Clásicos Disney

EL ARTE DE FANTASIA: El Aprendiz de Brujo

2011-09-20T12:05:00.000+02:00

EL ARTE DE FANTASIA: Ave Maria

2011-09-18T11:29:00.000+02:00

EL ARTE DE FANTASIA: Noche en el Monte Pelado

2011-09-16T11:24:00.002+02:00

EL ARTE DE FANTASIA: La Danza de las horas

2011-09-14T11:19:00.002+02:00

EL ARTE DE FANTASIA: Sinfonía Pastoral

2011-09-12T11:06:00.002+02:00

ratatouille: La Música

2011-09-10T12:29:00.000+02:00

Cuando llegó el momento de encontrar la música que encajase con el ritmo endiablado y con la sutileza de las emociones de RATATOUILLE (Ra.ta.tui), Brad Bird no lo dudó y llamó al compositor que había hecho un magnífico trabajo en “The Incredibles (Los Increíbles)”. Se trataba de Michael Giacchino, que creó una banda sonora con ritmos estilo jazz de percusión y metales que es tan divertida, rápida y con un aroma francés como el de la película. “A pesar de que esta película no se parece nada a 'The Incredibles (Los Increíbles)’, los registros de Michael son tan fantásticos, que sabía que era el compositor perfecto para la cinta”, afirma Bird. “Esta película es más vertiginosa que ‘The Incredibles (Los Increíbles)'. Es un recorrido romántico y divertido por París, y Michael ha hecho un gran trabajo capturando esa sensación”. El espíritu de colaboración que existe entre Brad Bird y Giacchino les incitó a encontrar un sonido muy innovador para la película. “Estos dos tipos se conocen también que saben lo que está pensando el otro", dice el productor Brad Lewis. “Brad se expresa con un lenguaje visual y Michael se expresa en un lenguaje musical, pero logran fundirlos maravillosamente bien en la película. A veces la música es sutil, a veces es más estruendosa y más cómica. Michael encuentra el estado de ánimo que corresponde a cada movimiento de la historia. Puede ser grandioso y emotivo al mismo tiempo, puede parecer muy ligero y también un poco torpe. Exactamente lo que necesitábamos en esta película”. Cuando Giacchino vio un primer montaje de RATATOUILLE (Ra.ta.tui), supo que iba a enfrentarse a uno de los retos más grandes de su vida. “Cuando vi la película, me asusté muchísimo porque sabía que tenía que la música no podía parecerse a nada de lo que había hecho antes. Tenía un estilo con el que no había trabajado antes. En realidad, tenía un montón de estilos a cuál más diverso. Así que salí del cine y me fui a ver a Brad Bird. Le dije que estaba aterrado pero dispuesto a intentarlo", recuerda el compositor.

Gracias a estas palabras, Giacchino se incorporó al proyecto, pero se dio cuenta que también tendría que darle la vuelta a su proceso de creación. “Antes de ver la película, tenía un enfoque muy práctico. Pero después de verla, se convirtió en un proceso muy emocional", explica. “Fue la escena final de la película en la que el crítico gastronómico Ego escribe su crítica la que me dio la clave de la película. Me ayudó a componer el tema principal de la película y que además se convirtió en una de las canciones de la cinta”.

Sigue diciendo: "Es una película muy alegre, pero también tiene un toque melancólico. La melancolía que aflora cuando miras atrás y piensas en todas las cosas que te hubiera gustado hacer. Quería que la música expresara esta idea. Mi objetivo principal era intentar capturar ese sentimiento. Además, también hay mucha acción y diversión, pero nunca quise que esto le hiciese sombra al verdadero mensaje de la película”.

Además del tema principal, Giacchino compuso temas para cada uno de los personajes, de forma que reflejaran sus personalidades individuales y sus deseos. “Me gusta mucho trabajar con un método temático porque es la forma de representar mejor a los personajes", afirma. “Por eso me gustan las bandas sonoras de películas como 'Star Wars (La guerra de las estrellas)’, ‘Raiders of the Lost Ark (En busca del arca perdida)’ o ‘The Adventures of Robin Hood (Las aventuras de Robin Hood) de los años treinta. Todas tienen grandes temáticas con un enfoque casi operístico. Son las bandas sonoras que más me han impactado”.

Remy, añade, tiene dos temas, así como un 'tema de amigotes' que comparte con Linguini. “Al principio, Remy tiene ese tema machacón que le sigue por todas partes, como si fueran los genes que le convierten en una rata a pesar de que quiere ser otra cosa", afirma Giacchino. “Domina en las escenas en las que corre por la casa y entre los pisos.

Pero cuando llega al tejado ve París por primera vez, surge un nuevo tema que habla de los sueños y de la esperanza. Es lo que lleva Remy dentro. El primer tema es lo que uno piensa cuando ve a Remy por primera vez, pero cuando mira Paris, ese es el verdadero Remy".

En cuanto al tema que surge entre Linguini y Remy, Giacchino declara: "El tema de amigotes sólo se oyen cuando están trabajando juntos. La primera vez que aparece es cuando Remy comprende cómo puede controlar a Linguini. Después va avanzando para convertirse en una partitura de acción heroica al final de la cinta, cuando las ratas van juntas y Linguini se desliza con sus patines. Se parece a un tema de la Segunda Guerra Mundial porque su amistad ha llegado a un punto en el que saben que la única solución es intentarlo juntos”.

Otro tema clave de la película es el de Colette, que Giacchino explica “que envuelve todo el proceso de cocinar”. Y añade: “La primera vez que se escucha es cuando Colette está enseñando a Linguini lo que tiene que hacer en la cocina y lo que necesita aprender para convertirse en un gran chef. Después va cambiando a medida que avanza la película, dependiendo de las circunstancias. Cuando Linguini tiene que hacer un plato que no está en el menú y Remy empieza a improvisar, el tema se repite pero de forma mucho más improvisada. Los temas y la música cambian constantemente con la historia”. El tema de Skinner también cambio según sus estados de ánimo. Empieza con un tema de jazz estilo francés que se vuelve cada vez más frenético y orquestal a medida que va perdiendo el control de la cocina. “El tema empieza de forma suave y ligera y termina convirtiéndose en una locura, lo mismo que le sucede al personaje", afirma riéndose Giacchino.

Al entretejer los numerosos estilos y tonos de la película, Giacchino hizo una separación musical entre los mundos de los humanos y el de los roedores. “Hay una instrumentación que he utilizado mucho para el mundo de los roedores, que incluye un gigantesco piano de pulgar que se incorpora a la orquesta un montón de pizzicato de cuerdas", dice. “A Brad le encantó el sonido del pizzicato de cuerdas para las ratas, pero una vez más, no existía ninguna regla ni consigna. Lo que encajaba en una escena con las ratas podía no encajar en la siguiente. Todo cambia constantemente”.

Pero como contraste a la locura visual que ofrece una enloquecida comedia física como RATATOUILLE (Ra.ta.tui), Giacchino quiso que su banda sonora fuera muy sutil. “En animación es fácil perseguir todos los movimientos", afirma. “Pero lo que más me gusta de la música para películas es que el más pequeño detalle puede sugerir algo especial. Así que decidí mantenerme al margen y dejar que las imágenes hablasen por sí mismas, como si fuera una película de acción”.

Con una banda sonora tan diversa, la siguiente tarea de Giacchino fue formar una orquesta única con influencias de jazz, que incluyera algunos instrumentos poco convencionales como la harmónica o el acordeón. El compositor estaba encantando de poder contratar a un buen número de grandes músicos que añadirían sus estilos en las sesiones de grabación. Por ejemplo, Tommy Morgan, uno de los intérpretes de harmónica más grandes del mundo que ha grabado más de 7.000 sesiones para discos, televisión, cine y con una carrera de más de 50 años a sus espaldas; el galardonado acordeonista de jazz Frank Marocco, considerado el acordeonista que más ha grabado en el mundo; la leyenda del bajo Abe Laboriel que ha grabado con todos los grandes del jazz que van de Ella Fitzgerald a Herbie Hancock; y el fantástico batería de jazz Harvey Mason que inició su carrera con Duke Ellington y Erroll Garner en los años sesenta y que ha sido nominado siete veces a los Premios GRAMMY® . “Reunir a algunos de los mejores músicos del mundo en una sala durante una semana era una oportunidad maravillosa", afirma Giacchino al referirse a la grabación de la banda sonora. Y la guinda del pastel de Giacchino es la canción “Le Festin”, que escribió y luego grabó con la encantadora Camille, una joven cantante francesa, que ha creado su propio estilo de canción francesa . “Tiene un sonido único y una voz muy especial. Nadie hubiera podido cantar mejor que ella esa película", señala el compositor. “La canción se basa en un viejo refrán francés que habla sobre reunir a tus amigos y a tu familia en torno a una mesa y una buena comida. Es una canción que refleja a la perfección la historia de RATATOUILLE (Ra.ta.tui)”.

ratatouille: La Fotografía

2011-09-08T12:28:00.000+02:00

Hubiera sido más fácil abordar la historia de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) desde un punto de vista humano. Pero con era de esperar, Brad Bird escogió el camino más difícil: contar la historia a través de los ojos del roedor protagonista. Bird se inspiró en algunos clásicos del cine, incluyendo un thriller antiguo de Hollywood. “Una de las secuencias tiene cierta influencia de la 'Ventana indiscreta' de Alfred Hitchcock", afirma el director. “En esa película, Hitchcock se entromete en las vidas de los demás sirviéndose del punto de visión del apartamento de Jimmy Stewart. En nuestra película vemos un apartamento de París a través del punto de visión de una rata”. Sharon Calahan, directora de fotografía/iluminación, que ya se había encargado de este trabajo en “Finding Nemo (Buscando a Nemo)”, “Toy Story 2 (Toy Story 2. Los juguetes vuelven a la carga)” y “A Bug’s Life (Bichos. Una aventura en miniatura)”, sabía que podría lucirse en RATATOUILLE (Ra.ta.tui). “Queríamos obtener un aspecto rico, la sensación que se tiene en París, y en un gran restaurante parisino. Además queríamos que la comida tuviera un aspecto apetitoso y que todos esos pequeños personajes peludos fueran bonitos y atractivos", afirma Calahan al hablar de la tarea que le esperaba. Y continúa diciendo: "Ya tenía algunas ideas sobre la profundidad, la riqueza y la opulencia de los colores y encajaban muy bien con la historia. Y para conseguirlo había que hacer justo lo contrario que se suele hacer en iluminación, es decir añadir negro donde no hay luz. Quería sustituir eso por una superficie con más colorido, y hubo que probar muchos trucos y cortes”. A Calahan le sedujo la idea de reproducir un maravilloso día de octubre en Francia. “Cuando fuimos a París había sol, pero la luz es tan plateada y difusa que el ambiente era suave y maravilloso. Eso es lo que quería reproducir en la película", afirma “La película no está iluminada con un montón de luces de colores y tampoco tiene grandes superficies de sombras coloreadas como suele ser habitual. Lo que yo quería era rendir un homenaje al color de la ciudad”.

Cuando llegó el momento de filmar la comida, Calahan miró un montón de revistas y libros de gastronomía en busca de inspiración. “Pasé mucho tiempo estudiando cómo se fotografía la comida, intentando comprender dónde estriban las diferencias entre la buena fotografía de comida y la mala fotografía de comida”, explica. “Las diferentes posiciones de la luz solían mejorar el aspecto de la comida. Así que el problema residía en cómo hacer que la comida tuviera un aspecto más translucido y por lo tanto más creíble, o que pareciera lo bastante jugosa para ser apetecible. Y una de las cosas que aprendimos es que la luz cálida potencia el color de la comida".

Para que la comida de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) fuera lo más realista posible, Calahan utilizó las tecnologías que se habían utilizado para hacer que los peces parecieran más translucidos en “Finding Nemo (Buscando a Nemo)” y para reproducir la piel de los humanos en “The Incredibles (Los Increíbles)”.

En lo que respecta a los personajes de roedores, Calahan explica: “La clave para que los personajes tuvieran un aspecto atractivo estaba en la calidad del pelaje y en el brillo de las orejas. Tuvimos que hacer muchos experimentos para conseguir que el pelaje respondiera bien a la luz”.

La escala también planteó un gran reto. “Reproducir humanos y animales en el mismo mundo era muy difícil", añade. “La luz fue una de las claves para que estas relaciones funcionaran”. En realidad, el trabajo de Calahan se parece mucho al de los cámaras tradicionales. “Intento pensar como un pintor y conseguir que la luz lo realce todo”, dice. “El trabajo de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) fue un verdadero reto pero la experiencia ha sido muy gratificante. Brad Bird tiene la habilidad de sacar lo mejor de cada uno”.

