años e iba bici escuchando esa música rock sufera... con muchas guitarras. Le toqué a John algo que había escrito y le gustó muchísimo. Y se convirtió en la plantilla de la película".

Giacchino también compuso una canción francesa llamada “Mon coeur fait vroum” (“Mi corazón hace brrrum”). En la película, la canción está interpretada por el popular cantante y compositor francés Bénabar y es una presentación musical de París. La letra de la canción es de Giacchino y Scott Langteau y la adaptación francesa corre a cargo de Boualem Lamhene. El primer álbum de Bénabar con el título del artista, salió en 2001 e inauguró una exitosa carrera para el cantante. En 2006, su álbum “Reprise de Negociations” fue superventas en Europa y le valió varios prestigiosos premios de la industria.


Weezer, la banda americana de rock alternativo con varios discos platino, retoma de forma tremendamente original el éxito de 1984 “You Might Think” (escrita por Ric Ocasek e interpretada por primera vez por The Cars). Weezer apareció en la escena musical en 1992 y hasta la fecha ha sacado nueve álbumes. Brian Bell, de Weezer afirma: “La canción se interpreta en una escena en la que Rayo McQueen y Mate van a Japón. Para nosotros ha sido genial porque en cierto sentido refleja nuestras experiencias en Japón que supusieron un auténtico shock cultural.

Ric [Ocasek] produjo dos de nuestros álbumes y nosotros somos grandes fans de The Cars. Así que nos encantó hacer esta versión. Además supimos que John [Lasseter] es un fan de Weezer y quería que grabásemos la canción. Estaba en el estudio con nosotros y nos transmitió su increíble energía".

Brad Paisley, la superestrella de country ganador de múltiples Grammy y elegido Entertainer del Año por la Asociación de Música Country, contribuyó al éxito de la banda sonora del primer "Cars" con las canciones “Behind the Clouds” (escrita con Frank Rogers) y “Find Yourself”. Ahora regresa con dos nuevas canciones para “Cars 2”. Lasseter afirma: "Brad y yo nos hicimos muy amigos en ‘Cars’. En ‘Cars 2’, él y Robbie [Williams] habían unido sus talentos para hacer una maravillosa canción de rock ’n’ roll. No se parece nada a lo que suele hacer Brad, pero él y Robbie han compuesto una maravillosa canción que refleja la amistad entre McQueen y Mate en los créditos de fin". Paisley añade: "La canción es un prodigio vocal con uno de los artistas con más talento que jamás haya conocido. Me refiero a Robbie Williams. John tuvo la idea de reunir a estos dos mundos, combinando los enfoques británicos y norteamericanos. No es el estilo de ninguno de los dos, pero de eso trata ‘Cars 2’, de lo que ocurre cuando te ves obligado a ir a sitios nuevos. Así que nuestra experiencia corre paralela a la historia".

La canción titulada “Collision of Worlds” está escrita e interpretada como un dueto de Paisley y Williams, el famosísimo cantante y compositor con una fantástica carrera en solitario y también como miembro del grupo Take That. Robbie Williams ha vendido más de 57 millones de copias en todo el mundo y es uno de los artistas británicos con más éxitos de ventas de todos los tiempos. Williams afirma: “Es una canción muy internacional que está inspirada en la película. No existiría si no fuera por la historia. Brad se presentó con su guitarra y un conocimiento básico de cómo quería que sonase la canción. Me tocó algunos acordes y empezamos a darle forma a la canción. Está trufado de expresiones coloquiales de dos países que hablan el mismo idioma pero que no se entienden — hasta ahora”.

Paisley ha escrito e interpreta una segunda canción, titulada “Nobody’s Fool”. Paisley dice: “Está inspirada en la escena más conmovedora de la película, cuando Mate se da cuenta que todo el mundo cree que está haciendo el tonto. Es entonces cuando comprende que no está haciendo el tonto sino que es tonto. Pero Mate también averigua quién es en realidad y esa idea fue una magnífica fuente de inspiración para mí”.


"Polyrhytm", el éxito de Perfume, la banda japonesa de chicas, también se podrá escuchar en la película cuando Rayo y Mate asisten a la gala de inauguración del Gran Premio Mundial en Tokio.

