AVISO

AVISO: Este blog trata sobre cómo se hacen las películas de Disney por lo que puede haber SPOILERS en los artículos cuando se habla con detalle sobre determinados personajes o escenas.

martes, 19 de noviembre de 2013

Frozen, El Reino del Hielo


Walt Disney Animation Studios (“Enredados”, “¡Rompe Ralph!”) presenta “Frozen. El Reino de Hielo”, una espectacular comedia de aventuras para la gran pantalla inspirada en "La Reina de las Nieves", el cuento de Hans Christian Andersen. 


La optimista y valiente Anna se une al rudo montañero Kristoff y a su leal reno Sven y juntos emprenden un viaje de proporciones épicas para encontrar a su hermana Elsa, cuyos poderes han congelado el reino de Arandelle sumiéndolo en un invierno eterno. Para salvar el reino, Anna y Kristoff lucharán contra los elementos enfrentándose a temperaturas extremas, trols místicos y a un desternillante muñeco de nieve llamado Olaf.

"Aunque 'Frozen. El Reino de Hielo' está inspirado en el cuento clásico de Andersen, 'La Reina de las nieves'", dice el director Chris Buck, "es una historia muy nuestra por su estilo y su espíritu fresco y moderno. Es emocionante y rebosa acción, aventura, magia, además de deleitarnos con unos personajes inolvidables".


"Nuestra historia empezó con una idea muy sencilla: el poder de la familia. Pero se ha convertido en algo que abarca mucho más", añade la directora Jennifer Lee, que escribió el guión adaptado. "Contrapone el amor al miedo a través de la aventura que vive una familia. Relata su lucha por superar el miedo y encontrar el verdadero significado del amor".

Producida por Peter Del Vecho (“Tiana y el Sapo”, “Winnie the Pooh”), John Lasseter es el productor ejecutivo de “Frozen. El Reino de Hielo”. “Siempre supimos que estábamos haciendo una película muy especial, casi mágica", dice el productor ejecutivo John Lasseter. "Estamos tremendamente orgullosos de esta cinta. 'Frozen. El Reino de Hielo' es un homenaje al legado de Walt Disney Animation Studios por su raíces clásicas pero sus magníficos personajes, su maravillosa historia y su fuerza visual están hechos para el público actual”.


Buck (un veterano de Disney Animation director de películas nominadas a los Oscar® como “Tarzán”, “Locos por el surf”) y Lee (guionista de la nominada a los Oscar “¡Rompe Ralph!” y la primera directora de la historia Disney Animation) se unió al equipo para dirigir la película. “Cuando Jennifer se unió al equipo como guionista, quedó claro que las sensibilidades individuales que aportaban Chris y Jennifer eran casi mágicos", dice Del Vecho. "Estaban tan sincronizados con lo que necesitaba la historia que se convirtieron en un equipo de dirección tremendamente dinámico”.

“Jennifer Lee y Chris Buck se complementan a la perfección", añade Kristen Bell, la voz de Anna. “Chris lleva mucho tiempo en Disney. Ha pilotado muchas naves y aporta toda esa experiencia. Jennifer por su parte aporta ideas nuevas y maravillosamente revolucionarias. Me gusta cómo bailan juntos, cómo se lanzan ideas el uno al otro cuyo resultado son todas estas maravillosas escenas. Para un actor, es muy fácil trabajar con gente así”.


Además de Bell (“Paso de ti”, “Hit & Run”, "Hose of Lies" de Showtime, “The Crucible” en Broadway), “Frozen. El Reino de Hielo” presenta las voces de Idina Menzel (“Wicked” en Broadway y “Rent”, “Encantada. La historia de Giselle”) como Elsa, Jonathan Groff (“C.O.G” del Festival de Cine de Sundance 2013,  “Destino: Woodstock”, “Glee” de Fox, “Spring Awakening” en Broadway) como el montañero Kristoff, y Josh Gad (“Los becarios”, “Amor y otras drogas”, “The Book of Mormon” en Broadway) como el adorable muñeco de nieve Olaf. El reparto de voces también incluye a Santino Fontana (“Cinderella” en Broadway, “Brighton Beach Memoirs”, “Billy Elliot”) como Hans, un atractivo miembro de la realeza al que Anna echa el ojo, Alan Tudyk (Rey Candy en “¡Rompe Ralph!”, “42”) como el Duque de Weselton, Chris Williams (“Bolt”, “Prep & Landing”-productor ejecutivo/guión) como Oaken, y Ciarán Hinds (“Juegos de Tronos”) como Pabbie. 


“Frozen. El Reino de Hielo” presenta ocho canciones originales de  Kristen Anderson-Lopez (“In Transit”, “Winnie the Pooh”) y de Robert Lopez ganador de los Premios Tony® (“The Book of Mormon”, “Avenue Q”), incluyendo la pegadiza “Let It Go”, el himno que define la filosofía de Elsa. “‘Let It Go’ describe a la perfección el recorrido emocional del personaje, dice Anderson-Lopez. “Nos preguntamos cómo encaja Elsa el hecho de dejar atrás el pasado para ser ella misma y asumir su poder”. 

Demi Lovato, la cantante con varios discos de platino en su haber (“DEMI”) grabó una versión de la canción para los créditos finales. Está disponible en iTunes (http://smarturl.it/dls5). Al referirse a la canción, Lovato afirma: "Es tan fácil identificarse con ella. Elsa está buscando su identidad. Se está convirtiendo en quien realmente es y acaba aceptado su fuerza y sus poderes mágicos. En lugar de esconderlos, como lleva haciendo toda la vida, los está asumiendo”. 


“Frozen. El Reino de Hielo” también cuenta con una banda sonora original de Christophe Beck (películas de “Resacón en Las Vegas”, "Paperman", el cortometraje premiado con un Oscar®). Según Del Vecho, la música original añade emoción y humor a una comedia de aventuras y mucha acción. “Jennifer, Chris y el equipo han creado una película con una trama apasionante repleta de personajes maravillosos", dice. “La música eleva y refuerza la narración. Christophe Beck hizo un magnífico trabajo introduciendo la cultura noruega en la banda sonora, y los compositores  -Kristen y Bobby- participaron en la creación de la historia. Nos reuníamos con ellos dos horas al día por vídeo conferencia mientras escribíamos el argumento. No sólo hablábamos de las canciones sino también de los personajes: quiénes eran, cómo pensaban, qué querían. Cada una de las canciones embellece y desarrolla la historia de tal forma que el público se sumerge totalmente en ese mundo". 


Ambientado en el reino ficticio de Arendelle, "Frozen. El Reino de Hielo" cuenta con un impresionante telón de fondo que se inspiró en los espectaculares paisajes de Noruega, desde sus montañas cubiertas de nieve a sus apacibles fiordos. "El entorno juega un papel fundamental en nuestra historia", dice Lee. "Elsa tiene un poder mágico que le permite crear nieve y hielo pero no puede controlarlo y accidentalmente desencadena una gigantesca tormenta que amenaza a su país". 

"Nuestro equipo superó todas las expectativas en lo que se refiere a la nieve y el hielo", añade Buck. "No es fácil hacer que el hielo resulte creíble en animación. Investigaron mucho y crearon una innovadora tecnología para lograr el aspecto que debía tener ese mundo. Lograron armar una película maravillosa que no se parece a ninguna otra".


Con una impresionante paleta de colores, "Frozen. El Reino de Hielo" se inspira en la singularidad de la arquitectura, la cultura y las tradiciones de Noruega y sumerge al público en un mundo asombroso y fascinante. Del Vecho afirma: "Esta historia tiene una dimensión épica con una extraña capacidad para atraparte, crees que ese lugar existe y sientes su magia. Te olvidas de que estás viendo una película.

“Es lo quiere lograr todo realizador, artista y animador de Disney", continúa diciendo Del Vecho. "En Walt Disney Animation Studios, películas como 'Enredados' y '¡Rompe Ralph!" nos han permitido alcanzar un nuevo nivel de perfección con 'Frozen. El Reino de Hielo', creando una historia de gran calado y con un tipo de personajes que son tan diferentes, tan novedosos, que consiguen llegar al público de manera extraordinaria".