Ratatouille: El Diseño de Telas

2011-09-06T12:27:00.000+02:00

El equipo de Pixar ya era famoso por su trabajo pionero en el movimiento de los tejidos. Y para RATATOUILLE (Ra.ta.tui), crearon el "vestuario" más complejo en una película animada por ordenador. Durante mucho tiempo los tejidos fueron un gran escollo a la hora de recrearlos de forma creíble mediante imágenes generadas por ordenador. Esto se debe a que los tejidos, por naturaleza, no son estáticos y las leyes de la física -de la gravedad a la fricción- están siempre presentes de una forma u otra. Fue Pixar la que investigó las nuevas posibilidades para los tejidos con la camiseta arrugada que parece totalmente real que aparecía en “Monsters Inc. (Monstruos S.A.)” a la que siguió toda una colección de ropa retro-futurista que se pudo ver en “The Incredibles (Los Increíbles)”. RATATOUILLE (Ra.ta.tui) presenta unos tejidos más complejos con muchas capas así como maquetas de tejidos para manteles y servilletas. Al final se crearon más de 190 modelos diferentes. Christine Waggoner y su equipo, supervisora de simulación, se ocupó de la mayor parte de este trabajo que también abarcaba la simulación de pelo. “Con RATATOUILLE (Ra.ta.tui), el listón técnico está muy alto", afirma Waggoner. “Los personajes llevan más ropa y eso significa más capas y más movimiento que nunca. Tuvimos que crear toda esa ropa de chef, con chaquetillas cruzadas y botones, un delantal y un par de pantalones, y también un gorro por encima del pelo”. La ropa que más le gusta a Waggoner es la que lleva el propio Auguste Gusteau, que fue un hombre muy corpulento pero que se ha convertido en un duendecillo fantasmagórico. “Primero diseñamos la ropa para la versión real de Gusteau, luego la encogimos para convertirlo en el duendecillo que vemos en la película”, explica Waggoner.

“Pero también queríamos que su ropa fuera muy sofisticada y muy bien hecha. No hay ningún precedente en el diseño de algunas de los estilos de ropa que se ven en la película, así que fue muy interesante”.

Cosas tan sencillas que pueden parecer tan sencillas como los manteles o las servilletas, se convierten en algo terriblemente complejo en el mundo de las imágenes generadas por ordenador. “Hay que tener en cuenta un montón de detalles, por ejemplo la interacción entre las piernas del personaje y las telas que cuelgan de las mesas", añade Waggoner.

Para Waggoner, que es a la vez una artista y una programadora, lo más divertido fue ensamblar todos los elementos para tener una visión global. “Para mí, lo más difícil fue clavar el aspecto ya que a Brad le gusta que las cosas sean realistas y caricaturescas al mismo tiempo. Así que no se trataba de resolver un problema científico sobre cómo se mueven las telas y hacer números. En realidad, se trataba de un proceso mucho más sutil para que todos los elementos encajaran en la estética general de la película", afirma.

El resultado es que la ropa, junto con los sofisticados diseños, que se hace para cada personaje convierte el mundo de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) en algo mucho más creíble. “Al simular toda la ropa y las telas y reproducir las arrugas naturales y todos los movimientos se produce una sensación de realismo increíble”, dice Waggoner.

Galyn Susman, productora asociada, lo resume así: "Lo más bonito de la ropa y las telas de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) es que son tan naturales que no llaman la atención, y eso es una verdadera proeza”.

Ratatouille: La Receta del Éxito

2011-09-04T12:26:00.000+02:00

Una vez dentro del Gusteau’s, Remy tiene la oportunidad de conseguir lo que lleva soñando toda su vida, aunque tenga que hacerlo disfrazado: revolucionar totalmente un menú muy soso gracias a la creatividad de sus platos. Para los realizadores, la clave de toda la historia reside en dar vida a todo ese mundo gastronómico que lo es todo para Remy, y además hacerlo de forma precisa y atractiva. Así que lo primero que hicieron fue sumergirse en mundo de la alta cocina. “La historia va mucho más allá de saber cocinar, pero comprendí que si recreaba el ambiente de una cocina de verdad, y lograba que fuera muy bonita, esto le aportaría credibilidad a la fantasía", observa Bird. El proceso empezó en París, donde la "investigación" de los realizadores consistió en comer en los mejores restaurantes, probando todo tipo de exquisiteces y echando un vistazo a las cocinas más creativas del mundo. “Nos preocupaba un poco comer tanto y tan bien en un plazo de tiempo tan corto", dice Bird riéndose. “Pero aprendimos muchas cosas divertidas que se reflejan en la película". De vuelta a casa, todo el equipo se puso el delantal y asistió a una serie de clases de concia en las que los artistas informáticos, más acostumbrados al ratón y al teclado, aprendiendo a cortar y trocear como lo hacen los profesionales. Esto era muy importante para comprender los detalles más pequeños pero imprescindibles como puede ser la forma en la que el chef coge un cuchillo, corta cebolla, remueve una sopa o se comunica con los demás en una cocina en la que reina un ritmo infernal. Las clases de cocina aportaron muchos conocimientos creativos y también algunos efectos secundarios muy graciosos. “Casi me arruino", dice riéndose Mark Walsh, supervisor de animación. “Yo era un devorador de comida congelada y de latas de atún y de repente me di cuenta que era mucho más divertido comer algo bueno”.

Mientras tanto, Brad Lewis se desplazó a Napa Valley, donde hizo un curso intensivo de dos días en uno de los mejores restaurantes de los Estados Unidos, en el que por cierto es casi imposible conseguir una mesa: el French Laundry. Allí, el famosísimo chef Thomas Keller, considerado uno de los profesionales más innovadores de la cocina, revoluciona todas las noches los platos más clásicos y más apreciados.

Cuando Keller se enteró de la historia de Remy, se quedó fascinado. “La gente creía que iba a espantar la idea de una rata en la cocina”, dice entre risas. “Muy al contrario, creo que Remy es alguien con el que es fácil identificarse. Es un outsider que triunfa, y eso es maravilloso”.

Aparte de prestar su voz al dueño de un restaurante en la película, el papel de guía en el mundo de la gastronomía fue mucho más importante para Lewis. “Brad quería saber cómo es una cocina de verdad, la energía, la dinámica y cómo la gente se mueve en una cocina – “el baile” como decimos nosotros en nuestro restaurante”, explica Keller. “Brad y su equipo también filmaron mucho material en vídeo en el French Laundry para poder estudiarlo y pasar de la realidad a la animación”.

Lewis, que la primera noche trabajó hasta la 1:30 de la mañana y volvió al día siguiente a las 5:30, afirma que mereció la pena porque comprendió lo que motivaba al personaje de Remy, un apasionado de la buena comida. “En una cocina como la del French Laundry hay muchos detalles y muchos secretos que aprender", observa Lewis. Y añade: “pero lo más importante fue descubrir que Thomas tiene la misma conexión emocional con sus platos y sus clientes que nosotros con el público que va a ver las películas de Pixar. Así que teníamos muchos más puntos en común de lo que creíamos: para ambos es esencial lo implicados que se sientan nuestros equipos en el trabajo que tienen que hacer. También descubrí que me gusta cocinar por la misma razón que la mayoría de los chefs: porque reúne a la gente”.

Pero, a pesar de todo lo que los realizadores habían visto y probado en París, en las clases de cocina y en el French Laundry, sabían que transformar en imágenes por ordenador esa maravillosa sensación que proporciona un plato de buena comida, iba a ser una tarea ardua. “Nuestra misión consistía en crear la comida más maravillosa jamás vista en una película de animación. Queríamos que el público pensara: '¡Mmmm, me gustaría meterme en la pantalla y comerme eso tan rico!'Ya es difícil crear todos esos platos en la vida real, así que no digamos en el entorno de las imágenes generadas por ordenador", afirma Michael Fong. “Así que los realizadores tuvieron que 'cocinar' una serie de procesos técnicos y creativos totalmente únicos.

Para empezar, el equipo técnico se dio cuenta de que necesitaban maquetas reales de la comida para poder estudiarla. “La única forma de recrear el aspecto que tienen los platos cuando las salsas están cociendo y el vapor humea, era cocinar de verdad los platos en una cocina de verdad y después fotografiarlos”, afirma Fong.

Aquí entra el asesor gastronómico de la casa, Michael Warch, que era un chef profesional antes de incorporarse a la industria del cine, y que también trabajó como manager de los departamentos de maquetación y de platós de RATATOUILLE (Ra.ta.tui). “Tenía que estar siempre preparado. La gente de efectos me llamaba y me decía que necesitábamos a recrear la sopa que acaba de rehacer Remy. Así que yo iba y hacía la sopa", explica Warch.

Warch trabajó durante toda la película para garantizar esa autenticidad que incluso los gourmets más snob valorarían. Esto ocurría sobre todo en la cocina de Gusteau’s.

“La idea era crear algo que resultara estilizado y divertido pero que también se pareciese lo más posible a una cocina francesa de verdad", afirma. “Necesitábamos contar con los cacharros de cobre típicamente franceses, los cuchillos franceses auténticos, la cadena de trabajo que hace que los chefs estén siempre en movimiento hasta que la comida esté emplatada con las diferentes salsas y la presentación arquitectónica. Queríamos que todos los que hubiesen estado alguna vez en la cocina de un gran restaurante dijeran: '¡Wow, lo han conseguido’!”

Cuando llegó el momento en transformar la comida en imágenes generadas por ordenador, el equipo se enfrentó a un sinfín de problemas técnicos. “Descubrimos que el grupo de simulación necesitaba ablandar mucho la comida para que se mezclase bien en el plato", dice Fong. “Eso le daba un aspecto aún más delicioso. El grupo de iluminación y modelado también añadió transparencia lo que hace que la comida sea más apetecible. Y por último, el grupo de efectos creaban el vapor y las olas de calor que salen del plato. Todo esto hacía que el plato fuera muy apetecible”.

Algunos alimentos eran más difíciles que otros. Por ejemplo, el pan, que parece algo fácil de reproducir. Pero si quieres darle ese aspecto de 'querer devorarlo', surgían un montón de dificultades. “El pan es complicado porque da una sensación de volumen", explica Fong. “No se puede pintar una superficie plana que se parezca al pan. Tiene que tener burbujas de aire que se forman cuando se cuece el pan y que le dan ese aspecto de recién hecho. La corteza tiene que tener escamas para que parezca crujiente. Así que tuvimos que contar con gente muy especializada para superar todos esos problemas".

Otro problema que tuvo que abordar el equipo de la comida fue el sinfín de líquidos que hay en un restaurante, desde salsas espesas a vino tinto. “Simular cosas como mandarinas en una salsa es algo muy complejo y puede ser una verdadera proeza", anota Fong. “Simular agua también entraña una gran dificultad. Simular un fluido viscoso que parece moverse a cámara lenta como la salsa o una decoración hecha con salsas, es muy difícil porque hay pocos simuladores que puedan reproducir su física. Y suspender cosas en este líquido es aún más difícil”. Sigue diciendo: “También necesitábamos simulaciones de fluidos especiales como la forma que se mueve un líquido dentro de una cuchara, por ejemplo, en la escena en la que Remy salva una sopa importantísima”.

La mejor prueba de que el equipo de la comida lo estaba haciendo bien fue que al verlos, a Thomas Keller se le abría el apetito. “Algunos de los platos que crearon tenían tan buen aspecto que me daban ganas de probarlos", dice Keller. “La forma en que emplataban, presentaban y sazonaban la comida era fantástica y lograron trasladar al proceso de animación ese maravilloso aspecto que tiene la buena comida”.

Ratatouille: Nueva Visión de París

2011-09-02T12:24:00.001+02:00

Seguramente, París es la cuidad más fotografiada, pintada y adorada de todo el mundo, pero RATATOUILLE (Ra.ta.tui) nos ofrece una visión totalmente nueva. La historia de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) discurre en dos lugares igualmente maravillosos de la ciudad: el mundo urbano y deslumbrante de los restaurantes y cafés por encima de las calles y el intrincado, misterioso y laborioso mundo que discurre debajo de ellas, en donde la peluda familia de Django instala su hogar. “París se ha visto de muchas formas, pero nunca antes desde la perspectiva de una rata", afirma Brad Bird. Para ofrecer esta nueva visión de la ciudad, Bird trabajó codo con codo con el diseñador de producción Harley Jessup, que tuvo que enfrentarse a una de las misiones más interesantes para cualquier profesional del diseño animado: no sólo tenía que reproducir la esencia de la Ciudad de la Luz en un mundo generado por ordenador, sino que tenía crear un paisaje que era algo más que un fondo, una especie de personaje que insufla pasión y vida en el mundo de Remy. Como era de esperar, Jessup empezó su apasionante trabajo viajando a Francia con la directora de fotografía/iluminación, Sharon Calahan. “Buscábamos sobre todo el color, las formas y las superficies", explica Jessup refiriéndose a su apasionante viaje. “Decidimos utilizar una paleta de colores que no se había usado antes. Comprendimos que París tiene ese estilo clásico que le da la piedra, salpicado con trazos de color. Vimos a una mujer por la calle con un abrigo rojo que resaltaba sobre el fondo gris y eso es lo queríamos reproducir en la película. Por esa razón la paleta de colores es más sorda que en otras películas de Pixar. Nos arriesgamos bastante ya que las películas animadas suelen rebosar color. Nosotros utilizamos el color para realzar las cosas, y estoy convencido que esa contención en el color de la mucha fuerza a la cinta”.