“Cars 2” — la música y la película — llega a los cines de Estados Unidos el 24 de junio de 2011. La banda sonora de Walt Disney Records está disponible a partir del 14 de junio.


PIXAR CELEBRA UN MAGNO ACONTECIMIENTO
El estudio festeja su 25 aniversario

Con 12 increíbles películas y una amplia variedad de cortometrajes y anuncios innovadores e imaginativos a lo largo de 25 años, Pixar Animation Studios tiene un envidiable historial en la taquilla, y ha revolucionado la forma de hacer cine y entretener al público de todo el mundo.

Lasseter declara: “No me puedo creer que hayan pasado 25 años y que ya estemos en nuestra duodécima película. Es muy curioso que 'Cars' se estrenara en nuestro 20º aniversario y 'Cars 2' en el 25º. Pero estoy tremendamente orgulloso de Pixar, muy orgulloso de todas nuestras películas y de todos nuestros personajes. Lo que más me importa es la gente, todas esas familias, todos esos espectadores que disfrutan con nuestras películas. Es muy sencillo: es por eso que hacemos lo que hacemos. Se trata de hacer películas con la máxima calidad. No sólo películas animadas, sino cintas que entretienen de verdad a públicos de todas las edades, géneros y nacionalidades. Ese es nuestro objetivo. Sólo hacemos películas, el tipo de películas que nos gusta ver a nosotros".

Pixar ha recorrido un largo trecho desde su fundación en 1986 cuando Steve Jobs adquirió la división de gráficos por ordenador de Lucasfilm Ltd. por 10 millones de dólares. Entonces fue cuando el estudio fue bautizado con el nombre de “Pixar”. Bajo la batuta de Ed Catmull, John Lasseter y un grupo de narradores, animadores y genios de la tecnología de enorme talento, el estudio sigue subiendo del buen cine.

La historia de amor entre el público de todo el mundo y las películas de Pixar continúa, y “Cars 2” representa uno de los mayores logros de Pixar hasta la fecha.


LOS REALIZADORES

JOHN LASSETER (Director, Historia Original) ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa el aspecto creativo de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos relacionados de los estudios. Lasseter debutó como director en 1995 con “Toy Story” (Toy Story [Juguetes]), el primer largometraje de animación generado por ordenador, y desde entonces ha dirigido “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Cars”.

Entre sus créditos como productor ejecutivo se encuentran “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “The Incredibles” (Los Increíbles), “Ratatouille”, “WALL•E”, “Bolt”, y la película del año pasado aclamada por la crítica “Up” (Up, una aventura en altura), la primera película de animación que inaugura el Festival de Cine de Cannes en toda su historia, y galardonada con dos Premios de la Academia® a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Banda Sonora Original. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “The Princess and the Frog” (Tiana y el Sapo) y “Tangled” (Enredados), así como la película más reciente de Pixar, ganadora de un Premio de la Academia a la Mejor Película Animada y a la Mejor Banda Sonora Original, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Lasseter escribió, dirigió y animó los primeros cortometrajes de Pixar entre los que se encuentran “Luxo Jr.”, “Red’s Dream”, “Tin Toy” y “Knick Knack”. “Luxo Jr.” fue la primera película animada por ordenador en tres dimensiones que resultaba nominada a un Oscar de la Academia® al ser nominada Mejor Cortometraje Animado en 1986; "Tin Toy" fue la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® cuando fue elegida Mejor Cortometraje de Animación en 1988. Lasseter ha sido productor ejecutivo en posteriores cortometrajes del estudio como “Boundin’”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy”, “Day & Night”, y el ganador de un Premio de la Academia®- “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).

Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones por parte de la industria. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story (Juguetes)". Obtuvo también, junto al resto del equipo de guionistas de “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), una nominación a los Oscar® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que una película de animación era reconocida en esa categoría.

En 2009, Lasseter fue premiado en el edición número 66 del Festival de Venecia con el León de Oro a toda una carrera. Al año siguiente, recibió el David O. Selznick Achievement Award que concede la Asociación de Productores de América. Fue el primer productor de películas animadas que ha recibido este galardón. Entre otros galardones recibidos por Lasseter cabe destacar el premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que le concedió en 2004 la Asociación de Directores Artísticos y un título honorífico del American Film Institute. Además, en 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación.

Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó “The Adventures of Andre and Wally B” (Las aventuras de André y Wally B), la primera película de animación por ordenador en 3D basada en personajes, y creó por ordenador el personaje del Caballero de la Vidriera en la producción de Steven Spielberg de 1985 titulada Young Sherlock Holmes (El Joven Sherlock Holmes).

Lasseter formó parte de la primera promoción del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts donde se graduó en 1979. Lasseter es el único en haber ganado dos veces el Premio para Estudiantes de la Academia a la Animación por “Lady and the Lamp” (1979) y “Nitemare” (1980) que realizó cuando estudiaba en CalArts. Logró su primer premio con 5 años cuando ganó quince dólares en el Model Grocery Market de Whittier, California, por un dibujo a lápiz del Jinete sin Cabeza.


BRAD LEWIS (Co-Director, Historia Original) se incorporó a los Estudios de Animación de Pixar en noviembre de 2001, aportando un bagaje de 20 años de cine, teatro, televisión y conocimientos en producción publicitaria. Lewis fue el productor de la película ganadora de un Premio de la Academia® “Ratatouille”, que le valió el Premio al Productor del Año de Películas Animadas por la Asociación de Productores de América.

Antes de Pixar, Lewis pasó 13 años como productor, productor ejecutivo y vicepresidente ejecutivo de producción en Pacific Data Images, una filial de DreamWorks Animation SKG. Fue uno de productores de la película animada “ANTZ” (Hormigaz) y entre sus trabajos como productor figuran “Forces of Nature” (Las fuerzas de la naturaleza), “The Peacemaker” (El Pacificador) y “Broken Arrow" (Alarma nuclear).

Fue productor de especiales de televisión como “The Last Halloween” de Hanna-Barbera, por el cual recibió un Emmy®, y el primer episodio en 3D episode de “The Simpsons” (Los Simpsons). Recibió un segundo Emmy por el diseño gráfico utilizado en “Monday Night Football” de ABC. Además, el notable trabajo en producción de anuncios publicitarios le valió dos codiciados Premios Clio. La primera incursión de

Lewisen la industria del entretenimiento fue como ayudante personal de produción en “The Merv Griffin Show”, y también interpretó en el teatro el papel de un monstruo danzarín en la producción teatral norteamericana de “Sesame Street Live!”

Lewis se licenció en la Universidad Estatal de Fresno en artes escénicas, y vive en San Carlos, California, con su mujer, su hijo y su hija. Fue alcalde de esta ciudad en 2008.


DENISE REAM (Productora) se incorporó a Pixar Animation Studios en octubre de 2006 como productor asociado de "Up", la película premiada por la Academia®. Como productor asociado, trabajó en estrecha colaboración con el productor de la cinta, gestionando el planning, el presupuesto y el personal de la producción. Ream es productora de "Cars 2" de Disney•Pixar’s, cuyo estreno está programado para el 24 de junio de 2011.

Denise Ream se interesó por el área de producción al ver películas como “Apocalypse Now”, “Lawrence of Arabia” (Lawrence de Arabia), “Gone With the Wind” (Lo que el viento se llevó) y “The Wizard of Oz” (El mago de Oz). A Ream le fascinó la creación y la orquestación de la logística de producción de estas películas épicas e inició su carrera en Los Ángeles trabajando con ayudante de producción en películas de bajo presupuesto, anuncios publicitarios, vídeos musicales y películas industriales.

Accedió al mundo de la producción con un trabajo en Boss Film Studios, una compañía de efectos visuales que surgió tras la aparición de Industrial Light and Magic, y especializada en efectos de 65MM. Ream empezó en Boss como agente de compras y terminó como productora comercial. Y trabajando en Boss fue como se enamoró de la animación y los efectos.

Tras cinco años en Boss, Ream se trasladó a trabajar a Industrial Light and Magic donde pasó 13 años en el departamento de producción. Empezó como productora en la división comercial pero pronto abarcó los largometrajes. Durante su estancia en esa compañía, Ream trabajó como productora de efectos visuales y de animación en una serie de proyectos incluyendo “Daylight”, “Eraser”, “Deep Impact”, “Amistad”, “The Adventures of Rocky and Bullwinkle”, “Harry Potter and the Sorcerer’s Stone” (Harry Potter y la piedra filosofal), “Timeline” y “Tears of the Sun” (Lágrimas del sol). Ream también fue productora ejecutiva de animación en “Star Wars: Episode III—Revenge of the Sith” (La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith) y en su último año en ILM fue ejecutiva de producción de “Mission Impossible 3”, “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe. El Cofre del Hombre Muerto), “Lady in the Water” (La joven del agua) y “Transformers”.