EL NACIMIENTO DE UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO
Los realizadores crean una historia apasionante y actual inspirada en el famoso cuento

“Frozen. EL Reino de Hielo” abarca elementos clave de "La Reina de las Nieves" de Hans Christian Andersen, un cuento que se publicó por primera vez en 1845, y que ya había interesado al mismísimo Walt Disney. Por supuesto, la idea era capturar la esencia de la historia original, pero dotándolo del espíritu moderno de los clásicos de Disney como "La Sirenita", otro cuento de Andersen, que se adaptó para la gran pantalla en 1989. El director Chris Buck decidió asumir el reto hace unos años. 

"La Reina de las Nieves" es la historia de la lucha entre el bien y el mal contada a través de un espejo que se rompe en mil pedazos y que provoca que Kai, un joven muchacho, vea todo lo malo que hay en el mundo. El director Chris Buck decidió retomar la historia hace unos años: Esa lucha nos inspiró y también el mensaje general que transmite", dice Buck. "También nos fijamos en Gerda, la chica del cuento que quiere salvar a Kai. Sus principales rasgos -optimismo, amor, fuerza y determinación- comenzaron a moldear el personaje que acabaría siendo Anna".


Pero el equipo de la historia se sentía intrigado por la Reina de las Nieves. Según Jennifer Lee, que se incorporó al equipo primero como guionista y después como codirectora con Buck, la versión de Andersen del personaje principal era bastante misteriosa. "Ella tiene un cariz más simbólico en la historia original", dice Lee. "Sabíamos que necesitaría tener su propia voz en 'Frozen. El Reino de Hielo' para que el público actual se identificase con ella. "

 Queríamos que la película fuera actual e intemporal al mismo tiempo", continúa Lee. "Queríamos algo contemporáneo que entendiera todo el mundo y nos dimos cuenta de que muy a menudo, el miedo es lo que nos da una perspectiva negativa, lo que amenaza nuestras relaciones. Cada una de las escenas, a su manera, avala nuestros temas de la familia y el amor, y del amor verdadero en contraposición al miedo. Y es el miedo lo que impulsa a Elsa".


La incapacidad de Elsa para controlar su poder de crear nieve y hielo conduce a un trágico suceso cuando ella y Anna están jugando cuando son pequeñas. La magia de Elsa hace las delicias de la joven Anna. Hace un muñeco de nieve y las niñas juegan entre empinadas laderas de nieve dentro de su casa. Pero Elsa pierde el control de su magia y hiere a Anna. A partir de ese momento, Elsa vive temerosa de volver a hacer daño a Anna y decide apartarse de la persona a la que más ama en el mundo.  "Anna, que no recuerda nada de lo que pasó, crece intentando llegar a Elsa", dice Buck. 

A Kristen Anderson-Lopez y su marido y socio guionista Robert Lopez, que trabajaron mano a mano con los directores y el equipo de guionistas, les entusiasmó la imagen de Anna rechazada por su hermana. “Es imposible no sentir simpatía por una chica a la que han dejado de lado durante toda su niñez”, dice Anderson-Lopez. 


“Necesitábamos saber qué sentía Anna", continúa diciendo Anderson-Lopez. “Necesitábamos comprenderla y mostrar lo que faltaba en el mundo de esta joven tan divertida y optimista. Ese momento de la película en el que vemos a las dos hermanas a ambos lados de una puerta cerrada es uno de los más reveladores de la película".

Los realizadores se dieron cuenta que la mañana de la coronación de Elsa representaba un nuevo comienzo para Anna. El equipo de guionistas quería introducir a Anna, que ahora es una jovencita, con una canción. Pero no fue nada fácil. “Esta canción en particular planteó muchos problemas porque tenía que servir para muchas cosas”, dice Anderson-Lopez. “Tenía que presentar a Anna como una persona optimista, activa, pero también con alguien que necesita llenar un vacío a lo largo de la película”. 


La solución -y el título de la canción, “For the First Time in Forever”- surgió en conversación en la sala de guionistas cuando alguien dijo: 'por primera vez en toda mi vida" para describir un momento de la historia. Y la frase la oyó Chris Montan, presidente de Walt Disney Music. "Dije: '¡Eso es! ¡Esa es la canción de Anna!'", afirma Montan. "Fue uno de esos momentos mágicos. 'Por primera vez en toda mi vida, voy a ser libre. Conoceré a alguien. Viviré mi propia vida.' Era increíble".  

En última instancia, la canción ilustra el deseo de Anna de sentirse querida, y al mismo tiempo muestra lo alejada que está de su hermana mayor Elsa. La historia de los lazos familiares rotos da un giro cuando Anna, sin buscarlo, libera las emociones reprimidas de su hermana y provoca un estallido glacial que revela al mundo el secreto que Elsa esconde hace mucho tiempo Elsa huye de Arendelle, dejando en su estela un reino frío y gélido, y para encontrar la libertad que tanto ansía. 


De hecho, esa libertad se convirtió en el momento que define la música de la película", dice el compositor Robert Lopez. Al equipo de realizadores le gustó “Let It Go” desde el primer momento. "Ese fue nuestro eje central", dice Lopez. "Queríamos algo grande que correspondiese a una diva porque sabíamos que teníamos a Idina Menzel -que la clava- y sabíamos que Elsa, su personaje, estaba viviendo algo épico en su vida".

De hecho, la canción impactó tanto a los realizadores que cambiaron algunas escenas previas a ese momento. “Todos supimos que ‘Let It Go’ encajaba perfectamente con la película y nos ayudó a dar forma al personaje de Elsa", dice Lee. "Transmite un mensaje muy conmovedor y poderoso sobre cómo se siente que tuvimos que retroceder y partir de esta canción".


Cuando Elsa revela el secreto que lleva tanto tiempo guardado, obliga a Anna a tomar medidas drásticas para arreglar las cosas. Su viaje para encontrar a Anna la lleva a pedir ayuda a Kristoff, un rudo montañero que no está muy dispuesto a unirse a la aventura. Kristoff y Anna se enfrentan a un clima extremo, a lobos, y a un muñeco de nieve extrañamente familiar llamado Olaf, que les desconcierta tanto a ellos como al público. "Cuando Elsa huye de Arendelle", dice Lee, "comienza a jugar con la misma magia que ha escondido durante tanto tiempo. El muñeco de nieve que crea proviene de los recuerdos de momentos felices que compartió con Anna cuando eran pequeñas. Olaf representa la inocencia más pura, la alegría de la infancia. Y cuando logramos infundirle esas cualidades, se convirtió en un personaje por sí mismo. Es divertido como sólo pueden serlo los niños. No lo afecta nada de lo que pasa en el mundo. Es el único personaje que no libra una batalla entre el miedo y el amor. Porque él es amor".
Según Del Vecho, Olaf representa la auténtica belleza de “Frozen. El Reino de Hielo”. “Está repleto de sorpresas. Tiene todo lo que el público espera de una película de Disney, diversión y emoción, pero también se adentra en caminos inesperados. Eso es lo que me gusta de esta película”.


QUIÉN ES QUIEN EN "FROZEN. EL REINO DE HIELO”
Un refrescante reparto de personajes que cobran vida para llegar al corazón del público

El reparto de personajes de "Frozen. El Reino de Hielo" y sus diferentes personalidades fueron surgiendo con el tiempo, dice el director Chris Buck. “Esta película tiene comedia, acción, aventuras y emoción, así que nuestros personajes debían tener una gran profundidad", añade. “Queríamos que parecieran reales -a pesar de que están en un mundo mágico- de forma que conectaran personalmente con el público”

. Un grupo de artistas expertos y creativos se encargó de la apariencia y de las interpretaciones para que fueran memorables a la vez que emotivas. Lino DiSalvo, director de animación de la película, trajo a profesores de interpretación para mejorar las interpretaciones creadas por su equipo compuesto por más de 60 animadores que lo hicieron todo salvo la voz de los personajes. “En esta película, nuestro objetivo era subir el listón", dice DiSalvo. “Queremos que las interpretaciones sean sinceras y creíbles. Queremos que el público vea el alma de los personajes que hemos creado”.