En lo que se refiere a las florituras, Jessup se contuvo menos. “Queríamos crear un cuento de hadas clásico y típicamente parisino", añade. “Es una ciudad que desprende mucha magia, pero hicimos que todas las agujas y las cúpulas parecieran más prominentes para acentuar su belleza”.

A pesar de que muchas de las localizaciones de la película son imaginarias, Jessup recreó fielmente algunos lugares legendarios, sobre todo el Puente Alexandre III, ese maravilloso puente con arcos sobre el Sena, donde Linguini y Remy acuerdan su muy original forma de asociarse. “Remy y Linguini están bastante deprimidos, así que Brad quería que la escena discurriera en un escenario grandioso, con el Sena y la Catedral de Notre Dame de fondo", explica Jessup. “Intentamos recrearlo con la mayor autenticidad posible”.

Incluso los famosos cielos de París sirvieron de inspiración para el departamento de diseño de producción. “Los cielos de París son muy especiales y no es de extrañar que aquí naciera el Impresionismo", añade Jessup. “La luz tiene una calidad especial; es un poco brumoso, e intentemos reproducirlo en todas las escenas que discurren en el exterior”.

Para investigar el mundo subterráneo en el que vive Remy y sus compañeros roedores, Jessup se sumergió literalmente en las entrañas de París, descendiendo a la famosa red de alcantarillado creado por el mismísmo Napoleón. “Hicimos un tour por las alcantarillas y también por las catacumbas y los túneles de piedra caliza que se utilizó para construir las famosas estructuras", recuerda Jessup. “Sin lugar a dudas fue un viaje muy extraño, ya que de día explorábamos las alcantarillas y por la noche cenábamos en los mejores restaurantes de la ciudad. Pero de eso va la película. Se supone que una rata como Remy no debe ir a los lugares a donde van los humanos, pero ahí es donde termina”.

A Jessup le pareció que las verdaderas alcantarillas eran demasiado húmedas y frías y también estrechas, así que las embelleció un poco. “Queríamos que fueran más grandiosas y más poéticas", añade, "pero al mismo tiempo no queríamos pasarnos.

Utilizamos algunas de las formas clásicas que usamos en el mundo humano que se encuentra arriba, pero un poco más áspero, cubierto de algas y musgo. También creamos los campamentos de ratas, que tiene un estilo gitano. Los trocitos de tela, las cajas de vino francés que utilizamos conforman una atmósfera cálida y muy familiar, al igual que la hoguera que les sirve para calentarse”.

La familia de Remy utiliza todo lo que encuentra a su alrededor en un derroche de ingenio e imaginación. Jessup disfrutó especialmente creando los barcos provisionales en los que escapan de la campiña francesa hasta llegar a un desagüe. “Todos los barquitos están construidos con objetos que han ido encontrando", explica Jessup. “Están hechos con regaderas y teteras, y son geniales”.

Los efectos intervinieron cuando se crearon las corrientes de agua que arrastran a las ratas a bordo de su destartalada embarcación. “Técnicamente, es muy difícil trabajar con aguas que se mueven", afirma Apurva Shah, supervisor de efectos. “Recrear el ambiente del río, la dinámica de la lluvia y el río y el éxodo de las ratas, fue una tarea realmente ardua. En los últimos años, las simulaciones de agua han avanzado mucho y ahora parecen mucho más realistas”. Para reproducir con veracidad cómo funcionan las aguas bravas, Shah y su equipo hicieron un viaje por el American River de categoría III y que se encuentra cerca de Sacramento.

El plato fuerte de Jessup consistía en diseñar el lugar en el que Remy se da cuenta por primera vez de que sus sueños pueden hacerse realidad: la cocina del Gusteau’s. “El diseño de la cocina fue cambiando a lo largo de dos daños", afirma. “Visitamos un montón de cocinas francesas de verdad y utilizamos algunas de sus características más específicas. La gran diferencia con nuestra cocina estriba en que es mucho más abierta, mientras que en la realidad las cocinas son una serie de salas pequeñas conectadas entre ellas, muy difíciles de filmar. Pero hemos mantenido zonas separadas donde se cuece, donde se fríe el pescado, donde se hace la carne, donde se prepara la comida, etc. Y para todo esto necesitábamos un espacio bastante grande”.

Ese espacio se convierte en el escenario de todo tipo de situaciones cómicas cuando Remy entra en él, lo que también supuso un desafío para los directores de fotografía de la película. A pesar de que a Remy le gusta cocinar, una cocina humana está llena de peligros que debe evitar, desde caerse dentro de los cacharros a nadar en un fregadero lleno de agua sucia.

Todo esto refuerza el sesgo de comedia física que tiene la película. Robert Anderson, director de fotografía/cámara afirma: “En muchas ocasiones las cámaras parecen tan enloquecidas como el ambiente que reina en la cocina. En algunas escenas, Remy está cocinando, absorto en su mundo, y la cámara empieza a rodar de forma fluida y ágil al compás de la música mientras prepara un plato absolutamente maravilloso. Y de repente, descubren que Remy está en la cocina y la cámara se dedica a perseguirle, mientras que la gente le tira cosas y está a punto de que le atrapen y acabe en un horno. La cámara siempre está con él, siguiendo todo lo que hace”.

En la película, el comedor del Gusteau's tiene mucho peso en el aspecto extravagante de la película. Está inspirado en algunos de los restaurantes más famosos de París como Guy Savoy, Taillevent, La Tour d’Argent y Le Train Bleu, el precioso establecimiento estilo Belle Epoque situado en la Gare de Lyon (la estación de tren), famoso tanto por su grandiosa y ecléctica decoración como por su cocina de estilo clásico.

“Nos inspiramos en varios restaurantes franceses, pero el Gusteau's es el más recargado de todos", confiesa Jessup. “Está repleto de enormes columnas doradas, frescos en el techo y gruesas tapicerías de color rojo. Es un palacio a escala y el escenario perfecto en el que el pequeño Remy intentará convertirse en un chef”.

Ratatouille: Crear las ratas

2011-08-31T12:22:00.000+02:00

Gracias al variado y numeroso grupo de personajes y situaciones, RATATOUILLE (Ra.ta.tui) se convirtió en una fuente inagotable de inspiración y contribuyó a que los realizadores se atrevieran con verdaderas proezas tecnológicas. Tal y como afirma Michael Fong, director técnico de supervisión: "Esta película presentaba un sinfín de desafíos técnicos, empezando por la multitud de personajes peludos, unos personajes humanos muy complejos, escenas muy intensas en las corrientes de agua y la recreación de la maravillosa ciudad de París. Fuimos introduciendo muchos cambios a medida que sombreábamos. Las dificultades empezaron al tener que animar especies en las que no se había trabajado nunca. Los animadores de Pixar han creado un zoo de lo más variopinto, que va de juguetes a insectos, pasando por peces y monstruos, pero nunca habían trabajado con ratas, una especie desconocida y... casi prohibida. Las ratas suelen hacer los papeles de malos en los dibujos animados, y el mundo de la animación no se ha ocupado mucho de esta especie de los roedores. Pero en RATATOUILLE (Ra.ta.tui), los realizadores decidieron que debían abordar a estos animalitos peludos desde una perspectiva nueva, realzando sus talentos y sus cualidades y analizando todos sus formas de interactuar con el mundo. Esto iba desde la especie de latigazo que dan con la cola a los movimientos nerviosos que hacen con los bigotes, sin olvidar las increíbles formas que pueden adoptar, ya que era necesario que transmitieran simpatía y expresividad. Y dado que la mejor forma de conocer a las ratas es pasar tiempo con ellas, las oficinas de Pixar se poblaron de unos curiosos animalitos encerrados en sus jaulas.

A pesar de que llevó algo de tiempo acostumbrarse a ellas, muchos acabaron tomando cariño a estos sociables bichos, que iban a inspirar sus diseños. Brian Green, supervisor de personajes de la película afirma: “Pasamos mucho tiempo observando e intentando conocer a las ratas para luego incorporar sus comportamientos en los modelos. Eso permitió a los animadores crear personajes muy convincentes. Cuando vives con ratas, ves todos sus ademanes. Son animales muy sociables. Les gustaba jugar con nosotros y también que las acariciáramos”.

Dylan Brown, supervisor de animación continúa diciendo: “Nos gusta respetar la verdadera personalidad de los animales que se convierten en los personajes de nuestras películas. Con RATATOUILLE (Ra.ta.tui), el reto estaba en encontrar la forma de que estos pequeños seres y su mundo resultaran atractivos para el público, al igual que hicimos con los peces, que resultaron tan conmovedores en ‘Finding Nemo (Buscando a Nemo)’”.

Observar la vida de sus nuevas mascotas brindó una excelente oportunidad a Green y a su equipo. Sacaron un montón de ideas divertidas y descubrieron un mundo totalmente desconocido. “Una de las cosas más asombrosas que descubrimos fue la flexibilidad que demuestran las ratas. Una rata puede hacer todo tipo de cosas con su cuerpo: se meten en agujeros imposibles gracias a que su caja torácica es muy pequeña y flexible. Eso nos sirvió para que la historia fuera mucho más divertida. Pero al principio, tuvimos que crear programas informáticos especiales que simularan esas cualidades con el fin de que resultara lo más realista posible", explica Green.

Michael Fong, director técnico de supervisión continúa diciendo: "Conseguir que una rata sea flexible planteó un montón de dificultades. Fue un proceso largo y laborioso durante el cual los animadores y los articuladores -la gente que construye los esqueletos dentro de los personajes- realizaron pruebas que duraron meses. El objetivo era recrear las posturas más raras que pueden adoptar estos animales, haciendo que la piel, el pelo y los huesos se movieran de tal forma que pareciera creíble y expresiva”.

Una vez que los realizadores comprendieron cómo se movían las ratas en el mundo real, empezaron las elucubraciones, como por ejemplo, ¿cómo se las arreglaría una rata para coger una cuchara o una sartén?

“Necesitábamos que los personajes de las ratas pudieran moverse como los humanos e incluso cocinar como chefs humanos. Esto planteó un sinfín de problemas, sobre todo en lo que se refiere a la escala", dice Green. “Todo el mundo percibe la diferencia de escalas, incluso en algo tan simple como el latido del corazón. Cuando Remy corre se aprecia cómo su corazoncito late a toda velocidad. Por el contrario, Skinner respira de una forma totalmente diferente. Reproducir todas estas diferencias es una de las proezas de la película que nos ofrece el encuentro creíble de dos mundos”.

El sombreado también fue una de las claves. “Cada una de las ratas tiene su propia paleta de colores para que parezcan interesantes y atractivas", explica Van Valkenburg, director de sombreado artístico. Y añade: “Utilizamos el puntillismo para mezclar los diferentes colores de cada personaje. Así que si te fijas muy de cerca en el pelo de Remy, ves que es morado, amarillo y verde. Pero no es nada de eso, es sólo una bonita tonalidad de azul”. Van Valkenburg también se inspiró en los melocotones. “Quería que tuvieran un toque color melocotón en el morro y en las orejas, y también en las colas”.

Pero lo más difícil fue crear el personaje de Remy, que está a caballo entre el mundo humano y el mundo animal y que da pie a situaciones muy divertidas. Bird decidió que el resto de las ratas caminaran sobre las cuatro patas. Por el contrario, Remy aprende él solo a tenerse en pie con dos patas, con el fin de evitar un faux pas y manchar con sus zarpas sucias toda la comida! “Una de las cosas más interesantes de la película es la evolución de Remy", explica Green. “Empieza siendo "muy rata" pero a medida que se adentra en el universo de los humanos, va adoptando sus características. Fue un trabajo increíble, pero aporta mucha magia a la película. Para Brad, el meollo de la historia era la de un outsider que intenta encajar en un mundo humano”.

Hay otro aspecto de las ratas que plantearon muchos problemas a los animadores: el pelo, un material que tiene su propia dinámica y que no es fácil de imitar sobre todo cuando se trata de los movimientos de un animal. Pixar ha innovado muchísimo en el campo del pelo en “Monsters, Inc. (Monstruos S.A.)” y en “The Incredibles (Los Increíbles)”, pero en RATATOUILLE (Ra.ta.tui), el pelo volaba literalmente. “Esta vez, teníamos un montón de personajes peludos, y todo ese pelo necesita moverse al ritmo de todo lo que está pasando", dice Green. “Así que nos pusimos manos a la obra para lograr que el pelo se moviese. Fue muy difícil pero también nos sirvió para inventar un montón de trucos nuevos”.