Denise Raim nació y creció en Los Angeles, California y se graduó en Arte y Literatura inglesa en la Universidad de California, Berkeley. En la actualidad, Ream reside en Mill Valley, California.

BEN QUEEN (Guión Adaptado) empezó a trabajar en la gran pantalla en 2008 con “Cars 2”. Basado en una historia de John Lasseter, Brad Lewis y Dan Fogelman, “Cars 2” es el primer proyecto en el que trabajó Queen para Pixar Animation Studios.

Queen es el autor de “The Art of Cars 2” junto con Karen Paik, con un prólogo de John Lasseter, director de la película.

Queen creó y fue productor ejecutivo de la serie de televisión de Fox titulada “Drive”. Además fue asesor de producción del programa de televisión de CBS “Century City.” Ha desarrollado episodios pilotos para NBC, ABC y Fox, y ha escrito guiones para varios estudios entre los que cabe destacar Warner Bros., New Line, DreamWorks y Universal.

Queen se licenció por la USC School of Cinema-Television y actualmente vive en Los Ángeles con su familia.

MICHAEL GIACCHINO (Compositor) inició su carrera en el cine a los 10 años en el jardín de su casa y después estudió realización cinematográfica en la School of Visual Arts de Nueva York. Después de la universidad, logró un trabajo de marketing en Disney y empezó a estudiar composición musical primero el Juliard y después en la UCLA. Pasó del marketing a productor en Disney Interactive Division donde se contrató a él mismo para componer la música de sus juegos de vídeo. Su trabajo llamó la atención de Steven Spielberg que dijo de él: “Hice lo que hubiera hecho cualquier persona inteligente, le contraté para componer la banda sonora de la película “Medal of Honor” (Medalla de Honor) y así empezó la historia de Giacchino.
El trabajo de Michael en la orquestación de juegos de vídeo también interesó a JJ Abrams, que le contactó por email para componer la banda sonora de “Alias”.Se reunieron y Giacchino consiguió el trabajo. Nació una relación profesional que tuvo continuidad en la serie de enorme éxito “Lost” (Perdidos) que le valió un Emmy® a Giacchino.

Su siguiente banda sonora para el cine fue la de “The Incredibles” (Los Increíbles).  Después de eso, siguió componiendo músicas de bombazos de taquilla como “Sky High”, “The Family Stone” (Los Picapiedra), “Mission: Impossible III”, “Ratatouille” y “Star Trek”. El año pasado su banda sonora para el éxito de Disney•Pixar hit “Up” le valió un Oscar®, el punto álgido de una temporada en la que recibió todos los grandes premios por su trabajo en “Up”, incluyendo el Globo de Oro®, el BAFTA, el Broadcast Film Critics' Choice Award y dos Grammy®.  

Giacchino acaba de terminar su colaboración en “Super 8” de JJ Abrams, y entre sus próximos proyectos están “Mission Impossible: Ghost Protocol,” dirigida por Brad Bird y “John Carter”, dirigida por Andrew Stanton.

Forma parte del Consejo Asesor de Education Through Music Los Angeles. 


NATHAN STANTON (Supervisor de Historia) inició su carrera en Pixar Animation Studios en junio de 1996 como artista de historia de “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura) y desde entonces ha trabajado en muchos éxitos del estudio, Stanton aportó su talento en storyboarding a “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.,” (Monstruos, S.A.) y los largometrajes "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), "Ratatouille" y "WALL•E", galardonados con Premios de la Academia®.

Antes de empezar a trabajar en “Cars 2”, Stanton formó paret del equipo de historia de "Brave" de Pixar que se estrenará en el verano de 2012. Actualmente trabaja en un proyecto de cortometraje.