Con la ayuda de los profesores de interpretación, DiSalvo y su equipo estudiaron cada personaje en profundidad. “Nos preguntamos: '¿Cómo era ella antes de que empezara la película? ¿Cómo va cambiando a lo largo de la película? ¿Qué les depara el destino? Teníamos que conocer perfectamente a cada personaje", dice DiSalvo. 

Las avanzadas técnicas faciales permitieron a los artistas desarrollar interpretaciones realmente sutiles. Los artistas pudieron dar forma a y esculpir las expresiones faciales de sus personajes de forma totalmente nueva, y en muchos casos el más mínimo cambio en la expresión decía muchísimo. "Frozen. El Reino de Hielo" ofreció a los animadores más controles, que permitieron micro-expresiones que podían revelar lo que pensaban los personajes a través de los ojos.


Los animadores también participaron en sesiones especiales con los miembros del elenco de voces, que compartió con ellos elementos críticos de la interpretación. Como por ejemplo, cuándo y cómo respira un cantante durante una canción, lo que ayudó a los animadores a dar vida a los personajes como no lo habían hecho nunca. 


El Reparto


ANNA es más atrevida que elegante, y a veces, actúa antes de pensar. Pero también es la persona más optimista y cariñosa del mundo. Está deseando volver a llevarse bien con su hermana porque estuvieron muy unidas en la niñez. Cuando Elsa libera accidentalmente un secreto mágico que encierra el reino de Arendelle en un invierno eterno, Anna se embarca en una peligrosa aventura para arreglar las cosas. Lo único que tiene es su coraje, una actitud que le impide rendirse y su fe en los demás, pero Anna está decidida a salvar su reino y su familia.

"Representa a muchas de las chicas con las que crecí", dice Lee al referirse a Anna. "Podemos identificarnos con ella ya que representa una verdadera heroína de nuestro tiempo. Es fuerte y valiente -a su manera- pero también tiene debilidades. No es perfecta y eso me gusta de ella. Ha recorrido un largo camino hasta convertirse en lo que estaba destinada a ser: segura de sí misma, pero también graciosa con un sentido del humor muy suyo". Según Lee, Kristen Bell es la que le ha dado al personaje ese cariz desprovisto de artificio. "Kristen desprende una gran calidez y mucho humor. Es muy auténtica, muy Anna".

"Anna es bastante rara", dice Bell. "Es muy torpe y se deja llevar con facilidad. Suele hablar sin pensar en lo que va a decir. En mi opinión, es más humana de lo que cabe esperar de una heroína como ella".


Becky Bresee, la supervisora de animación que dirigió la animación de Anna, se sirvió de una herramienta que suele utilizar para lograr interpretaciones muy humanas: ella misma. "En vez de hacer miniaturas, hago vídeos de mí misma interpretando una escena. Suelo filmarme a mí misma decenas de veces para asegurarme que consigo la interpretación exacta que quiero, aunque casi siempre termino volviendo a mi primera toma, porque es la más sincera". 

El productor Peter Del Vecho se quita el sombrero ante la avanzada técnica que permitió a los animadores conseguir una interpretación tan auténtica. “Hay una escena en la que Anna conoce a Hans”, dice Del Vecho. “Al final de la secuencia, Anna se vuelve para mirar a Hans y, casi sin ningún movimiento, comprendemos que se ha enamorado de él. Suspira y todo el mundo se echa a reír porque saben exactamente en lo que está pensando. Ese es el tipo de animación sutil que va mejorando en cada película”.


Desde fuera, ELSA parece serena, regia y reservada, pero en realidad, vive aterrorizada ya que lucha contra un gran secreto: nació con el poder crear hielo y nieve. Es un don maravilloso a la vez que extremadamente peligroso. Anna vive atormentada porque su magia estuvo a punto de matar a Anna, su hermana pequeña. Eso la obligó a aislarse y todos los minutos de su vida los dedica a reprimir sus poderes. Pero pierde el control de sus emociones y su magia se dispara creando un invierno eterno que no puede parar. Cree que se ha convertido en un monstruo y que nadie, ni siquiera su hermana, puede ayudarla.

Idina Menzel aportó calidez a lo que hubiera podido ser un personaje frío, nunca mejor dicho. "Idina tiene una voz que transmite vulnerabilidad", Dice Buck. "Interpreta un personaje muy fuerte, pero que vive sumido en el miedo. Así que necesitábamos a alguien que pudiese interpretar ambas facetas del personaje, e Idina lo hizo fabulosamente bien". 

A Menzel, su personaje le parece alucinante. “Elsa es la Reina de las Nieves; sería fácil convertirla en 'la mala de la película' cuando en realidad no lo es. Es un personaje muy complicado e incomprendido. De hecho, abandona su hogar para no hacerle daño a los demás y, a cambio, se encuentra a sí misma". 


Ese descubrimiento está en la canción "Let It Go". El personaje sufre una profunda transformación tanto interior como exterior. “Antes de ´Let it Go', dice el supervisor de diseño de personajes Bill Schwab, “Elsa es muy estirada, lleva el pelo muy estirado, todo en ella es perfecto. Durante la canción, se deja llevar para ser quién es en realidad y todo cambia. Lleva el pelo suelto y su vestido es mágico. Se siente al fin libre, a pesar de estar completamente sola”.

Según Paul Briggs, director de la historia, la libertad que acaba de descubrir Elsa y que obliga a Anna a emprender su viaje, representa uno de los temas clave de la película: la familia. “La persona que más necesita Elsa cuando sale a la luz su secreto es su hermana”, dice Briggs. “La fuerza del vínculo familiar es lo que hace que esta historia sea tan buena, porque su hermana quiere protegerla de sus propios poderes y sacrificarse por ella si es necesario. Pero tiene que encontrar la forma de hacerlo."


KRISTOFF es un auténtico amante de la naturaleza. Vive en lo alto de las montañas donde recoge hielo y lo vende al reino de Arendelle. Kristoff es un tipo rudo y fuerte que se rige por sus propias reglas. Puede parecer un solitario, pero siempre tiene a su lado a su mejor amigo, un reno leal y sarnoso llamado Sven. 

Es posible que Kristoff (con la voz de Jonathan Groff en la versión en inglés) desconcierte al público, pero en el buen sentido. “Kristoff es un tipo interesante porque no tiene muchas habilidades sociales y no sabe desenvolverse bien con la gente", dice Groff. “Pero eso no le impide ser encantador. Y lo gracioso es que él no lo sabe porque está casi siempre solo". 

"Nos gustó la idea de un héroe atípico de Disney", dice Buck. "Es un tipo normal. Es desordenado, sucio e imprevisible. Vive en las montañas a las afueras de Arendelle y su mejor amigo es un reno llamado Sven". 


“Kristoff es muy importante para la historia, porque no le importa poner en cuestión el punto de vista de Anna", dice Lee. "Sabíamos que íbamos a necesitar a alguien como Jonathan, alguien que gusta a la gente incluso cuando no está de acuerdo con ella. Y Jonathan era esa voz”.

“Todo el mundo cae rendido a sus pies", añade Buck. "Aporta un encanto irresistible al personaje. Es un chico normal, un hombre que no se complica la vida".

Según cuenta Schwab, el aspecto de Kristoff -como la ambientación de la película- está inspirado en Noruega. “Sabíamos que era un hombre de las montañas, alguien que vive aislado del mundo", dice Schwab. “Así que estudiamos la cultura sami de Noruega a la hora de buscar su vestuario.

“Queríamos que pareciera un tipo rudo, poco pulido", continúa diciendo Schwab. “Pero es un tipo muy fuerte con el que todo el mundo querría estar en un viaje épico". 


 SVEN es un reno con el corazón de un perro labrador. Es el amigo leal de Kristoff, el que tira del trineo y también su conciencia. Se asegura de su compañero de montaña sea el tío cabal que Sven conoce y quiere, y cumple con su cometido sin pronunciar una sola palabra. Por regla general, le bastan unos bufidos para dar su opinión. La vida sería perfecta si Kristoff dejara de hablar con esa ridícula voz de reno que utiliza al dirigirse a Sven (como si los renos hablaran de esa manera).