Las ratas de verdad suelen tener medio millón de pelos. Pero eso es demasiado peludo incluso para los ordenadores actuales. Así que los realizadores se centraron en unos 30.000 pelos por rata, lo que es una cifra considerable. “Elegimos algunos pelos clave para simularlos y dejamos el resto porque de lo contrario hubiese sido imposible almacenar tantos datos", explica Christine Waggoner, supervisora de simulación. “¡De todas formas, seguíamos teniendo archivos gigantescos de pelos!”

Las ratas de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) son muy realistas, casi humanas, pero también tienen mucho de cuento de hadas, algo que se hace evidente en las escenas en las que Remy control a Linguini como si fuera su marioneta. Para los realizadores, el éxito de la película reside en que el público se enganche con una historia tan fantástica y divertida. “Los animadores trabajaron intensamente para que el mechón más pequeño del pelo de Linguini provocara un movimiento con la mano”, afirma Brad Lewis. “Es realmente divertido. Esta película tiene mucho de humor físico de la vieja escuela de Buster Keaton, en las que el público se desternillaba de risa sin que se oyera una sola palabra en la pantalla”.

Ratatouille: Los Personajes Cobran Vida

2011-08-29T12:20:00.001+02:00

Al igual que sucede en todas las películas de Pixar, el alma de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) se esconde en los personajes que ya sean homo sapiens o genus rattus, aportan sus personalidades únicas, sus rarezas y sus pasiones a la historia. Sus visicitudes vitales y sus dilemas maravillosamente familiares, que van de conflictos familiares a problemas de trabajo pasando por la lealtad con los amigos, son el resultado de un trabajo artístico conjunto que empieza con un reparto de voces inolvidable y continúa con una animación de última generación, repleta de talento artístico. Con todo esto se consiguen personajes humanos y animales que destacan por su creatividad dentro del mundo de las imágenes creadas por ordenador. Todo empieza con Remy, que a pesar de ser una rata, se comporta como un inesperado héroe. Detrás de sus bigotes, su rabo y sus orejas puntiagudas se esconden ambiciones y sueños con los que todos nos podemos identificar. “Lo que me gusta del personaje de Remy es que no se conforma con cualquier cosa", añade Bird. “Siempre oteando el horizonte en búsqueda de nuevas experiencias. Y como es lógico, es la rata más delgada del mundo, ya que sólo se conforma con lo mejor de lo mejor. Siempre está pidiéndole más a la vida, y esa idea me fascina”. Patton Owalt, que presta su voz en la versión inglesa afirma: “Remy es como uno de esos tipos que son visceralmente apasionados y que no se avergüenzan de serlo. Su entusiasmo es contagioso y no tiene la intención de tirar la toalla. Decide poner toda la carne en el asado para que sus sueños se hagan realidad. A este diminuto personaje le espera un largo y difícil camino".

Y añade: “Brad es un fanático de la animación. Incluso más que yo. Tiene todo el universo de la película en su cabeza y es tan creativo que siempre está dispuesto a darte ese tipo de consejos que convierten una frase o un diálogo en algo grande". “Soy un gran aficionado a la comida y toda la gente de la película es como yo, así que fue muy divertido. En esta película, la comida conforma el más maravilloso paisaje gracias al arte con que está hecha. Pixar siempre está experimentado con cosas nuevas en sus películas animadas y eso me encanta”.

Cuando llegó el momento de crear los rasgos de Remy, Bird quiso darle toda la expresividad que pueda tener un roedor. “Las articulaciones faciales de los personajes son cada vez mejores y al final contábamos con 160 controles individuales para reproducir las expresiones en la cara de Remy", explica Bird.

“Es como tener más teclas en un teclado, y te ofrece muchas más posibilidades. Pero uno de los mayores retos con el que nos encontramos es que la cara de una rata no se puede filmar bien desde todos los ángulos. Las ratas tienen un morro tan alargado que la boca casi no se ve, sobre todo cuando el ángulo de la cabeza de Remy está muy inclinado. Así que trabajamos bastante en esto, para que el público supiera siempre lo que está diciendo”.

Los sueños de Remy no tenían muchas posibilidades de hacerse realidad hasta que conoció a Linguini, el pinche del Gusteau's que descubre el talento de la rata que cambiará para siempre su destino. A pesar de que empiezan siendo compañeros de penas, Linguini necesita desesperadamente conservar este trabajo y Remy espera poder trabajar en un restaurante de verdad. Así que poco a poco Remy y Linguini se hacen inseparables y aprenden a contar el uno con el otro.

Oswalt afirma: "Linguini es el único ser humano en el que Remy puede confiar y traban una amistad muy divertida y realmente original. Linguini es tan encantador que estás deseando echarle una mano”.

En algunas de las escenas más divertidas de la película, Linguini deja que Remy controle literalmente sus intentos de cocinar. Bird lo explica: “A Linguini le gusta pasar desapercibido y gracias a Remy todos se fijan en él. Es un buen ejemplo de ese tipo de personas que no creen tener nada especial pero que cuando llegan los malos momentos se dan cuenta de que sí que son especiales y que son capaces de superar cualquier cosa”. Brian Green, el supervisor del personaje, confiesa que tenía otro personaje contemporáneo en la recámara de su mente en relación a Linguini – “pensé en Napoleón Dinamita; es conmovedor, es divertido y es alguien con quien no puedes evitar encariñarte", afirma.

David DeVan, director de animación, afirma: “Fue muy divertido animar a Linguini porque tiene esa capacidad de asombro tan fantástica. Lo mira todo como si lo viese por primera vez”. Otro de los retos de los realizadores fue el pelo de Linguini, que no sólo es una de las claves de su personaje, sino que además se convierte en una especie de “joystick” con el que Remy controla sus fantásticos movimientos a la hora de cocinar. “El pelo de Linguini es indomable, al igual que él” añade el supervisor de accesorios Sanjay Bakshi: “Tiene un estilo que nunca habíamos hecho antes”.

Lou Romano, que prestó su voz al personaje de Linguini en la versión inglesa afirma: “No hay duda de que Linguini es muy inseguro y es como un pez fuera del agua cuando está en la cocina, así que recordé mis propias experiencias y lo que se siente cuando te sientes un extraño”.

Muy al contrario, quién está totalmente en su elemento en la cocina es Auguste Gusteau, el legendario chef y máximo ídolo de Remy y que se le aparece para inspirarle. Al hablar de Gusteau, Brad Bird afirma: "Fue lo más del mundo de la cocina y rebosa autoridad y pasión. Es el mentor o la conciencia de Remy, como un Jiminy Cricket o un Obi Wan Kenobi, que le empuja a ser más valiente y más inventivo”.

El personaje exigía toques tecnológicos muy especiales. "Tuvimos que crear un montaje especial para él porque está tan gordo que se desparrama por todas partes. Es muy flexible y es producto de la imaginación de Remy, así que puede volar. Sin lugar a dudas es un personaje absolutamente único”, dice Brian Green.

Los realizadores también se divirtieron mucho diseñando el personaje de Skinner, que mide 1,10 m. “El reto que planteaba Skinner era su expresividad, sus enormes labios y la forma en la que mueve el cuello", dice Green. “Es muy dinámico”.

Ian Hom presta su voz a este personaje y dice riendo: "No creo que se parezca a mí. Tiene unos ojos muy grandes, un bigotito muy fino y se peina los cuatro pelos que tiene para no parecer calvo. Es un tipo bastante feo. Es bastante chocante poner la voz a un personaje con éste”.

En el caso del personaje de Django, el padre de Remy que no entiende por qué su hijo quiere pertenecer a un mundo que no le acepta, el director afirma: “Django representa toda esa sabiduría del Viejo Mundo, cuando las ratas y los humanos no se mezclaban”.

En el caso de Collette, una de las cocineras que lucha para sacar a flote el restaurante Gusteau's, Bird afirma: “Colette es una chef mujer en un mundo mayoritariamente masculino, así que se pone un caparazón para que no la hagan daño, pero debajo se esconde una personalidad conmovedora. “Queríamos que tuviera un pelo que llamara mucho la atención", dice Green. “Es muy francesa y tiene un estilo muy elegante. Pensé en ella como en una flor que todavía no ha florecido, y se puede apreciar como va creciendo a medida que avanza la historia”.

A Peter O'Toole, que presta su voz al personaje de Mr. Ego, le encantó los poderes supremos de este personaje que encarna un despiadado crítico gastronómico. “Su opinión puede encumbrar o hundir en la miseria a cualquier restaurante”, dice O’Toole. “Si él dice 'El pudding de Yorkshire es magnífico, sigues en el negocio, pero si dice 'La sopa de almejas de Nueva Inglaterra es horrorosa, estás fuera de juego”.

Sin embargo, O’Toole sentía mucha simpatía por Mr. Ego. “Lo que le salva es su pasión por la gastronomía", afirma. “Perdona cualquier crítica si critica algo que se ama”.

En la versión inglesa, Peter Sohn, un artista y animador de Pixar presta su voz a Emile, el hermano de Remy, una rata comilona y con sobrepeso que prueba todos los platos que hace su hermano. “Emile es un tipo muy relajado", dice Sohn. “Es capaz de comerse cualquier cosa, así que él y Remy, que tiene un gusto muy particular, ponen en marcha una dinámica muy divertida. Pero además, Emile siempre está cuando Remy lo necesita. Su filosofía se resume en la frase: 'Al final no puedes luchar contra lo que eres”.

En RATATOUILLE, John Ratzenberger pone su voz al camarero Mustafa, al que describe como a alguien "que siempre está al borde del infarto. Es muy agradable con sus clientes, pero en cuanto cruza la puerta de la cocina, no deja de protestar porque los platos no están listos inmediatamente, o porque la sopa no está bastante caliente, etc.”

Después de grabar las voces, los animadores se enfrentaron a un reto que no habían previsto: animar personajes que hablan con acento francés lo que se significa que sus bocas tenían que moverse de manera muy diferente y totalmente nueva. “Cuando alguien habla con acento francés, la boca se mueve de forma diferente", afirma Mark Walsh, supervisor de animación. “Tuvimos que encontrar la forma de reproducir esta particularidad, no sólo para las voces, sino para que los gestos y los ademanes parecieran creíbles”.

Y para inspirarse, los animadores se dedicaron a observar a los franceses comportándose como franceses. “Llegamos a ver películas francesas clásicas y para recrear algunos de los personajes nos basamos en grandes actores franceses", afirma Brian Green. Las caras de estos iconos franceses fueron las de Brigitte Bardot, Serge Gainsbourg e incluso Charles de Gaulle les sirvió de inspiración para algunos personajes.

Brad Bird resume la interacción que se produjo entre las voces de los actores y los animadores: "¡Las situaciones de la historia y las magníficas interpretaciones vocales de los actores fueron como un afrodisíaco para los animadores!”

Ratatouille: El Proyecto

2011-08-27T12:19:00.001+02:00

Remy sueña con convertirse en un gran chef francés a pesar de la oposición de su familia y del problema evidente que supone ser una rata en una profesión que detesta a los roedores. El destino lleva a Remy a las alcantarillas de París, pero su situación no podría ser mejor, ya que se encuentra justo debajo de un restaurante que se ha hecho famoso gracias a Auguste Gusteau, una estrella de la cuisine. A pesar del peligro que representa ser un visitante poco común (y, desde luego, nada deseado) en los fogones de un exquisito restaurante francés, la pasión de Remy por la cocina pone patas arriba el mundo culinario parisino.

En muchas ocasiones, Pixar ha transportado al público a un mundo de aventuras totalmente original poblado de los personajes más asombrosos e inolvidables del cine. Desde juguetes que toman vida (“Toy Story [Toy Story. Juguetes]” y “Toy Story 2 [Toy Story 2. Los Juguetes vuelven a la carga]”), a un grupo de monstruos aterrorizados por una niña que se adentra en su mundo (“Monsters Inc. [Monstruos S.A.]”), pasando por un pez diminuto perdido en el inmenso océano (“Finding Nemo [Buscando a Nemo]”), superhéroes intentando vivir en la periferia de la ciudad (“The Incredibles [Los Increíbles]”), hasta un coche de carreras perdido en la Ruta 66 (“Cars”), este estudio de animación de última generación nos ha hecho disfrutar con unas fantásticas historias que cautivan la vista y el corazón. Este verano, con RATATOUILLE (Ra.ta.tui), esa tradición narradora se atreve a dar un paso de gigante y nos presenta una historia divertidísima que raya en lo inverosímil que además está repleta de acción. La película cuenta la historia de una jovencísima rata llamada Remy dispuesta a abandonar su antigua vida -que consiste en rebuscar en la basura algo comestible- y dedicarse a la cocina. Esto le lleva a un mundo en el que puede dar rienda suelta a su talento pero que al mismo tiempo encierra peligros de todo tipo, una circunstancia que da lugar a todo tipo de situaciones caóticas y de lo más cómicas que además están salpicadas de personajes absolutamente extravagantes. Remy aprovecha la única oportunidad que tiene y aterriza en la cocina de un restaurante de cinco estrellas que tiene problemas. Allí hará amistad con el pinche del restaurante y juntos diseñarán un inteligente plan que pone los pelos de punta -literalmente- y que permitirá que dos infelices hagan realidad el sueño de su vida.