En el departamento de historia, Stanton y su equipo trabajan muy estrechamente con el director y el guionista de la película (que a menudo son la misma persona) para crear la historia. A través de los storyboards, el equipo visualiza la película en secuencias dibujadas y trabaja en la interpretación, escenificación, composición y edición para crear la película antes de que pase a la fase de animación. Después, otros equipos de Pixar visualizan el montaje de la historia que han creado, y revisa y pule la historia para que sea lo mejor posible.

Como cualquier niño, Stanton creció viendo dibujos animados, películas, films de televisión y leyendo muchísimos cómics. Empezó a dibujar de niño y cuando fue algo mayor comprendió que quería ganarse la vida dibujando. Stanton, al igual que muchos de sus colegas en Pixar, descubrió que podía hacer su sueño realidad en el California Institute of Arts.

Stanton se trasladó a San Francisco en 1992 y enseguida encontró un trabajo de ayudante de animador de 2D en “The Nightmare Before Christmas” (Pesadilla antes de Navidad) en Skellington Productions. Siguió trabajando en Colossal Pictures en una serie de proyectos, y también en animación 2D. Después, Stanton regresó a Skellington Productions para trabajar en “James and the Giant Peach” (James y el melocotón gigante). Después de una breve estancia en Wild Brain Studios, Stanton fue contratado por Pixar.

Stanton nació y creció en Rockport, Mass., y en 1992 se graduó en Bellas Artes en la sección de animación de personajes en el California Institute of Arts. Actualmente vive en Oakland, California con su mujer y sus dos hijos.


HARLEY JESSUP (Diseñador de Producción) se incorporó a Pixar Animation Studios en mayo de 1996 como diseñador de producción de “Monster’s Inc.” (Monstruos, S.A.), el largometraje de estudio de 2001. Jessup volvió a realizar el mismo trabajo en "Ratatouille", ganadora de los Premios de la Academia®. Como diseñador de producción, Jessup dirige un equipo de artistas que crean y diseñan los escenarios y los personajes de cada película.

Jessup empezó su carrera en la animación diseñando “The Adventures of Thelma Thumb” para “Sesame Street” (Barrio Sésamo). Esto le sirvió de plataforma para su trabano de diseñador de producción de “Twice Upon a Time”, una película animada hecha con recortes de papel. Después se incorporó a Lucasfilm como director artístico en varios proyectos de acción real antes de unirse a Industrial light and Magic (ILM) en 1986. Como director artístico de efectos visuales en ILM, Jessup recibió un Premio de la Academia® por su trabajo en “Innerspace” y una nominación a los Premios de la Academia® por “Hook”. Después de ser director creativo en el departamento artístico de ILM, Jessup trabajó como diseñador de producción en el largometraje animado de Disney “James and the Giant Peach” (James y el melocotón gigante), antes de entrar en Pixar.

Además de su trabajo como diseñador para el cine, Jessup ha escrito e ilustrando tres libros infantiles “What’s Alice Up To?” (1997) y “Grandma Summer” (2000), ambos publicados por Viking Children’s Books, y “Welcome to Monstropolis” (2001) basado en “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.) de Pixar.

Nacidoen Oregón, Jessup creció en el Valle de San Joaquín en California y en la zona de la Bahía. En 1976, se graduó en Diseño Gráfico en la Universidad Estatal de Oregón y en 1978 obtuvo un Master en Diseño por Stanford.

En la actualidad, Jessup vive en Marin County, California, con su mujer y sus tres hijos.


APURVA SHAH (Supervisor Técnico de Diseño) se incorporó a Pixar en octubre de 2001, aportando su extensa y valiosa experiencia en efectos visuales y animación. Llegó a Pixar para dirigir un equipo de animadores de efectos para crear una serie de secuencias de "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), ganadora de los Premios de la Academia®. Después, Shah se convirtió en supervisor de efectos en "Ratatouille" también premiada con otro Oscar®. Estuvo implicado en el primer desarrollo técnico de esta película. También aportó su talento a los cortometrajes de Pixar como director de supervisión técnica en “Your Friend the Rat” y “Tokyo Mater”.

Antes de Pixar, Shah ocupó una serie de puestos clave en la industria de los efectos especiales y la animación. En PDI/DreamWorks, fue supervisor de secuencias en “Shrek” y director de efectos en “Antz” (Hormigaz). Shah también creó efectos visuales para las películas de acción real “Batman Forever”, “The Arrival” (Han llegado) y “Broken Arrow.”