“Sven es una versión adorable de un Labrador de 270 kilos”, dice DiSalvo. “Trajimos un reno de verdad al Estudio, pero la verdad es que un reno no hace gran cosa. Así que decidimos divertirnos con Sven. Cada vez que Kristoff hace la voz de Sven las expresiones de Sven reproducen lo que está diciendo Kristoff".


DiSalvo dice que los artistas pudieron estudiar la cara y la gestualidad del reno de verdad para después caricaturizarlo y convertirlo en Sven. El reno utilizó una técnica inesperada para rascarse la oreja: usó sus patas traseras, como hacen los perros. Así que Sven también adoptó esta técnica, además de la costumbre de jadear, algo que los realizadores observaron al ver material de renos de Alaska. 

Por supuesto, Sven sirvió de inspiración para la cancioncilla de cuna "Reindeer(s) Are Better Than People”, que Kristoff le canta justo después de conocer a Anna. 


HANS es un atractivo miembro de la realeza de un reino vecino que viene a Arendelle para asistir a la coronación de Elsa. Hans tiene 12 hermanos mayores así que creció sintiéndose prácticamente invisible por lo que Anna se identifica con él. Hans es inteligente, atento y caballeroso. A diferencia de Elsa, Hans promete a Anna que nunca la menospreciará. Puede que sea la persona que Anna lleva esperando todos estos años.

Santino Fontana es la voz en inglés del pretendiente de Anna. Fontana afirma: "Hans tiene mucho sentido del humor. Es un poco raro, pero no es malo. Es un buen partido para Anna. Se encuentra en el momento perfecto porque ambos necesitan que alguien les diga: 'Eres genial'".

Anderson-Lopez y Lopez escribieron “Love Is an Open Door” para describir el flechazo entre Hans y Anna. “La canción explica por qué Anna no dudaría en casarse con alguien que ha conocido hace un día", dice Anderson-Lopez. “Lleva toda la vida sin encontrar una salida y esa noche se abre una puerta así que está dispuesta a atravesarla lo más rápido que puede porque lleva tanto tiempo buscando amor”. 

Lopez añade: “No sólo tenemos que comprender por qué toma una decisión tan precipitada, sino que tenemos que estar de acuerdo con ella. Queremos que el público diga: 'Sí, Hans es genial y debería casarse con él'. Por eso es una canción tan alegre y radiante”.


Él es OLAF y le gusta que le abracen. Ha surgido de los poderes mágicos de Elsa y es, con mucha diferencia, el muñeco de nieve más simpático de las montañas que dominan Arandelle. Su inocencia, su personalidad extrovertida y su extraordinaria capacidad de desmontarse a sí mismo en los buenos y en los malos tiempos, dan lugar a momentos muy extraños pero también muy divertidos. Puede que tenga el sueño más imposible del mundo, pero lo que no sabe no le derretirá, ¿o sí?

Josh Gad presta su voz a este cariñoso muñeco de nieve. “Aunque técnicamente no lo tiene, Olaf posee el corazón más grande del mundo", dice Gad. “Vive para amar. Y se encariña de verdad con sus nuevos amigos: Anna, Kristoff y Sven. El público se sentirá muy identificado con la felicidad que siente al sentirse parte de una familia por primera vez en su vida”.


“Olaf atravesó muchas transformaciones durante su creación", dice Lee. "Tenía mucho potencial. Dimos con él en cuanto nos preguntamos: '¿Cómo piensa un muñeco de nieve? Empecé a escribir el personaje de Olaf como el de un pre-adolescente, de unos 12 años, que es bromista, directo, más sofisticado que un niño pequeño, pero sigue siendo muy inocente. Después, llegó Josh Gad y decidimos jugar con el personaje en la escena en la que Anna y Kristoff se encuentran por primera vez. Nos lo pasamos genial improvisando y descubriendo quién es Olaf en realidad. Fue perfecto. No volvimos a repetir esa escena. "Hay algo muy conmovedor y emocional en Olaf que lo hace divertido de forma natural, sin esfuerzo", continúa diciendo Lee. "No creo que nadie hubiera podido hacer eso aparte de Josh".


“Queremos que los personajes y las situaciones sean el vehículo de la comedia y el drama”, añade el productor Peter Del Vecho. “Olaf es uno de los personajes más divertidos de la película, pero además tiene una visión del mundo muy inocente que le permite decir cosas que te llegan inmediatamente al corazón”.
Los realizadores esperaban sacar el máximo provecho de lo que Olaf ofrecía por su estructura de nieve, por lo que encargó al equipo de tecnología crear un software llamado Spaces que permitía a los artistas deconstruir el personaje -y reconstruirlo- como parte del proceso de animación. "Para el equipo de animación, Olaf era como una enorme caja de juguetes", añade Buck. "Está compuesto por tres bolas de nieve que pueden separarse y que se unen de diferentes maneras. Sus ojos se mueven, la nariz puede deslizarse hacia dentro y hacia fuera. Sus brazos de palo eran de quita y pon. Así que los animadores podían hacer de todo con él."

Otro avance tecnológico que sirvió para el aspecto de Olaf fue un software patentado llamado Flourish. El programa permite a los artistas añadir más fácilmente ese plus de movimiento, como el vaivén de las ramas encima de la cabeza de Olaf. 


Lo que el DUQUE DE WESELTON no tiene en estatura, lo compensa con arrogancia  y fanfarronería. Está decidido a ser amigo de la nueva reina, pero sólo hasta que el secreto mágico de Elsa sale a la luz. Desde ese momento, es el primero en tacharla de monstruo e intentar que su propio reino se vuelva contra ella. Está dispuesto a todo para lograr explotar las riquezas de Arendelle. 

"El Duque se cree muy guapo", dice Alan Tudyk, que presta su voz al personaje. "Aparece para la coronación de Elsa con el resto de los dignatarios de la zona, y cuando se encuentra atrapado después de que ella congele el fiordo, pulsa el botón de pánico en todo el reino."

“Es ese tipo de persona a la que te encanta ve porque es muy divertido estar contra él", dice DiSalvo. “Por fuera parece inofensivo, pero es realmente malvado. Tiene dos caras, lo que lo hace más peligroso que el malo de siempre.

DiSalvo y su equipo se basaron en ellos mismos para la escena de baile del Duque. “Intenta sacarle información a Anna mientras ejecuta unos movimientos de baile absolutamente ridículos", dice DiSalvo. “Tenemos animadores que son excelentes en comedia física; para esa escena, se filmaron a ellos mismos bailando. Ver ese vídeo al mismo tiempo que la escena animada es realmente divertido. El equipo tiene muchísimo talento, aunque parece que el baile no es su punto fuerte". 


PABBIE nació de una roca volcánica cuando la Tierra se estaba formando. Así que lo ha visto todo y se podría decir que lo sabe todo. Es especialmente astuto en lo que tiene que ver con la magia. Si tienes un problema de magia, Pabbie es tu troll. Es un sanador, un profeta y un artista. Su mayor obra puede verse en los cielos del norte casi todas las noches, a saber, la Aurora Boreal.

Según Lee, Pabbie y el resto de los trols surgieron del cuento original de Hans Christian Andersen. “Nuestros trols son más benevolentes que los de 'La Reina de las Nieves", afirma. “Pero para nosotros no sólo era importante introducir esos personajes místicos, también queríamos rendir homenaje al folklore noruego. Acudimos a expertos para que nos ayudaran a comprender la cultura escandinava y el papel que desempeñan los trols en sus historias”.

Ciarán Hinds puso la voz de Pabbie en la versión en inglés. Es el patriarca de los trols, criaturas antiguas que se encuentran en el Valle de la Roca Viviente, pero sólo si quieren que los encuentren. Los trolls son los amos de los minerales y los creadores del cielo nocturno. También son dominantes, fuertes, entrometidos, inoportunos y pesados, muy pesados. Pero no tienen mala intención.


MERENGUE es un enorme muñeco de nieve helada fruto de los poderes de Elsa. Trabaja como guardaespaldas y se encarga de impedir el paso de los intrusos al palacio de hielo de Elsa. Esta amenazante bestia blanca no habla mucho, pero tiene un gancho devastador.