Entre peligros y situaciones rocambolescas, la película también aborda temas universales como son los lazos de amistad y la lealtad; la batalla que libramos todos contra lo que espera de nosotros la familia y lo que queremos ser en realidad; y sobre todo, la importancia de ser fiel a uno mismo, incluso cuando te conviertes en alguien que nadie imaginaba.

Brad Bird, el director de la película afirma: "Creo que todos tenemos sueños imposibles y que hacemos lo que podemos para hacerlos realidad. Pero el sueño de Remy es sin lugar a dudas el más descabellado de todos”.

John Lasseter, consejero delegado creativo de Walt Disney y de Pixar Animation Studios, galardonado con dos premios de la Academia® al Mejor Director, afirma: “A Brad Bird le fascina la idea de tener una pasión creativa y luchar por ella contra todo y contra todos. Y lo demuestra creando una película fantástica muy divertida con un planteamiento original y un mensaje muy emotivo. Esta película destila profundidad, complejidad y humor como no se ha visto hasta ahora en ninguna cinta de Pixar”.

Para Bird, RATATOUILLE (Ra.ta.tui) era una oportunidad de poner en escena una especie de comedia física tipo Buster Keaton o Max Sennett, repleta de destellos, saltos, persecuciones y giros inesperados — pero que también esta imbuida con el espíritu de personajes con personalidades muy fuertes que luchan a brazo partido con la adversidad.

La historia, una mezcla muy original de ingenio, acrobacias, un ritmo endiablado y grandes y profundas emociones fue un maravilloso reto para Bird, que debutó en Pixar con “The Incredibles [Los Increíbles]”, premiada por la Academia y que es una película de animación increíblemente compleja y emotiva, y que estuvo en muchos Top Ten, junto con sus primos en la película de acción real, y que acabó con las barreras que existían entre las dos versiones.

“Estaba muy intrigado por las posibilidades que ofrecía RATATOUILLE (Ra.ta.tui)”, afirma Bird. “La historia cuenta con un héroe maravilloso y muy interesante llamado Remy. Remy está decidido a hacer lo que le gusta y para conseguirlo tiene que adentrarse en un mundo que siente una enorme hostilidad contra él. El quiere expresarse pero el mundo no espera eso de él, y estoy convencido de que mucha gente se identifica con esa sensación”, afirma Bird. “La pregunta está en saber lo inteligente y audaz que deberá ser este pequeño ser para conseguir lo que más quiere en el mundo y lo qué descubrirá durante el camino. La historia se enmarca en ese tipo de comedia física intemporal que se entiende en todas las lenguas y culturas, pero que hemos sazonado con un enfoque muy original”.

A Bird le fascinaba poder dotar a la película de giros y cambios descabellados, que van del suspense más terrorífico a la comedia desternillante, de navegar por las aguas bravas de la intrincada red de alcantarillas de París a la olla a presión que es un restaurante que sirve la cena con un crítico gastronómico a bordo. “Una de las cualidades de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) es que nunca se sabe lo que va a suceder”, afirma Bird.

“Si hemos hecho bien nuestro trabajo, cuando creas que hay que ir por la izquierda, irán por la derecha y viceversa. Y espero que no sólo provoque la risa sino que también llegue al corazón”.

La magia de RATATOUILLE (Ra.ta.tui) empieza con el encanto que destilan sus personajes, desarrollados por Bird y Jan Pinkava, que concibió la historia de la película y cuyos personajes entran en el panteón de Pixar gracias a su expresividad y a su fuerza. Y en el centro de esta atractiva y emotiva historia nos encontramos con las numerosas y variadas relaciones de Remy, entre los que se encuentra el cariñoso pero desconcertado padre que no entiende el camino que ha elegido; con el fantasma del legendario chef francés que ha idolatrado durante toda su vida, a pesar de pertenecer a especies diferentes, y sobre todo con Linguini, con quien traba una amistad bastante extraña y simbiótica basada en la misma desesperación pero que se convertirá en una alianza que cambiará la vida de ambos.

A pesar de que los roedores han hecho una brillante carrera en el mundo de la animación, desde el mismísmo Mickey Mouse, las ratas suelen hacer de malos y en muy escasas ocasiones hacen el papel de héroes. Pero Remy se las arregla para romper con todos los tabúes y hacerse casi invisible dentro de la cocina, escapando por los pelos, mientras crea platos que se convierten en éxitos arrolladores. Demuestra su valor al utilizar una de las cualidades más humanas y maravillosas de su especie: su capacidad de adentrarse en un mundo mucho más grande que ellos sirviéndose de los métodos más imaginativos, que incluyen formar equipo con Linguini que causará estragos en la cocina.

Para Brad Bird, las numerosas barreras que se alzan entre Remy y el éxito y que van de las expectativas que tiene su familia a la visita inminente del inspector de sanidad- hacen que el argumento de la historia sea mucho más emocionante y humorístico. “Cuando cuentas con un protagonista que tiene que superar obstáculos de esta envergadura, los animadores se frotan las manos. Es un mundo lleno de posibilidades dramáticas y humorísticas", afirma el director. “Siempre me han gustado las historias que aprovechan al máximo las posibilidades del personaje, pero este caso rebasa todo lo conocido”.

Y tiene toda la razón, ya que con su endiablado ritmo cómico, sus descabelladas locuras y su maravilloso colorido, RATATOUILLE (Ra.ta.tui) nos ofrece una riqueza visual inédita hasta ahora en una película animada por ordenador, que supera todo tipo de escollos técnicos y marca un hito en la realización de películas de animación. Una de las cualidades más llamativas de la película es su maravillosa recreación de un París mágico. Y además está la comida.

Y no cualquier comida, sino los platos de alta cocina más deliciosos, más apetecibles y mejor presentados que se puedan imaginar. Todos estos ingredientes sumergen al público en un mundo de delicias visuales absolutamente sublimes que nunca se habían abordado en la animación por ordenador y contribuyen a crear un universo tan auténtico que el público casi llega a creerse que una rata puede convertirse en un chef.

Sin embargo, los logros tecnológicos de la película siempre están al servicio de un cuento cada vez más audaz y desternillante que ensalza los retos que conlleva ser leal con los amigos, con la familia y buscar la felicidad en la vida. John Lasseter declara: “Son unos personajes tan encantadores y con unos sentimientos tan sinceros y creíbles que a veces nos olvidamos que son fruto de la tecnología. Y eso se debe a que la historia engancha desde el principio”.

El productor Brad Lewis está convencido que Brad Bird era el hombre perfecto para llevar a cabo una misión que consistía en superar los límites de la comedia animada en nombre de una narración innovadora, sobre todo porque, al igual que Remy, cree firmemente que nada es imposible. “Brad Bird es un hombre tan apasionado y tan entregado como Remy en la película", afirma Lewis. “Nunca he visto a nadie tan obsesionado con la que hace que una película funcione a nivel creativo y emotivo. Tiene una extraña intuición que le permite hacer que las cosas parezcan más naturales, más divertidas o un poco más auténticas. Y es un verdadero genio de la comedia de acción”.

Bird espera que la película transporte al público a un mundo en el que pueden relajarse completamente pero en el que se identifican con las aspiraciones de Remy que intenta desesperadamente salvarse a sí mismo y a sus nuevos amigos del Restaurante Gusteau's. Bird lo resume así: “Si logras que el público crea en algo que es absolutamente inverosímil, entonces habrás comprendido la verdadera magia del cine”.

Fuente: Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios

Wall-E: La Música

2011-08-25T12:17:00.000+02:00

Andrew Stanton y el compositor Thomas Newman se llevaron a las mil maravillas en su primera colaboración, “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), por lo que les pareció natural volver a colaborar en “WALL•E”. Ya que la película hace más hincapié en la narración visual y menos en el diálogo, la música juega un papel aún más importante de lo habitual, ya que ayuda a los realizadores a transmitir sensaciones y a comunicar la historia. Newman colaboró con la leyenda del rock Peter Gabriel en una canción llamada “Down to Earth”, creando un divertido epílogo musical para la película. Stanton observa: “Trabajar con Tom siempre ha sido un sueño para mí. He sido fan de su música porque es muy original. Recuerdo que la primera vez que le hablé de este proyecto fue la noche de los Premios de la Academia® de 2004, donde habíamos acudido con ‘Nemo’. Le dije que tenía una idea para una película, y que tenía que ver con ‘Hello Dolly’ y con la ciencia-ficción. Me preguntaba si volvería a hablarme después de lo que acababa de decirle. Pero dio la casualidad de que la banda sonora de ‘Hello Dolly’ fue compuesta por el legendario tío de Tom, Lionel Newman, así que en cierto modo, todo quedaba en familia". “Lo único que está garantizado cuando trabajas con Tom es que obtendrás algo poco convencional”, añade Stanton.. “Cuando quieres algo que pertenece a un género convencional, como la ciencia-ficción, sabes que vas a obtener algo con un toque distinto. Su banda sonora aporta a la película su propia identidad y no se parece a nada que hayamos escuchado antes. En ‘WALL•E’, alcanzó un nuevo nivel de belleza y majestuosidad, algo que superaba cualquier cosa que hubiese podido imaginar”. Una de las cosas que más admiraba Stanton del trabajo de Newman en “WALL•E”, era su habilidad para captar temas del espacio exterior, así como todos los detalles de la relación entre los dos robots protagonistas. “Tom fue capaz de comunicar una sensación del mundo que estábamos creando con su banda sonora”, señala Stanton.. "En el primer acto hay una escena en la que vemos a WALL•E en su rutina diaria, algo bastante mecánico. La banda sonora tiene un ritmo 'industrial' con un silbido muy débil, casi como si alguien estuviese silbando mientras trabaja. Tom siempre consigue el tono exacto para esos momentos. Y con su estilo único de mezclas una vez que ha grabado el tema con la orquesta, nos ofrece un tema con toda una nueva paleta de sonidos. Tiene una habilidad innata para comprender los sentimientos más íntimos que esconde una escena. Creo que por eso nos entendimos tan bien, porque siempre hago hincapié en los aspectos emotivos de las historias”.

Newman añade: “Escribir música para una película de animación es muy diferente a componer para una cinta de acción real. En la animación, todo se expresa en muy poco tiempo, a veces en segundos. Cuando se transmite algo, inmediatamente comienza la acción. En ‘Nemo’ aprendí que no se puede transmitir algo durante mucho tiempo. Para trabajar en la animación es necesario hacer transiciones, y para ello, la música debe ayudarte a pasar de un sentimiento a otro.

“Mi música tiende a seguir una pauta, suele ser repetitiva. Me gusta trabajar con un percusionista o con un guitarrista que pueda añadir a estas pautas algo que sea interesante a nivel sonoro”, comenta Newman. “Si repites algunas frases, el oído puede llegar a escuchar tonos que aumentan la percepción del sonido y de la música. Lo que me interesa de la música es su profundidad”.

Para la canción “Down to Earth”, que se escucha al final de la película, Stanton tuvo la oportunidad de colaborar con otro de los gigantes de la música, Peter Gabriel. Stanton, que ha sido un gran fan de la leyenda del rock desde que tenía 12 años, se puso en contacto con Gabriel para escribir una canción que formara parte del final de la historia.

Stanton recuerda: “Trabajar con Peter ha sido uno de los mejores momentos de mi carrera profesional. Cuando llegamos al final de la película, supe que necesitábamos añadir algunos puntos argumentales adicionales y crear algo que transmitiese el mensaje general del film. Y de repente me acordé de que Peter es el padre de la música internacional para la mayoría del mundo occidental. La idea de que él y Tom trabajasen juntos me pareció fantástica, porque estaba convencido que el resultado sería maravilloso. Tom viajó a Londres para ver a Peter, y a partir de entonces surgió una historia de amor. De repente, Thomas Newman y Peter Gabriel dieron con esta increíble canción llamada ‘Down to Earth´, que supera con mucho mis mayores expectativas. Las letras de Peter son muy sencillas, pero ha dado totalmente en el clavo. Me emocioné mucho cuando escuché la letra, porque es muy inteligente y encaja a la perfección. Reflejaba a la perfección el estilo de Peter Gabriel, y además estaba basada en la historia que yo había escrito. Me cautivó desde el primer momento”.