(Alarma nuclear). Además de crearlos, Shah también enseña efectos digitales y ha sido profesor en el Art Institute, la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, y en la Ringling School of Art and Design. En Ringling, dio clases de efectos visuales y de técnica de captura en movimiento.

Shah obtuvo un máster en informática en Texas A&M University y se diplomó en ingeniería eléctrica en la Universidad de Bombay. También asistió a clases de arte y cine en la Ringling School of Art and Design durante su estancia como profesor en esa facultad.


SHAWN KRAUSE (Supervisor de Animación) se incorporó a Pixar Animation Studios en octubre de 1994 como animador y artista de layout en "Toy Story", la primera película de Pixar. Después siguió trabajando como animador en una serie de largometrajes de Pixar como “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.) y “Cars”. Krause también fue animador en "Finding Nemo" (Buscando a Nemo) y en "The Incredibles" (Los Increíbles), películas galardonadas con Premios de la Academia®. Además de su trabajo en largometrajes, Krause aportó su talento en el campo de la animación al cortometraje “Jack-Jack Attack”, que se estrenó en el DVD de “The Incredibles” (Los Increíbles). Hizo un paréntesis en su trabajo en el cine para dirigir el equipo de animación de “The Seas with Nemo and Friends” una atracción del Epcot Theme Park de Walt Disney World en Florida. Krause fue director de animación en "Up", galardonada con los Oscar®.

Krause era muy aficionado a las películas animadas de Disney y a los cortometrajes de Warner Brothers y eso le motivó a convertirse en animador. También reconoce la influencia de “Mad Magazine”, y los cómics de Carlitos y Popeye. Cuando era pequeño, su padre le enseñó a dibujar a Popeye. Le gustaba muchísimo dibujar pero se enganchó a la animación después de crear 'flip books' animados (libros acordeón o libros fuelle) en todos los cuadernos que encontraba en casa.

Antes de entrar en Pixar, Krause hizo trabajos de freelance para restaurantes locales tras graduarse en la Universidad de Missouri, Columbia en Arte y también en Historia del Arte y Arqueología. Después estudió animación de personajes en el California Institute of the Arts (Cal Arts). Tras pasar un año allí, continuó su carrera en Pixar.

Actualmente, Krause reside en East Bay con su mujer y sus dos hijas.


DAVE MULLINS (Supervisor de Animación) se incorporó a Pixar Animation Studios en septiembre de 2000. Su primer proyecto fue trabajar como animador de preproducción en "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), galardonada con los Premios de la Academia® .Después trabajó de animador en una serie de películas de Pixar como “Monsters Inc.” (Monstruos, S.A.), “The Incredibles” (Los Increíbles) y “Ratatouille”. Mullins fue animador de "Cars", ganadora de un Globo de Oro® y del cortometraje “One Man Band”, y trabajó como director de animación en “Up”, galardonada con los Oscar®

Además de su trabajo en los largometrajes y cortometrajes de Pixar, Miller codirigió “Monsters, Inc" (Monstruos, S.A.), anuncios publicitarios para McDonalds, y dirigió anuncios de coches para General Motors.

Mullins era un gran aficionado al cine, a los dibujos animados y al dibujo y siempre quiso convertirse en artista. Mientras estudiaba pintura en una escuela de arte, se encontró un ordenador RISC 6000 en un almacén del laboratorio de informática y aprendió a usarlo él solo. Después de crear su primera animación de un perchero andante, se enganchó a esta disciplina artística. Se graduó en la Rhode Island School of Design en ilustración y logró su primer trabajo en el cine creando anuncios animados para puestos de comida en los cines.

Antes de incorporarse a Pixar, el currículum de Mullins incluye estancias en productoras como Pike Productions, The Post Group, Acclaim Entertainment, Disney Feature Animation, Dream Quest Images, Digital Domain y Sony Pictures Imageworks.

Actualmente, Mullins vive en Kensington, California, con su mujer y sus dos hijos.


SHARON CALAHAN (Directora de Fotografía—Iluminación) se incorporó a Pixar Animation Studios en 1994 como supervisora de iluminación en “Toy Story”, el primer largometraje del estudio. Después fue directora de fotografía en “A Bug's Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo).  Fue directora de fotografía en "Ratatouille", ganadora de los Oscar de la Academia®.