Según Schwab, el aspecto de Merengue supuso un gran reto: "Empezamos con un simple muñeco de nieve, es decir tres bolas de nieve", dice Schwab. "Intentamos hacer algo que diera miedo, pero el diseño original no estaba a la altura de su ferocidad. En algún momento fue una criatura de nieve que cambiaba de forma surgiendo de la tierra. Jugamos con una armadura de hielo; durante un tiempo viajó por debajo de la tierra. En última instancia, surgió la idea de que fuera un monstruo de hielo con mucha nieve acumulada sobre él. Es un gran esqueleto de hielo cubierto de nieve porque así es como da más miedo".  


OAKEN (voz de Chris Williams, codirector de “Bolt”), dirige el Puesto Comercial de Oaken el Trotamundos y Sauna. Pero cuando se desencadena la enorme tormenta invernal de Elsa a mediados de julio, se encuentra con un excedente de suministros de verano. Aviso a los buscadores de gangas: Oaken es bondadoso y servicial, pero si le haces rabiar, es muy capaz de echarte de su humilde establecimiento. 

“Oaken es un cielo", dice Schwab. "Mide 2,13 m y unos 160 kilos, aunque no lo notes cuando está detrás del mostrador. Queríamos que fuera un tipo divertido, bueno y con grandes ojos azules y con un suéter navideño muy gracioso inspirado en uno que vi en el centro comercial, así que Oaken va a la última". 


LOS REALIZADORES DISEÑAN UN ESCENARIO PARA UNA AVENTURA DE PROPORCIONES ÉPICAS
El aspecto de "Frozen. El Reino de Hielo": una combinación perfecta de documentación y tecnología punta

El guión de "Frozen. El Reino de Hielo" exigía un escenario espectacular, con hielo y nieve, fiordos y montañas. Los realizadores tomaron como ejemplo el cuento original de Hans Christian Andersen, que se desarrolla en Escandinavia. Los realizadores tomaron como referencia los datos que recogieron en su intenso viaje de documentación a Noruega para recrear el reino ficticio de Arendelle, que está situado en un fiordo, e incluye elementos de la arquitectura clásica, como la iglesia de madera. El majestuoso telón de fondo de las montañas es el escenario perfecto para el viaje de Anna y Kristoff.

Esta referencia fue más allá del escenario y también influenció el look de los personajes y el vestuario, con elaborados detalles de rosmaling descubiertos en las prendas locales, así como los peinados trenzados. 

Se realizó un trabajo de documentación exhaustivo y los miembros del equipo de "Frozen. El Reino de Hielo" consultaron con expertos para crear un mundo que fuera evocador a la vez que creíble. Muchos elementos -desde la nieve y el hielo hasta las trenzas que llevan Anna y Elsa- exigieron la utilización de tecnologías muy avanzadas para lograr el aspecto final. 


El escenario
“Es una especie de road movie por lo que los escenarios son una parte fundamental de la historia," dice el director Chris Buck. "Uno de mis primeros mentores fue un hombre llamado Eric Larson, que es uno de los Nueve Ancianos de Walt Disney. Eric siempre decía: "No tenemos que crear un mundo real, pero sí tenemos que crear un mundo creíble". Por eso, aunque nuestros escenarios no quieren ser una réplica de Noruega, queríamos caricaturizarlos y hacerlos a nuestra manera. Al público le resultará familiar y anclará a nuestros personajes en un lugar que tiene sentido”.

Cuando Mike Giaimo, el director artístico, inició su trabajo para la película, sus primeras investigaciones incluían documentares en multitud de libros dedicados a los países y culturas escandinavas, y también un viaje a Solvang, en California. En una primera fase de su proceso, escogió las imágenes que le gustaban sin tener en cuenta los lugares específicos. Pero después del viaje a Solvang, Giaimo decidió que había llegado el momento de centrarse en una zona. "Adoptar una cultura o un lugar como punto de partida suele ser garantía de veracidad en el resultado final", dice. Y añade: "Cuando empecé a revisar todas las imágenes que me habían gustado, fue muy interesante, ya que el 80% eran de Noruega. 


“Queríamos crear un mundo íntimo con una ambientación mágica y dinámica que las futuras generaciones reconocieran inmediatamente", continúa diciendo Giaimo. "Noruega ofrecía un contexto cultural que nunca habíamos explorado antes. Así que pensamos que sería genial mezclar sus paisajes espectaculares, su arquitectura y la estética de sus trajes tradicionales. Es el universo de una película clásica de Disney, pero es completamente nuevo".

El director artístico Mike Giaimo y su equipo viajaron a Noruega para empaparse del ambiente, familiarizarse con la arquitectura, investigar sobre la cultura y la mitología local y reunir ideas para crear su reino ficticio de Arendelle. Visitaron fortalezas, castillos, tiendas, muesos, catedrales, fiordos y glaciares y lo hicieron en coche, en tren y en barco. Para recrear el castillo de Arendelle, el equipo visitó el castillo medieval de Akershus en Oslo, y el Palacio Real de Stiftsgården en la ciudad de Trondheim, uno de los mayores edificios de madera del norte de Europa. Los artistas hicieron excursiones en barco por Geirangerfjord y Sognefjord, que con sus 205 kilómetros, es el fiordo más largo de Noruega (y el tercero más largo del mundo). Los fiordos son uno de los mayores atractivos del paisaje noruego. De hecho, el Geirangerfjord y el Nærøyfjord están incluidos en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. 

Con una idea muy clara sobre el aspecto que debía tener la película, los realizadores empezaron a explorar la forma de conseguirlo y una de las tareas clave era crear la nieve.


¡Que no pare de nevar!
Con una película inspirada en una historia llamada "La Reina de las Nieves", los realizadores supieron desde el principio que "Frozen. El Reino del Hielo" tendría un ambiente invernal. Fue uno de los factores de la película que más atrajeron a Chris Buck. "Esta historia nos dio la oportunidad no sólo de crear un mundo que el público podía ver y disfrutar, sino también un lugar en el que sumergirse, al que les gustaría ir en compañía de los personajes.

“Pero por mucho que este telón de fondo nevado y helado sea una hermosa hoja en blanco donde todo es posible", continúa Buck, "es muy difícil hacer las cosas bien, que resulte creíble, que se base en la realidad, y después convertirlo en un lugar mágico".


Así que el equipo de Walt Disney Animation Studios -desde el departamento de tecnología hasta el artístico pasando por la animación y los efectos especiales- tuvieron que aprender a crear nieve. Uno de los primeros retos fue conseguir el aspecto que debían tener las diferentes texturas de nieve: nieve húmeda, nieve en polvo, y lograr que reaccione como lo hace la nieve de verdad cuando entra en contacto con los pies y la ropa. Según el ingeniero jefe de software Andrew Selle, en “Frozen. El Reino de Hielo”, trataron la nieve como si fuera uno de los personajes protagonistas, y por lo tanto exigía una atención muy especial. “Nos hicimos la siguiente pregunta: '¿Cómo se comporta la nieve y cuáles son sus propiedades fundamentales?'", dice Selle. “No es un fluido. No es un sólido. Se rompe. Se puede comprimir para formar bolas de nieve. Es muy difícil capturar todos esos efectos diferentes de forma simultánea, así que necesitábamos un simulador que lo hiciera por nosotros. Y desarrollamos una tecnología de 'soluciones para nieve' llamada Matterhorn”.

La herramienta fue especialmente útil cuando los personajes andaban sobre nieve muy espesa ya que la nieve tenía que reaccionar de forma natural a cada paso. “Pensamos utilizarla en algunas tomas", dice Dale Mayeda, supervisor de efectos. "Pero los resultados fueron tan asombrosos que la utilizamos para toda la producción”.


Mayeda y su compañero el supervisor de efectos Marlon West formaban parte del equipo de artistas que viajó a Jackson Hole, Wyoming, para experimentar con nieve espesa. Se vistieron con diferentes prendas, incluyendo faldas largas, para capturar el impacto creado por sus pasos y cómo interactúa la nieve con la ropa. "Hay personajes andando a la altura de los tobillos, a la de las rodillas y a la del pecho", dice West. "Así que tuvimos que probarlo todo -incluso llevando faldas- para comprender lo mejor posible qué aspecto debía tener y qué sensación debía transmitir". 