“Se nota mucho que es una canción de Peter Gabriel, pero también tiene la capacidad de conexión y la sensibilidad de Tom”, añade Stanton.. “Tom se sintió tan inspirado por la canción, que volvió a la película y creó otra música para algunos momentos clave con los mismos temas. Queda muy bien en la película”.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: El Mundo de Wall-E

2011-08-24T12:16:00.000+02:00

El diseñador de producción de “WALL•E” necesitó una visión cinemática única del futuro que lo abarcaba todo, desde una Tierra abandonada cubierta de basura hasta una enorme nave de crucero que flota por el espacio y que alberga a miles de humanos. El supervisor del diseño de producción de la película fue Ralph Eggleston (“Finding Nemo” [Buscando a Nemo]), un veterano de Pixar que había sido director artístico en las películas “Toy Story” y “The Incredibles" [Los Increíbles], y que había dirigido el oscarizado corto “For the Birds”. Para ayudarle a conseguir sus objetivos artísticos, trabajó en estrecha colaboración con tres grandes directores artísticos: Anthony Christov (director artístico de plató), Bert Berry (director artístico de iluminación), y Jason Deamer (director artístico de los personajes). Según el productor Morris: “Desde mi punto de vista, el mayor desafío de la película fue el diseño de producción y la coherencia del aspecto de nuestros platós y ambientaciones. Sabíamos que íbamos a necesitar una imagen futura de la Tierra en estado de abandono, pero era muy complicado imaginarse detalladamente todos los recovecos. El diseño de la nave Axioma y el entorno del espacio también eran difíciles de imaginar, pero contamos con más material para estos elementos. Ralph y su equipo realizaron un gran trabajo creando, construyendo e investigando mundos que se convertían en personajes por derecho propio y que ayudaron a Andrew a contar la historia que quería contar”. “Una de las mejores cosas de Pixar”, explica Eggleston, “es que podemos crear películas de animación que también tengan elementos de películas de efectos especiales y de películas de acción real. Descubrimos nuestro propio sentido del mundo y partimos de cero. En ‘WALL•E’, es fundamental que el público crea en este mundo, porque de lo contrario, pasarán un mal rato pensando que nuestro protagonista es realmente el último robot de la Tierra. Así que decidimos hacer una Tierra muy realista y muy detallada. Creamos cerca de 9,5 kilómetros de paisaje urbano para saber exactamente dónde esta WALL•E cada vez que se movía y que el mundo existiese realmente. Acabamos estilizándolo un poco para la animación, pero estos son los platós más reales que hemos creado nunca en Pixar. También fue la tarea más difícil que nos ha tocado hacer desde un punto de vista artístico.

“Otro de nuestro objetivos era utilizar el color y la iluminación para realzar los sentimientos de WALL•E y ayudar al público a conectar con él”, añade. “El primer acto tiene una iluminación muy romántica y emotiva, y en el segundo, la iluminación es mucho más estéril, ordenada y limpia. El segundo acto es la antítesis del primero. A medida que la película avanza, vamos introduciendo poco a poco una iluminación más romántica. Una parte importante de mi trabajo es discutir todas estas ideas disparatadas en el departamento de arte para ir avanzando a medida que se va desarrollando la producción de la película”.

Para crear el aspecto del espacio exterior en “WALL•E´, Eggleston y su equipo idealizaron visiones del futuro de científicos de la NASA de los años 50 y 60, así como el concepto artístico de Tomorrowland, de Disneyland.

“Una de las mayores influencias para mí y para todo el mundo que trabajó creando nuestra visión del futuro fue el trabajo de arte creado para Tomorrowland”, explica Eggleston. “No se trataba de cosas específicas, sino más bien del concepto '¿Dónde está mi kit de futuro?'. Si te fijas, en muchos de los dibujos de los programas espaciales de los 40, 50 y 60, se pueden observar imágenes fantásticas de construcciones en Marte. Alrededor de 1978, dejaron de hacerlo porque no querían gastar dinero en algo que sabían que no podían hacer. Estábamos interesados en mostrar cómo podría ser el futuro y lo genial que sería llegar allí. Eso es lo que queríamos reflejar con el diseño de esta película”.

La inspiración para el diseño de la nave Axioma surgió de buscar barcos para cruceros de lujo, incluidos los que gestiona Disney. Algunos viajes a las Vegas también sugirieron la forma de utilizar una iluminación práctica para un entorno de lujo artificial.

“El concepto original de la nave Axioma surgió de un barco de cruceros”, comenta Eggleston. “Diseñamos una enorme nave espacial del tamaño de una ciudad. Mide varios kilómetros de largo y tiene capacidad para cientos de miles de residentes. Sabíamos que el público iba a necesitar algún tipo de soporte visual, así que la colocamos cerca de una nebulosa planetaria. La primera vez que vemos la nebulosa, nos recuerda a una montaña con algo en la cima, y luego se ve que es la nave Axioma”.

“Una de las cosas que Andrew quería hacer con ‘WALL•E’ era crear un aspecto diferente al que solemos ver en las películas de animación”, recuerda el productor Morris. “Muy a menudo, parece que las películas de animación están grabadas en una especie de espacio informático. Queríamos que pareciese que directores de fotografía con cámaras reales habían ido a estos lugares y habían grabado lo que estamos viendo. Queríamos que tuviese artefactos de fotografía y que todo pareciese mucho más real de lo que suelen ser las películas de animación. Durante mi larga estancia en ILM, conocí a mucha gente que iba a sernos útil”.

Morris invitó a dos de los mejores directores de fotografía en sus respectivos campos a visitar Pixar para que le asesorasen. El director de fotografía Roger Deakins (“No Country for Old Men” [No es país para viejos], “The Assassination of Jesse James by the Outlaw Robert Ford” [El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford], “Fargo”, “O Brother Where Art Thou?” [O Brother!]), seis veces nominado a los Oscar y más conocido por su habitual colaboración con los aclamados Hermanos Coen, contribuyó prestando su experiencia en aspectos de iluminación y de cámara. El célebre mago de los efectos visuales y seis veces ganador de un Oscar Dennis Muren (“Star Wars” [La Guerra de las Galaxias], “Indiana Jones”, “Terminator 2”, “Jurassic Park” [Parque Jurásico], “The Abyss” [Abyss], “Twister”) ofreció su experiencia para crear los efectos visuales y las imágenes de ambientación atmosférica.

“Tanto Roger como Dennis pasaron aportaron sus puntos de vista y nos dieron muchas ideas sobre cómo quedarían las cosas”, comenta Morris. “Nos hicimos con algunas cámaras Panavision antiguas de los 70, parecidas a las que se utilizaron para grabar la película original de ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias) y grabamos imágenes para conseguir el tipo de artefactos que creaban esas lentes. Nos fijamos en elementos técnicas como la aberración cromática, distorsiones de barril y otras imperfecciones, y cogimos lo que habíamos aprendido y lo aplicamos a la fotografía de nuestros gráficos de ordenador. La aportación de Dennis y Roger fue fundamental a la hora de crear esos aspectos de la película. Por ejemplo, sus consejos sobre fotografía, iluminación y composición, nos ayudaron a crear el paisaje austero y seco de la Tierra en el primer acto”.

La experiencia de Morris en películas de acción real y en efectos visuales también ayudaron a los realizadores a cumplir su deseo de que pareciese que la película había sido rodada y no grabada. “Le expliqué al equipo técnico que en el mundo real, cuando estás rodando, normalmente la lente está a casi un metro del plano de la película, y puedes cambiar de perspectiva al inclinar la cámara. Tomaron esta información y volvieron con imágenes que se parecían el doble a imágenes fotografiadas. El resultado es que parece que hay un cámara rodando, en oposición a estar en una especie de espacio virtual en el que todo es prístino. Hay algunas imperfecciones en el aspecto final de la película que le dan mayor credibilidad.

Como director de fotografía para cámara, Jeremy Lasky ayudó a perfeccionar aún más el aspecto de la película. “Desarrollamos nuestra tecnología de cámara e iluminación para que pareciese que la película había sido rodada con una cámara. Utilizamos un ratio muy amplio y muy profundo para que la fotografía fuese muy rica. Se pueden ver algunos planos desenfocados como en diferentes capas para crear composiciones que parecen estar pintadas con acuarela. También utilizamos muchos planos de cámaras de mano y cámaras fijas, sobre todo en el espacio, para que el público se creyese mejor lo que estaba viendo en la pantalla, se creyese que lo que estaba viendo era un robot real en un mundo real. Sientes que estás viendo una escena completamente real. Una de las grandes innovaciones que realizamos para esta película y para Pixar, fue previsualizar las iluminaciones clave antes de rodar para tener una idea más exacta del fotograma final de la película. Antes no teníamos ninguna información sobre la iluminación en esta fase de la producción".

Danielle Feinberg fue la directora de fotografía para iluminación. El aclamado director de fotografía Roger Deakins (“No Country for Old Men”[No es país para viejos], “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”[El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford]) y la oscarizada leyenda de los efectos visuales Dennis Muren fueron los asesores.

“Cuando vi la película terminada, lo primero que pensé fue: ‘¡Nunca había visto una película como esta!’”, concluye Morris. “Me dio la sensación de que la estaba viendo con ojos totalmente nuevos”.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: La Animación

2011-08-23T12:14:00.000+02:00

El equipo de animación de Pixar, repleto de talento, ha superado problemas aparentemente irresolubles en las películas que ha creado y de esta forma ha puesto el listón cada vez más alto. Desde juguetes hasta hormigas, de superhéroes a ratas que son chefs de cocina... han creado personajes inolvidables que se han quedado grabados en la mente y el corazón de mucha gente en todo el mundo. En su última película, “WALL•E”, tuvieron que enfrentarse a nuevos retos, ya que debían crear un fabuloso elenco de robots y humanos. Gracias a la dirección de los supervisores de animación Alan Barillaro y Steve Hunter (50 animadores en los momentos más álgidos de la producción), y a la experiencia y el talento del director de animación Angus MacLan, esta película representa otro gran triunfo para el arte de la animación. Jim Reardon, director de la historia en “WALL•E”, observa: “Lo que no queríamos hacer en esta película era dibujar robots que pareciesen humanos, con brazos, piernas, cabezas y ojos, y que además hablasen. Queríamos utilizar objetos que normalmente no relacionamos con características humanas y ver qué podíamos hacer con sirviéndonos del dibujo y la animación”. Stanton explica: “Queríamos que el público creyese que estaba viendo cómo una máquina adquiría vida propia. Cuanto más crean que es una máquina, más les atraerá la historia”. Uno de los máximos desafíos a los que se enfrentaron los animadores fue la necesidad de comunicar con claridad sentimientos y acciones sin recurrir al diálogo tradicional. “Creíamos que podíamos lograrlo sin necesidad de un diálogo tradicional, manteniendo la coherencia del personaje”, comenta Stanton.. “En el mundo real, cuando los personajes no pueden hablar (un bebé, un animal), la gente tiende a traspasarles sus propios sentimientos: ‘Creo que ha dicho’, ‘le gusto’... eso atrae mucho al público”. Según Ed Catmull, Presidente de Walt Disney y Pixar Animation Studios: “En ‘WALL•E’ los animadores han trabajado al límite para poder transmitir sentimientos y pensamientos complejos con tan pocas palabras. Se trata de llegar a la gente a través de la animación”.

Stanton señala: “En el mundo de la animación, la comedia es lo que más les gusta a los animadores. Con la comedia se sienten en su salsa, para ellos es algo instintivo. John Lasseter se dio cuenta cuando realizó la animación y dirigió su primer corto para Pixar, ‘Luxo Jr’, protagonizado por dos lámparas que se expresan sin ningún tipo de diálogo. El deseo de dar vida a un objeto inanimado es innato en los animadores. Para los animadores de ‘WALL•E’, fue como quitarles las esposas y dejarles libres. Pudieron dejar que los efectos visuales contasen la mayoría de la historia. También descubrieron que es una tarea increíblemente difícil.

“Intentaba que los animadores se pusiesen límites a sí mismos, porque quería que la construcción de las máquinas y la forma en la que fueron diseñadas fuesen evidentes”, añade. “Los personajes parecen robots porque no se encogen ni se estiran. Para los animadores fue un verdadero rompecabezas idear una forma de narración que se pareciera a la tradicional pero que se adaptase a una máquina con las limitaciones que entraña su diseño y su construcción. Fue una gran desafío, pero fue muy satisfactorio encontrar el enfoque y la solución adecuados”.

Para ayudarles en su tarea, los realizadores y el equipo de animación se reunió con técnicos que diseñaban robots de verdad, visitaron a científicos de la NASA en el Laboratorio Jet Propulsion, asistieron a conferencias sobre robots, e incluso se llevaron algunos robots para estudiarlos, incluido un detector de bombas del departamento de la policía local. Para comprender qué aspecto podrían tener los humanos tras cientos de años de vivir a todo lujo en el espacio, el experto de la NASA Jim Hicks nos ayudó hablándonos sobre la atrofia y los efectos de la gravedad cero en el cuerpo.

Jason Deamer, el director artístico de los personajes de la película, recuerda que uno de los puntos de partida a la hora de diseñar a WALL•E fueron sus ojos. “Un buen día, Andrew llegó muy inspirado para crear los ojos de WALL•E. Había estado en un partido de béisbol y utilizó unos prismáticos. De repente se dio cuenta de que si los inclinaba ligeramente hacia los lados, la visión que obtienes es muy diferente. Ese fue uno de los elementos clave para el diseño del protagonista”.