A los tres años, Calahan supo que quería trabajar en Disney. Después estudió diseño gráfico, ilustración y fotografía. Tras finalizar sus estudios, empezó su carrera como directora artística en producción de vídeo y televisión. Antes de incorporarse a Pixar, fue directora de iluminación en Pacific Data Images en anuncios publicitarios y trabajos gráficos para la televisión.

Calahan ha dado numerosas conferencias y clases en los campos de iluminación de personajes, iluminación de planos, y en general en pintura con luz y composición, tanto en Pixar como fuera del estudio.


JEREMY LASKY (Director de Fotografía—Cámara) empezó su carrera en Pixar Animation Studios en agosto de 1997 como artista de layout en “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura). Después, trabajó en el departamento de layout de “Toy Story 2” y “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.). Lasky fue director de fotografía en "Cars", galardonada con el Globo de Oro® y las oscarizadas “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “WALL•E” y “Toy Story 3”.

Lasky creció en St. Louis, Missouri y reconoce que le influenciaron películas de ciencia ficción y programas como “Battlestar Galactica” y “Star Wars” (La guerra de las galaxias). Descubrió su pasión por el cine y su interés por la cámara cuando estaba en la universidad.

Lasky se graduó en Bellas Artes en la Rhode Island School of Design, y ahora, como director de fotografía y cámara, crea planos y secuencias que sirven para contar la historia y que realzan los temas de una película.

Lasky y su familia residen en la Bahía de San Francisco.


JAY SHUSTER (Director Artístico de Personajes) se incorporó a Pixar Animation Studios en septiembre de 2002 como diseñador de concepto de "Cars", galardonada con los Globos de Oro®. Tradujo las ideas del director John Lasseter en personajes y entornos de la película. Shuster siguió trabajando como diseñador de personajes en la oscarizada “WALL•E".



Al ser hijo de un diseñador de coches, el dormitorio infantil de Shuster estaba repleto de planos, dibujos, posters, máquinas y maquetas de todo lo relacionado con el transporte mecanizado. Pero hasta que Shuster no vio la primera película de “Star Wars” (La guerra de las galaxias) no supo relacionar sus pasiones con un futuro en la industria del cine.

Antes de entrar en Pixar, Shuster inició su carrera en el cine en Lucasfilm, donde trabajó como artista de concepto. En este papel, diseñó una serie de vehículos y entornos para “Star Wars: Episode I – The Phantom Menace” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I. La amenaza fantasma) y “Star Wars: Episode II – Attack of the Clones” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I-El ataque de los clones).

Shuster nació y creció en Birmingham, Michigan y se graduó en 1993 en un programa de diseño industrial del College for Creative Studies en Detroit. Actualmente vive en El Cerrito, California, al otro lado de la Bahía de San Francisco.


JAY WARD (Guardián de la Franquicia “Cars”) se incorporó a Pixar Animation Studios en diciembre de 1998 para trabajar como ayudante en el departamento de producción de la película de 2011, “Monsters, Inc” (Monstruos, S.A.). Enseguida pasó a ocupar el puesto de coordinador, y en 2001 empezó a desarrollar “Cars”, la película de 2006. Durante la producción de "Cars", los conocimientos de Ward sobre el mundo del automóvil le ayudaron a desempeñar varios papeles en la película, incluyendo el de director del equipo de personajes y asesor del director y codirector de la película, John Lasseter y Joe Ranft. Ward sigue aprovechando su amor a los coches y sus pasiones artísticas a la creación de todo lo relacionado con la Franquicia “Cars”.

Antes de incorporarse a Pixar, Ward sirvió en la Reserva Naval de Estados Unidos y asistió al California College of the Arts donde se graduó en bellas artes e ilustración. Su variado bagaje profesional incluye poner y quitar mesas en el instituto, trabajar como guardavía en la Marina estadounidense, operario de abastecimiento de combustible, director del departamento de recambios en Harley Davidson, e ilustrador freelance. Estas experiencias laborales tan dispares le hanpermitido contribuir al enorme éxito de Pixar.

Actualmente reside en Oakland, California, con su mujer y sus dos hijos.


Fuente y fotos: Walt Disney Studios