Para la nieve más profunda, desarrollaron una herramienta especial llamada Snow Batcher, que ayudó a los artistas a crear huellas en la nieve y los trozos de restos de nieve que se crean cuando caminas a duras penas por la nieve. Los realizadores también consultaron con expertos en nieve para asegurarse de la autenticidad de su recreación. Llamaron al Dr. Ken Libbrecht de Cal Tech para que compartiera con ellos sus grandes conocimientos sobre copos de nieve y cómo se forman. Libbrecht, que reproduce copos de nieve en un ambiente controlado y documenta las fases de crecimiento en vídeo, explicó cómo la humedad y otras condiciones afectan al proceso de ramificación y de formación de placas, por lo que no hay dos copos de nieve iguales. Su experiencia ayudó a los cineastas a elaborar diferente tipos de nieve diferentes para "Frozen. El Reino de Hielo". También replicaron el concepto de ramificación y de formación de placas para crear el palacio de nieve de Elsa. 


Palacio de Hielo
Los realizadores comprendieron enseguida que cuando los poderes secretos de Elsa salieran a la luz, ella utilizaría su magia para construir un majestuoso palacio de hielo. "Enviamos a varios miembros del rodaje a la ciudad de Quebec a un Hotel de Hielo para averiguar cómo se refleja la luz en la nieve y el hielo", dice el productor Peter Del Vecho. 

La estructura, que se construye cada año y sólo dura cuatro meses, está hecha de 15.000 toneladas de nieve y 500.000 de hielo. Algunas paredes tienen hasta 1,20 metros de espesor. "Hace frío", dice Buck, que lo visitó durante el rodaje. "Fue increíble ver cómo la luz del sol se refractaba a través del hielo. En ese momento supimos que el palacio de Elsa podía ser algo absolutamente espectacular".

Pero no fue fácil. "50 personas trabajaron en la tecnología necesaria para realizar un plano en el que Elsa construye su palacio", dice Lee. "Y el plano es tan complejo que se invirtieron 30 horas en realizar un fotograma. Es un ejemplo perfecto de lo mucho que este equipo ha puesto en la película. Y se nota. El resultado es increíblemente hermoso".


La secuencia exigió una iluminación y una coreografía especiales que hicieron que el palacio brotara literalmente de los movimientos mágicos de Elsa. Es muy difícil hacer que el hielo parezca verosímil, diferenciarlo del aspecto del cristal o del plástico, dice Mohit Kallianpur, el director de fotografía, aspecto e iluminación. "El hielo es un medio muy refractivo por el que la luz pasa y se dobla, así que tuvimos que utilizar el trazado de rayos mucho más que en otras ocasiones, y también otras técnicas".


Se crearon nuevos sombreadores para “Frozen. El Reino de Hielo” de forma que los artistas pudieran aplicar en el hielo texturas como la escarcha con un aspecto más naturalista. También se sirvieron de herramientas llamadas modificadores para que los artistas cambiaran el aspecto del hielo con más facilidad: de transparente a escharchado y de nuevo a transparente en una sola secuencia. 

“La escala y la envergadura de esta película son enormes", dice Kallianpur. “No hay precedentes en el número de personajes, de trajes y de cambios de peinado de cada personaje". 


Todos muy bien vestidos
Giaimo y su equipo se inspiraron en los trajes folclóricos bunad tradicionales de Noruega con sus diseños elaborados y coloridos.  Sin embargo, el aspecto exigía cierta preparación técnica, debido a las numerosas y elaboradas capas. 

Las capas no se entienden con facilidad en el proceso de imágenes generadas por ordenador, así que los trajes se elaboraron de otra forma para asegurar la autenticidad, tanto en su aspecto como en sus movimientos. La película tiene el doble de prendas que la suma de todas las películas de Walt Disney Animation Studios generadas por ordenador. El resultado es una ropa más sofisticada, dinámica y creíble para cada personaje (incluso los personajes de fondo). 


Además, los realizadores elaboraron los trajes de "Frozen. El Reino de Hielo" utilizando técnicas de creación digital de patrones e introdujeron las propiedades que tienen las telas en el mundo real para que en la pantalla, los trajes se comportaran como lo harían en una producción de acción real.


Los artistas lograron combinar el aspecto tradicional inspirado en la rica cultura noruega y desarrollar su propia magia. "Combinamos la autenticidad del bunad noruego con un toque de glamour hollywoodiense para conseguir un look totalmente personal", dice Giaimo.  


Por ejemplo, rosemaling, un estilo de pintura ornamental muy común en la historia de Noruega, aparece en toda la película: en la ropa, en la arquitectura y también se trasluce en la magia de Elsa y en sus creaciones heladas. Pero para Giaimo, el vestido de Reina de las Nieves de Elsa es lo máximo en glamour. “Es con toda seguridad el traje más asombroso de la película y puede que uno de los más increíbles que se hayan hecho por ordenador”.


El aspecto, cuya creación fue un auténtico reto, sufrió muchas modificaciones, dice el director artístico. "La estrella de la coronación fue una capa de 3,6 metros. "Es una capa muy frágil hecha de cristales de hielo", dice Giaimo. "En la parte posterior se reproduce el copo de nieve que es el símbolo de Elsa, junto con otros más pequeños".   


Y por si fuera poco...

Los personajes de "Frozen. El Reino de Hielo" llevan peinados tradicionales que evocan la cultural noruega. La introducción de las trenzas y el número de estilos que aparecen en la película supusieron un gran reto para el equipo de producción. 


Los realizadores aprovecharon su situación en el Sur de California cuando llegó el momento de capturar la audacia de Elsa al huir Arendelle. Los realizadores invitaron al peluquero de celebridades Danilo a los estudios de Burbank para experimentar con diferentes estilos y recrear la nueva osadía de Elsa.  Con 420.000, Elsa tiene más del cuádruple de cabellos que el promedio de un ser humano. (Las famosas trenzas de Rapunzel en “Enredados” tenían 27.000 cabellos muy largos). 


Para los estilos más tradicionales de Elsa y Anna se necesitaron aún más medios. Aunque al equipo de Walt Disney Animation Studios le pareciera muy complicado recrear el pelo en "Enredados", las cosas se complicaron aún más en "Frozen. El Reino de Hielo". Se desarrolló un programa llamado Tonic (creado por el ingeniero de software senior Brian Whited, el creador del software Meander que hizo posible el corto “Paperman”, ganador de un Oscar) que ayudó a los artistas a agrupar los cabellos en las cabezas de los personajes y colocarlos en la forma que deseaban. “Una vez que Tonic estuvo listo, nuestros artistas de aspecto que se ocupan del pelo elaboraron en pocos días estilos como las detalladas trenzas de Elsa en la coronación", dice Frank Hanner, supervisor de efectos por ordenador. “Sin Tonic, ese proceso nos hubiera llevado varias semanas”.

La representación escultural del pelo basada en el volumen fue fundamental a la hora de lograr que el aspecto de los protagonistas coincidiera con las referencias culturales. La técnica existente de peinar/pintar no servía para las trenzas; con Tonic, los artistas conseguían mucho volumen de pelo, una característica muy efectiva para los peinados con trenzas entre otros (como el estilo "bedhead" de Anna al principio de la película). Pero la tecnología de Tonic no sólo se utilizó para las protagonistas de la película. También se usó para algunas secciones de los lobos y de los caballos. De hecho, también se aplicó la técnica Tonic a las greñas del cuello de Sven. 


LA BANDA SONORA DE “FROZEN. EL REINO DE HIELO” VUELA ALTO
El compositor Christophe Beck crea la banda sonora que complementa las letras de Lopez

El compositor Christophe Beck, cuya trayectoria incluye "Paperman", el corto ganador del ® y la trilogía de "Resaca en Las Vegas", creó la banda sonora de “Frozen. El Reino de Hielo”. “En Disney se valora mucho la música”, dice Beck. “Y en la animación, al contrario que en la acción real, la música es una parte inseparable de la narración. Hace un papel indispensable a la hora de transmitir las emociones”.

La banda sonora de Beck completa las ocho canciones originales escritas por Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez que incluyen “Frozen Heart”, “Do You Want to Build a Snowman?” “For the First Time in Forever”, “Love Is an Open Door”, “Let It Go”, “Reindeer(s) Are Better Than People”, “In Summer” y “Fixer Upper”. 