El resto del diseño de WALL•E se basó en su funcionalidad. “¿Cómo introduce la basura dentro de sí mismo y cómo la compacta?” pregunta Deamer. Se realizaron diferentes visitas a plantas de reciclaje para ver el funcionamiento las máquinas que compactan basura. “Sabíamos que necesitaba escalar por montañas y montañas de basura”, nos cuenta. “También tenía que compactar cubos de basura, y tener algún tipo de manos para poder gesticular”.

Uno de los principales puntos de discusión a la hora de crear el personaje de WALL•E fue si debía tener codos o no.

“Al principio habíamos diseñado a WALL•E con codos”, explica el supervisor de animación Steve Hunter. “Eso le permitía doblar los brazos. Como animadores, intentábamos que fuese capaz de tocarse la cara, pudiese colgarse de una nave espacial, tuviese mucho movimiento. Pero cuando lo mirábamos, no nos gustaba demasiado. Está diseñado para hacer una tarea, que es meterse basura en la barriga. ¿Por qué iba a tener codos? No tenía ningún sentido. Con la ayuda de Andrew y una inspirada idea del director de animación Angus MacLane, hicimos una ranura por el costado que le permite colocar sus brazos en diferentes posiciones y que le da bastante movimiento. Nos ayudó a darle mucha más vida al personaje. Tener o no tener codos puede parecer trivial, pero la forma en que resolvimos el problema te hace creer más en WALL•E, porque no elegimos el camino más fácil”.

A pesar de la relativa sencillez de sus movimientos, animar a WALL•E fue una de las tareas más complicadas para el equipo de animación. Según el supervisor de animación Barillaro, "“WALL•E tiene muchos controles, incluyendo unos 50 sólo para la cabeza. No es orgánico como un ser humano. Tuvimos que reducir sus movimientos a la más mínima expresión para que fuesen efectivos. Lo primero que hicieron los animadores cuando les tocó hacer una escena con él fue poner a prueba todos los movimientos, como mover la cabeza hacia los lados. Intentaban que tuviese mucha movilidad, como un ser humano. Tuvimos que recordarles continuamente que queríamos una animación lo más sencilla posible. En este caso, no hay duda de que cuando más sencilla, mejor”.

Ya que la voz de WALL•E era una parte tan importante de su personalidad, los animadores trabajaron estrechamente con el diseñador de sonido Ben Burtt para inspirarse mutuamente. Normalmente, los animadores trabajan con los esbozos para elaborar pruebas de animación. Después Burtt añadió la voz a WALL•E y se lo volvió a enviar a los animadores para otro pase. La voz y la animación se montaron juntas y de ese montaje surgió el resultado final.

El grupo también se enfrentó a diversos desafíos a la hora de realizar la animación de EVE. Aunque sólo tenía dos ojos parpadeantes y cuatro partes móviles, era necesario analizar cada movimiento, por muy sutil que fuese. EVE, que fue diseñada con el aspecto de un robot futurista, es la personificación de la elegancia y la sencillez.

“Queríamos que fuese elegante”, comenta Stanton.. “En este mundo hay diferentes formas de transmitir lo masculino y lo femenino, y queríamos que sus movimientos fuesen fluidos, y que estuviese dotada de los encantos de la feminidad”.

MacLane explica: “Mientras que los movimientos de WALL•E son más tradicionales con motores, ruedas y dientes, EVE es un elegante robot de forma ovalada que se mueve por imanes. Todas las estructuras y composiciones están muy cuidadas para que el resultado sea atractivo. Sus movimientos son muy gráciles, lo que se espera de un robot técnicamente muy avanzado”.

Hunter añade: “Cada cambio de plano, cada ángulo, e incluso la forma en que se curva su cabeza cuando rota tuvo que hacerse de determinada manera para que quedase bien. Todo lo que tiene que ver con su cabeza tenía que ser muy sutil. Básicamente está formada por cuatro piezas y dos ojos que parpadean. Discutimos mucho sobre cómo debería mover los brazos. Trabajamos sobre dibujos hasta que dimos con las posiciones adecuadas para expresar diferentes emociones. Es impresionante todo lo que transmite”.

Además de algunos robots protagonistas (Auto, M-O y los robots defectuosos entre otros), el equipo de diseño de personajes creó un catálogo de robots y 10.000 humanos para poblar la nave Axioma. Se diseñó un sistema de robot modular utilizando una serie de cabezas de robots que podían combinarse con una variedad de brazos y cuerpos. Se crearon innumerables robots de distintos colores y bien diferenciados.

El coproductor Collins señala: “Creamos toda una biblioteca de personajes con partes intercambiables para poder crear un programa para construir robots. Podíamos escoger entre diferentes tipos de cuerpos y brazos. Podíamos cambiarlos para crear siluetas y personajes diferentes. Teníamos casi cien variaciones y alrededor de 25 siluetas básicas diferentes que podíamos mezclar y adaptar para que pareciese que había más personajes en la película”.

Para MacLane, fue Stanton quien inspiró a los animadores para que diesen lo mejor de sí mismos. “Lo que hace de Andrew un director de tanto éxito”, comenta MacLane, “es su capacidad para imaginarse siempre la totalidad de las películas. Es capaz de fijarse en lo que estás haciendo y sugerirte cómo puedes hacerlo mejor para la secuencia. Tiene muy desarrollado el sentido de la narración e historia y sabe cómo transmitírselo a los animadores. Compara las buenas historias con los chistes. En realidad, lo que hace es contar un buen chiste que dura alrededor de 90 minutos. Tenemos diferentes bloques que evocan distintos sentimientos, y él intenta imaginarse la mejor manera de unirlos para contar una buena historia. En animación, nuestra tarea principal consiste en comunicar las cosas con claridad y servir de plataforma para transmitir su historia”.

Stanton también alaba el trabajo de los animadores en la película. “Han sido los grandes campeones de esta película. Les gustaba mucho el concepto, y en especial los desafíos y limitaciones a los que tuvieron que enfrentarse para diseñar todos los personajes como lo han hecho. Lo hicieron muy bien desde el principio”.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: La Idea se hace Realidad

2011-08-22T12:12:00.000+02:00

La imagen de un pequeño robot solitario (el último del planeta) que realiza metódicamente su trabajo recogiendo basura interesó mucho al director/coguionista Andrew Stanton desde la primera vez que salió el tema en una comida con sus colegas en 1994. Pero tuvieron que pasar muchos años hasta que dio con una historia única que pudiera desarrollar todo el potencial del personaje. Stanton explica: “Me fascinó la soledad que evocaba esta situación, y la inmediata empatía que provoca el personaje. Pasamos mucho tiempo intentando conseguir que los personajes de nuestras películas sean atractivos y logren despertar el interés del público. Me dije: ‘¿qué hago con un personaje como este?’. Y no tardé mucho en darme cuenta de que lo contrario a la soledad es el amor, o la compañía. Me sentí irremediablemente atraído por la idea de una máquina enamorada de otra máquina. Sobre todo con el telón de fondo del universo que ya no comprende el sentido de la vida. Me pareció muy poético. Me encantó la idea de que la humanidad tuviese una segunda oportunidad gracias a este personajillo que se enamora. En realidad soy un romántico empedernido disfrazado de cínico. Esta película me dio la oportunidad de satisfacer mi lado romántico, más de lo que suelo mostrar en público”. Jim Reardon, veterano director y supervisor de historia en “The Simpsons” (Los Simpson) que dirigió 35 episodios de la serie y supervisó las historias de casi 150, se incorporó al proyecto como director de historia en “WALL•E”. Acabó escribiendo el guión de la película junto con Stanton. Según Reardon: “Empezamos con la idea de que ‘WALL•E’ fuese una comedia, pero a mitad de camino nos dimos cuenta de que la película también era una historia de amor. WALL•E es un personaje inocente y aniñado que acaba provocando un enorme impacto en el mundo. En realidad, la línea argumental de la película trata sobre EVE. Su personaje es el que sufre más cambios, y la película es sobre ella y sobre él. Tiene mucho estilo, es muy tecno-sexy y tiene un aspecto muy futurista. Él ha sido diseñado para hacer su trabajo, y está oxidado, sucio y feo. Pero estábamos convencidos de que podía ser una gran historia de amor”. El productor Jim Morris lo resume muy bien. “Esta película es una mezcla de géneros. Es una historia de amor, una película de ciencia-ficción, una comedia, una comedia romántica”. Uno de los puntos clave para Stanton a la hora de crear la historia de “WALL•E” fue la idea de utilizar las imágenes musicales y las canciones de la versión cinematográfica de 1969 de “Hello Dolly” para ayudarle a perfilar la personalidad de WALL•E. De hecho, que WALL•E vea una y otra vez una vieja cinta de esa película (la única que tiene) es lo que le ha llevado a abrigar esos sentimientos románticos.

Stanton explica: “He buscado los elementos musicales adecuados para la película, y dar con 'Hello Dolly' fue lo mejor que me pudo pasar. La canción 'Put on Your Sunday Clothes' con su prólogo 'Out There', parecía encajar perfectamente con los temas que aborda la película, y al mismo tiempo, no era el tipo de música que esperas encontrar en una película como la nuestra. En realidad es una canción muy sencilla, y en ‘Hello Dolly’ la cantan dos tipos que no saben de qué va la vida. Quieren ir a la gran ciudad y ´no volverán a casa hasta que hayan besado a una chica’. Es una canción muy sencilla y alegre y encajaba a la perfección con la película. Cuando encontré la canción ‘It Only Takes a Moment’ estoy seguro de que fue obra de Dios. La canción se convirtió en una gran herramienta para mostrar que WALL•E quiere saber lo que es el amor”.

El productor Morris comenta: “Lo único que quiere WALL•E durante toda la película es coger la mano a alguien, porque es lo que ha aprendido viendo ‘Hello Dolly’. En la película, es la forma de mostrar afecto hacia los demás”.

Stanton añade: “Me di cuenta de que era genial. En ese momento musical de la película aparecían dos personas cogidas de la mano y supe que teníamos que hacer lo mismo”, afirma. “Siempre he creído fervientemente que la animación nos puede contar tantas historias de formas tan diferentes como cualquier otro género, pero pocas veces se ha intentado dar un sesgo más atrevido a la animación”, concluye Stanton.. “Me sentí muy orgulloso de participar en el origen y la creación de ‘Toy Story’, porque me parecía que el tono de la película, y la forma en que estaba contada rompía con muchas prejuicios. Y creo que podemos seguir superando esos límites. Incluso antes de saber que esta película se iba a llamar ‘WALL•E’, sabía que podíamos seguir rebasando esos límites. Estoy muy orgulloso de la oportunidad que he tenido. La película ha cumplido todas mis expectativas".

La coproductora Lindsey Collins observa: “Las películas de Andrew tienen una increíble carga emocional que son los cimientos sobre los que se basan los momentos de acción de las aventuras. Escribe historias muy sencillas y con las que es fácil identificarse. Aunque la película tiene gran envergadura en cuanto al concepto y la escala, como escritor, es algo muy personal. Le gusta escribir sobre pequeños personajes cuya trayectoria o cuyas luchas tienen un gran impacto. En ‘Finding Nemo’ (Buscando a Nemo), Marlin emprendía un viaje, y por azar, Dory tuvo un enorme impacto en él. Y eso fue lo que le hizo cambiar.

“De forma similar, WALL•E acaba siendo un héroe por azar. Tiene la habilidad de impactar a la humanidad, y lo más paradójico es que es lo más parecido a un ser humano que queda sobre la Tierra. En realidad, este pequeño robot enseña a la humanidad cómo volver a ser humana. Creo que esa paradoja junto con la sinceridad de los sentimientos van a calar muy hondo en el público”.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: Quién es Quién

2011-08-21T12:10:00.000+02:00

• WALL•E (abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) es un robot que los humanos han dejado en la Tierra y que está programado para limpiar el planeta, llenando cubos y cubos de basura. Sin embargo, tras 700 años de soledad el robot sufre una pequeña avería en su sistema: ha desarrollado su propia personalidad. Es muy curioso, extremadamente perspicaz y se siente bastante solo. WALL•E era uno de los cientos de robots enviados por Buy n Large Corporation para limpiar el planeta mientras los humanos disfrutaban de un lujoso crucero por el espacio. Está solo con la única compañía de su cucaracha, conocida cariñosamente en Pixar como Hal (nombre del famoso productor de los años 20, Hal Roach, y en homenaje a HAL, de “2001: A Space Odyssy” [2001: Una Odisea del Espacio]). WALL•E llena todos los días cubos y cubos de basura, desactivando artefactos durante su trabajo. De hecho, WALL•E ha reunido un ingente tesoro de chismes (un cubo de Rubik®, una bombilla, una cuchara dentada) que almacena en un camión de transporte al que él llama hogar. WALL•E, que tiene mucho de romántico, sueña con descubrir algo que le saque de su monótono trabajo diario. Este sueño le transporta por toda la galaxia y le hará vivir una aventura que supera todas sus expectativas.