Beck rinde homenaje al escenario inspirado en los paisajes noruegos al servirse de instrumentos regionales como el cuerno de cabra, que utilizaban los pastores para llamar al rebaño. Afirma: "Con 'Frozen. El Reino de Hielo', tuvimos la mejor fuente de inspiración: todos esos paisajes nevados que son muy evocadores. Además tuvimos la oportunidad de descubrir muchos sonidos que no había escuchado nunca. De hecho, no creo que mucha gente fuera del país la haya oído nunca”. 



Los realizadores contrataron a un lingüista noruego para que les ayudara con la letra de la coronación, escrita en nórdico antiguo. De hecho, el equipo viajó a Noruega para grabar el coro femenino Cantus que interpreta una pieza inspirada en música tradicional noruega. “Christophe añadió una capa de autenticidad a ese mundo con voces muy especiales y un lenguaje musical extraordinario que respeta las canciones y embellece la narración”, dice la directora Jennifer Lee.  

La banda sonora, que grabó una orquesta de 80 instrumentos, también cuenta con 32 cantantes, entre los que está la noruega Christine Hals.

Beck trabajó con Anderson-Lopez y Lopez en algunos arreglos de las canciones e incorporando melodías a la banda sonora. De esta forma, la música ofrece una gran homogeneidad. Según el director Chris Buck, la colaboración llegó aún más lejos en “Do You Want to Build a Snowman?”: "La canción cuenta la historia desde la perspectiva de Anna. La cantan Kristen Bell, Agatha Lee Monn y Katie Lopez como Anna, y está escrita por Bobby y Kristen. El punto de vista de Elsa está representado en la banda sonora de Christophe. Y todo encaja maravillosamente bien", dice el director. “La melodía vuele al final de la película con un estilo grandioso y conmovedor”.

Beck añade: “Nuestros era crear un hilo conductor coherente en la música que fuera de principio a fin”.


Una banda sonora muy refrescante
Walt Disney Records pondrá a la venta la banda sonora de "Frozen. El Reino de Hielo" el 25 de noviembre de 2013. Se puede reservar anticipadamente en http://smarturl.it/fa1yhttp://smarturl.it/fsAmazona1. La edición deluxe de dos discos de “Frozen. El Reino de Hielo” y la edición deluxe digital de la banda también están disponibles el 25 de noviembre de 2013. Incluirán 23 y 27 temas originales respectivamente, incluyendo demos, tomas descartadas y una versión instrumental de karaoke de "Let it Go". 


Esta es la lista de canciones que conforman la banda sonora de "Frozen. El Reino de Hielo". 

“Frozen Heart” Interpretada por Cast
“Do You Want to Build a Snowman?” Interpretada por Kristen Bell, Agatha Lee Monn y Katie Lopez
“For the First Time in Forever” Interpretada por Kristen Bell e Idina Menzel
“Love Is an Open Door” Interpretada por Kristen Bell y Santino Fontana
“Let It Go” Interpretada por Idina Menzel
“Reindeer(s) Are Better Than People” Interpretada por Jonathan Groff
“In Summer” Interpretada por Josh Gad
“For the First Time in Forever” (Reprise) Interpretada por Kristen Bell e Idina Menzel
“Fixer Upper” Interpretada por Maia Wilson y Cast
“Let It Go” (Versión de Demi Lovato) Interpretada por Demi Lovato
Vuelie (Con Cantus) Banda sonora
Elsa and Anna Banda sonora
The Trolls Banda sonora
Coronation Day Banda sonora
Heimr Àrnadalr Banda sonora
Winter’s Waltz Banda sonora
Sorcery Banda sonora
Royal Pursuit Banda sonora
Onward and Upward Banda sonora
Wolves Banda sonora
The North Mountain Banda sonora
We Were So Close Banda sonora
Marshmallow Attack! Banda sonora
Conceal, Don’t Feel Banda sonora
Only an Act of True Love Banda sonora
Summit Siege Banda sonora
Return to Arendelle Banda sonora
Treason Banda sonora
Some People Are Worth Melting For Banda sonora
Whiteout Banda sonora
The Great Thaw (Vuelie Reprise) Banda sonora
Epilogue Banda sonora


SOBRE LOS REALIZADORES

CHRIS BUCK (Director) debutó como realizador en 199 con "Tarzán", el taquillazo animado de Disney. Ahora vuelve a ponerse al mando (junto con la directora Jennifer Lee) en esta nueva aventura de Walt Disney Animation Studios. Buck inició su carrera profesional con Disney en 1978, y ha trabajado con animador, supervisor de animación, diseñador de personajes y director. Otro de sus créditos como director es la película de 2007 nominada a los Oscar®, "Locos por el surf" de Sony Pictures Animation.


Buck nació en Wichita, Kansas, y estudió durante dos años animación de personajes en CalArts antes de iniciar su carrera en Disney con animador en la cinta animada “Tod y Toby". También participó en el corto animado “Fun with Mr. Future”, y realizó sus primeros trabajos experimentales en "¿Quién engañó a Roger Rabbit?"

Entre 1984 y 1992, Buck trabajó como freelance e hizo varios trabajos para Disney. Se unió al director Tim Burton para realizar el storyboard del corto de acción real de Disney “Frankenweenie” (1984). Después animó anuncios comerciales para productoras con sede en Los Angeles como Film Fair, Kurtz & Friends y Duck Soup. También fue director de animación (junto a Burto) en "Family Dog", el episodio de 1993 de "Cuentos asombrosos" de Steven Spielberg que dirigió Brad Bird. Buck fue director en los 13 episodios posteriores de la serie animada. Buck participó en el diseño de personajes de "La Sirenita", el éxito de taquilla de Disney de 1989. Realizó tareas similares así como animación experimental en "Los Rescatadores en Cangurolandia". Después estuvo en Hyperion Pictures, donde ayudó a desarrollar varias películas y fue director de animación de la película “Bebe’s Kids”.

En 1992, Buck regresó a Disney a tiempo completo como supervisor de animación de "Pocahontas", la película animada de 1995. Supervisó la animación de tres personajes: Percy (la mascota de Ratcliffe), la mística Abuela Willow y Wiggins el criado de Ratcliffe.

Después, Buck dirigió (con Kevin Lima) “Tarzán” y “Locos por el surf" (con Ash Brannon), una divertidísima parodia de los documentales de surf que narra las aventuras de un pingüino de 17 años llamado Cody Maverick (con la voz de Shia LaBeouf). 

Además de su impresionante currículum como artista y realizador, Buck también fue profesor de animación de personajes en CalArts de 1988 a 1993. Él y su mujer Shelley tienen tres hijos.


JENNIFER LEE (Directora/Guión adaptado) se incorporó a Walt Disney Animation Studios en marzo de 2011 como uno de los guionistas de la trepidante comedia de aventuras "¡Rompe Ralph!". Es una de los responsables del guión adaptado de "Frozen. El Reino de Hielo" y dirige esta comedia de aventuras épica junto al veterano de Disney, Chris Buck.  

La adaptación para la gran pantalla de Lee de “"Los hechos del Rey Arturo y sus nobles caballeros", está producida por Troika Pictures. También está desarrollando un guión original con Appian Way, la productora de Leonardo DiCaprio, y Radiant Productions de Wolfgang Peterson compró su guión original "Lucid Dreams". 

Lee tiene un MFA en Cinematografía por la Universidad de Columbia y una licenciatura en Inglés por la Universidad de New Hampshire.


PETER DEL VECHO (Productor) llegó a Disney Animation Studios en 1995, con una extensa experiencia en producción teatral. Después de trabajar en numerosos teatros de Nueva York y de la Costa Este de Estados Unidos, se unió el reconocido Guthrie Theater, donde permaneció nueve años, hasta 1995. Su pasión por trabajar en equipo en un entorno artístico lo llevó a Disney en 1995.  

Como jefe de producción de “Hércules", fue el responsable de dirigir un equipo de producción de 300 artistas y ayudar a llevar esta aventura épica al cine. Fue productor asociado de la película animada de 2002, “El planeta del tesoro”, que fue nominado a los Oscar® al mejor largometraje animado. También fue productor asociado de la aventura animada de 2005 “Chicken Little”, el primer largometraje animado en 3D, en el que además se implicó en el ámbito creativo.

En los últimos tiempos, Del Vecho ha producido la comedia musical animada "Tiana y el sapo", que se estrenó en 2009 y recibió tres nominaciones a los Oscar®, incluyendo la de Mejor Película Animada. También trabajó con Walt Disney Animation Studios en el Bosque de los Cien Acres como productor de la aventura “Winnie the Pooh” (2011).

Del Vecho está casado con Jane, y es padre de Gregory y Georgina sus mellizos de 16 años. También tiene la licencia de Piloto Deportivo de la FAA Sport, y pilota su propio superligero en la zona de Los Angeles.


JOHN LASSETER (Productor ejecutivo) ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa el aspecto creativo de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos relacionados de los estudios. Lasseter debutó como director en 1995 con “Toy Story [Juguetes]", el primer largometraje de animación generado por ordenador, y desde entonces ha dirigido “Bichos, una aventura en miniatura", “Toy Story 2” y “Cars”. Volvió a sentarse en la silla de director en 2011 para dirigir "Cars 2". 

Sus créditos como productor ejecutivo incluyen "Monstruos S.A.", "Buscando a Nemo", "Los Increíbles", "Ratatouille", "WALL•E", "Bolt", "Up", "Brave (Indomable)" y "Monstruos University”. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “Tiana y el Sapo", “Enredados” y "¡Rompe Ralph!", así como la película de Pixar, ganadora de un Premio de la Academia® a la Mejor Película Animada y a la Mejor Banda Sonora Original, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich. 

Lasseter escribió, dirigió y animó los primeros cortometrajes de Pixar entre los que se encuentran “Luxo Jr.”, “Red’s Dream”, “Tin Toy” y “Knick Knack”. “Luxo Jr.” fue la primera película animada por ordenador en tres dimensiones que resultaba nominada a un Oscar de la Academia® al ser nominada Mejor Cortometraje Animado en 1986; "Tin Toy" fue la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® cuando fue elegida Mejor Cortometraje de Animación en 1988. Lasseter ha sido productor ejecutivo en posteriores cortometrajes del estudio como “Boundin’”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy”, “Day & Night”, y el ganador de un Premio de la Academia ®- “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).

Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones por parte de la industria. En 1995, Lasseter  recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story (Juguetes)". Obtuvo también, junto al resto del equipo de guionistas de “Toy Story. Juguetes", una nominación a los Oscar® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que una película de animación era reconocida en esa categoría.

En 2009, Lasseter fue premiado en la edición número 66 del Festival de Venecia con el León de Oro a toda una carrera. Al año siguiente, recibió el David O. Selznick Achievement Award que concede la Asociación de Productores de América. Fue el primer productor de películas animadas que ha recibido este galardón. Entre otros galardones recibidos por Lasseter cabe destacar el premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que le concedió en 2004 la Asociación de Directores Artísticos y un título honorífico del American Film Institute. Además, en 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación.

Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó “Las aventuras de André y Wally B", la primera película de animación por ordenador en 3D basada en personajes, y creó por ordenador el personaje del Caballero de la Vidriera en la producción de Steven Spielberg de 1985 titulada "El Joven Sherlock Holmes".

Lasseter formó parte de la primera promoción del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts donde se graduó en 1979. Lasseter es el único en haber ganado dos veces el Premio para Estudiantes de la Academia a la Animación por “Lady and the Lamp” (1979) y “Nitemare” (1980) que realizó cuando estudiaba en CalArts. Logró su primer premio con 5 años cuando ganó quince dólares en el Model Grocery Market de Whittier, California, por un dibujo a lápiz del Jinete sin Cabeza.


KRISTEN ANDERSON-LOPEZ (Canción original) debutó en el  Off-Broadway en Primary Stages con “In Transit”, un musical inspirado en los ritmos y sonidos de la vida en el metro. El espectáculo le valió nominaciones al Drama Desk, Drama League, al Outer Critics Circle y al premio Lucille Lortel. 


Junto con su marido y colaborador Robert Lopez, escribió las canciones nominadas a los Premios Annie de la película de 2011 “Winnie the Pooh”, así como de “Finding Nemo: The Musical”, un popular espectáculo en directo que lleva ocho años representándose en el Animal Kingdom de Disney. Su trabajo ha aparecido en “Dawson crece”, “The Wonder Pets” de Nickelodeon, y en adaptaciones teatrales de clásicos infantiles como  “The Tell Tale Heart”, “Fancy Nancy” y “Diary of a Worm”. Ha recibido el BMI Harrington Award y la Dramatists Guild Fellowship, y suele actuar de moderadora invitada en el prestigioso BMI Lehman Engel Musical Theater Workshop.

Su siguiente proyecto teatral es un musical original llamado “Up Here”, dirigido por Alex Timbers, nominado dos veces a los Premios Tony® y  cuyo estreno está programado para el verano de 2014.

Anderson-Lopez se graduó en el Williams College y vive en Brooklyn con su marido y dos hijas.


ROBERT LOPEZ (Canciones originales) es uno de los creadores de los musicales de Broadway de enorme éxito "Avenue Q" y "The Book of Mormon", ganadores de los Premios Tony® y Grammy®. Junto con su mujer y colaboradora Kristen Anderson-Lopez, coescribió canciones para la película “Winnie the Pooh” y “Finding Nemo: The Musical”, que se representa con éxito en Animal Kingdom de Disney desde 2006. 

Compartió dos Premios Emmy® por la música de “The Wonder Pets” de Nickelodeon y una nominación a los Emmy por su trabajo en el episodio musical de “Scrubs”. También ha trabajado en “South Park”, “Los Simpson” y “Phineas y Ferb”, así como en “Bear in the Big Blue House”, “Third and Bird” y “Johnny and the Sprites”. Ha ganado los premios Drama Desk, Outer Critics Circle, Drama League, Lucille Lortel, Frederick Loewe y Edward Kleban.

Ninguno de sus musicales se ha retirado de la cartelera anticipadamente. 

Su siguiente proyecto teatral es un musical original llamado “Up Here”, dirigido por Alex Timbers, nominado dos veces a los Premios Tony® y cuyo estreno está programado para el verano de 2014. También ha desarrollado una comedia original para ABC Studios.   

Lopez, licenciado por Yale College, vive en Brooklyn con su mujer y sus dos hijas.


El compositor canadiense CHRISTOPHE BECK (Banda sonora original) empezó a tomar clases de piano a los 5 años, y a los 11 aprendía de oído las canciones de los Bee Gees. Fundó su primera banda con el nombre de Chris and The Cupcakes. En sus años de instituto estudió piano, saxofón y tambores, y escribió muchas baladas tiernas de los 80. 

Mientras estudiaba música en Yale, Beck escribió dos musicales con su hermano Jason (alias Gonzales, el productor, pianista y presentador de televisión que vive en París) así como una ópera basada en “El corazón delator” de Edgar Allen Poe. 

Después de graduarse, Beck se trasladó a Los Ángeles para asistir al prestigios programa de música para el cine de la USC, donde estudió con Jerry Goldsmith. Una recomendación personal del legendario Buddy Baker, director del Departamento de Música de la USC, le valió su primer encargo para una serie de televisión canadiense llamada “White Fang”. Después de trabajar en varias series de televisión, le pidieron que compusiera la música de la segunda temporada de “Buffy la cazavampiros” de WB Network. Beck recibió un Premio Emmy® a la Mejor Composición por la banda sonora del episodio de Buffy titulado “Becoming, Part 1”. 

En 2000, la comedia sobre animadoras titulada “A por todas” lanzó la carrera de Beck, que también incluye créditos como “Bajo el sol de la Toscana”, “¡Salvados!”, “La pantera rosa”, “Equipo Marshall”, “El año del perro” y “Algo pasa en Las Vegas”, la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos. 

En 2007 Beck apareció en el documental “Finding Kraftland” para su agente Richard Kraft.

Beck trabaja en su estudio de Santa Mónica, California.

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