• EVE (abreviatura de Extra-terrestrial Vegetation Evaluator) es una estilosa y avanzadísima andro-sonda. Es rápida, puede volar, y está equipada de una pistola láser. EVE, a la que el Capitán del Axioma (el enorme y lujoso capitán de la nave que acoge a miles de humanos desplazados) también llama Sonda Uno, forma parte de un ejército de robots enviados a la Tierra en una misión secreta de exploración. EVE tiene una misión secreta y está decidida a realizarla con éxito. Apenas se fija en WALL•E, su nuevo admirador. Pero un día, harta de no encontrar lo que busca, se toma un descanso y se hace amiga de este singular robot. Juntos emprenderán un increíble viaje por el espacio.

• M-O (Microbe Obliterator) es un robot de limpieza programado para limpiar cualquier cosa que entre en la nave Axioma que se considere un "elemento extraño". M-O se mueve con rapidez por toda la nave Axioma sobre su cinta transportadora, limpiando toda la basura que encuentra a su paso. Pero la llegada de WALL•E a la nave rompe los esquemas. M-O se queda alucinado con este mugriento robot. No tardan en llevarse como el perro y el gato, ya que M-O intenta limpiar los años de residuos incrustados en WALL•E. WALL•E intenta escabullirse, pero al final ambos se hacen amigos y M-O se convierte en el fiel compinche de WALL•E.

• AXIOMA es la nave espacial en la que se alojan los humanos.

• El Capitán es el actual comandante de la nave Axioma. Al igual que WALL•E, el Capitán está aburrido con su vida rutinaria y anhela un cambio. Su tarea consiste en comprobar una y otra vez el estado de la nave con Auto, el piloto automático. Cuando le informan que uno de los andro-sondas ha realizado un esperadísimo hallazgo, descubre que es un líder nato y traza un nuevo plan para la humanidad.

• AUTO es el piloto automático de la nave Axioma, y ha pilotado la nave durante 700 años. Auto, que es un robot perfectamente programado con la forma del volante de la nave, tiene una personalidad fría, mecánica y aparentemente obedece al Capitán. Sin embargo, Auto está programado para realizar una misión secreta que desconoce la tripulación de la nave Axioma. Está decidido a ejecutar estas órdenes secretas a cualquier precio, sin importarle las consecuencias que puedan tener para los habitantes de la nave Axioma.

• Los ROBOTS DEFECTUOSOS son el grupo de robots de la nave Axioma que realizan todas las funciones imaginables para servir a los pasajeros de la nave que llevan una vida de lujo. Sin embargo, aunque la historia transcurre dentro de cientos de años, las máquinas siguen sin ser infalibles. Los robots defectuosos se envían al taller de reparación y se marcan con un punto rojo. WALL•E se hace amigo de este grupo renegado de robots defectuosos, entre los que se encuentran una robot esteticista que no logra poner guapas a sus clientas, un robot aspiradora que escupe basura, y un robot paraguas que se abre y se cierra inoportunamente, entre otros muchos. Junto con WALL•E, los robots inadaptados se unen para cambiar el destino de la nave Axioma.

• GO-4 es el primer oficial de la nave Axioma y comparte un secreto con el autopiloto. Es una cápsula neumática ambulante con una sirena luminosa a modo de cabeza, y es extremadamente obediente.

• JOHN y MARY son dos de los humanos que viven en la nave Axioma, donde se han acostumbrado a una vida de gran lujo. La llegada de WALL•E altera su rutina diaria y les obliga a darse cuenta de la existencia del otro, y de que tal vez la vida sea algo más que desplazarse flotando en sus modernos sillones de diseño.

• SHELBY FORTHRIGHT es el agradable y encantador Consejero Delegado de la compañía Buy n Large, la gigantesca multinacional que se ha hecho con el control del universo gracias a producir líneas de robots (incluida la línea WALL•E) y a sus cruceros de lujo por el espacio (como en la nave Axioma). Las promesas de la compañía de un maravilloso futuro resuenan a través de los mensajes digitales de Forthright, aunque las cosas no han salido según lo planeado. Fred Willard (“Best in Show” [Very important perros], “Fernwood 2 Night”) aparece en la película como el portavoz de la compañía.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: Los Sonidos

2011-08-20T12:10:00.002+02:00

El reparto de personajes de “WALL•E” incluye una gran variedad de robots, incluyendo algunos que hablan o se comunican en su propio lenguaje. Para el productor de la película, Jim Morris, y el director/coguionista, Andrew Stanton, sólo había una forma clara de crear las voces especiales para los robots y diseñar los sonidos de la película. Y esa forma era contando con el oscarizado diseñador de sonido Ben Burtt, el legendario talento que creó la voz de R2-D2, el sonido del látigo de Indiana Jones, el siseo de “Alien”, y muchos otros sonidos conocidos por los espectadores de todo el mundo. “Ben es único”, afirma Stanton.. “Es un maestro del diseño de sonido, y se ha hecho un nombre en esta industria gracias a todos los niños que han visto ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias), y todas las películas que le siguieron. “Cuando me di cuenta de que iba a tener la oportunidad de hacer ‘WALL•E’, supe que la película iba a necesitar el sonido para contar su historia”, continúa Stanton. “Quería que nuestros robots se comunicasen más al nivel de R2-D2 que al de C-3PO – con su propio lenguaje de máquinas. Me pareció que su lenguaje tenía que ser más inteligente, más interesante. Cuando Jim me dijo que había trabajado con Ben en ILM durante varios años y me sugirió que le invitásemos a participar en la película, me pareció una gran idea. Le enseñé la película a Ben y le dije que le necesitaba para que trabajase en el reparto de la película. Menos mal que dijo que sí, porque pronto nos dimos cuenta de que no habríamos podido hacerlo sin él. Es el mejor”. Jim Morris añade: “La habilidad de Ben para crear voces mundanas y voces especiales con emoción y sentimiento le convirtieron en la opción perfecta para WALL•E, y estamos encantados de que haya trabajado en esta película. Algunas de las voces de los personajes son completamente sintéticas, otras están hechas a partir de un conglomerado de varios tipos de sonidos que Ben ha encontrado o creado, y otras están basadas en voces humanas manipuladas. Ben también fue fundamental a la hora de crear el resto de los sonidos de la película”.

Burtt explica: “Mi trabajo en ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias) me dio una gran experiencia en lo que se refiere a voces de robots y alienígenas, pero ‘WALL•E’ necesitaba más sonidos para los personajes robots que ninguna otra película en la que hubiese trabajado. El desafío de esta película estaba en crear voces que el público crea que no son humanas. Pero aún así, que puedan sentir afecto e identificarse con ellas del mismo modo que harían con los humanos. Las voces no podían sonar sólo como una máquina sin personalidad, o como un actor imitando a un robot detrás de una cortina. Teníamos que crear un equilibrio en el sonido, como si hubiese sido generado por una máquina pero aún así, estuviese dotado de calidez e inteligencia, como un ser humano. Yo lo llamo alma”.

A Burtt le llamaron para trabajar en “WALL•E” sólo unos meses después de finalizar su trabajo en la última entrega de “Star Wars” (La Guerra de las Galaxias). Le había dicho a su mujer que no volvería a trabajar con robots, pero la tentación de trabajar para Pixar en una película de robots completamente diferente fue demasiado fuerte.

“Afortunadamente, era una idea nueva y emocionante, y el desafío que presentaba crear el sonido de la pelícla me pareció irresistible”, comenta Burtt. “El sonido y las voces de los robots jugaban un papel muy poco común, y no pude evitar sentirme inspirado. Por supuesto, acepté la oferta de trabajar con Jim y Andrew, y realizar el trabajo de sonido para la película”.

Con referencia a la voz del personaje de WALL•E, Burtt explica: “Surgió en mi pequeño estudio de grabación de nuestro departamento de sonido. Cogí las grabaciones originales y las metí en el ordenador, donde se analiza el sonido y se divide en partes diferentes. Es como si le dieses luz a través de un prisma para dividirla en un espectro de colores. Se puede hacer lo mismo con un archivo de audio. Una vez que se ha dividido el sonido en todos sus componentes, se puede empezar a recomponer de nuevo. Pero esta vez, sí se pueden controlar la cantidad de cada componente. Se puede inyectar una calidad de máquina en el sonido, y hacer cosas que las cuerdas vocales humanas nunca podrían hacer. Se puede alargar y acortar una determinada vocal. Se puede subir o bajar el tono de algo. Se pueden acercar mucho dos sonidos. Al recomponer el sonido con un programa que he desarrollado, pude conservar la mayoría de los componentes originales como yo quería, pero les añadí algo de forma sintética.

“Si el sonido fuese plastilina”, añade Burtt, “podríamos encogerlo y alargarlo. Y trabajando con la voz de WALL•E, descubrí una forma de hacerlo. Le gustó mucho a Andrew, y nos permitió seguir desarrollando su personalidad”.

Además del personaje de WALL•E, Burtt también fue el responsable de las voces de M-O, Auto y EVE, cuyos tonos creó manipulando la voz de la empleada de Pixar Elissa Knight.

Para el resto de los sonidos de la película, Burtt creó una biblioteca de 2.400 archivos – el mayor número de archivos que ha acumulado nunca para una película. “WALL•E” es la primera película de animación de Burtt. “La animación es muy densa y los sonidos son muy rápidos", observa. “Cuando empecé a hacer los sonidos de WALL•E, me di cuenta de que eran demasiado lentos, así que tuve que acelerarlo todo para que fuesen más rápidos”.

Burtt necesitó muchos recursos para crear los sonidos de la película. Para hacer el sonido del movimiento de una cucaracha, consiguió unas esposas de la policía y grabó el sonido que hacían cuando las separaba y las unía. Para obtener el sonido del vuelo de EVE, encontró a una persona que había construido un avión teledirigido de 3 metros de longitud, y grabó su sonido cuando pasaba justo por encima de él. Creó el efecto de sonido del viento perfecto para una tormenta de viento en la Tierra corriendo por un pasillo con alfombras y con una pesada bolsa de lona. Y un motor de arranque de manivela de un biplano de los años 30 fue el que le dio el sonido del movimiento a WALL•E.

“La mejor parte del trabajo de un diseñador de sonido es cuando estás solo en tu sala de montaje y cuentas con algún material completo”, afirma Burtt. “Cuando insertas el sonido por primera vez, sientes una gran emoción. Eres el primero en verlo y es un gran momento. Pasear por los pasillos de Pixar me inspiró mucho, porque hay mucha gente con mucho talento haciendo cosas increíbles. Luego volvía a mi estudio y pensaba: ‘¿Mi sonido llegará a ser tan bueno como lo que estoy viendo?’”

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E: El Proyecto

2011-08-14T22:12:00.000+02:00

La idea de “WALL•E” surgió en 1994 en la que se han convertido en una famosa comida a la que asistieron los pioneros de Pixar Stanton, John Lasseter, Pete Docter, y el difunto genio de la narración Joe Ranft. Con su primera película, “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), en fase de producción, el grupo se dio cuenta de que había una oportunidad de hacer otra película. En esa reunión se habló por primera vez de las diferentes ideas para “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Monsters, Inc.” (Monstruos S.A) y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo). “Una de las ideas que barajamos en esa comida fue un pequeño robot al que hubiesen abandonado en la Tierra”, comenta Stanton.. “No teníamos la historia. Era como un pequeño personaje de Robinson Crusoe. Pensamos en un robot abandonado en la tierra y que nadie se acordó de apagar. Por esa razón no sabe que lo que está haciendo no sirve de nada”. Años después, la idea comenzó a tomar forma. “Empecé a pensar en cómo haría su trabajo todos los días, cómo compactaría la basura que inundaba la Tierra”, recuerda Stanton. “Eso me hizo pensar en qué pasaría si lo más parecido a lo humano que se quedase en la Tierra fuese una máquina. Fue una idea fantástica, pero había que desarrollarla”.

Stanton afirma que le han influido las películas de ciencia-ficción de los años 70. “Películas como ‘2001’ (2001. Una odisea del espacio), ‘Star Wars’ (La Guerra de las Galaxias), ‘Alien’, ‘Blade Runner’ y ‘Close Encounters’ (Encuentros en la tercera fase) me transportaban a otros lugares y llegaba a creer que esos mundos existían ahí fuera", explica. “Desde entonces, no he visto ninguna película que me haya hecho sentir que estaba en el espacio, y quería recuperar esa sensación”. Para preparación su trabajo en “WALL•E”, el equipo de animación de Pixar visitó plantas de reciclado para observar los gigantescos trituradores de basura y otros tipos de máquinas. También estudiaron robots de verdad en los Estudios, y vieron una gran número de películas clásicas (desde cine mudo hasta películas de ciencia-ficción) para captar el lenguaje cinematográfico. Ciñéndose al lema de Pixar de ser "fieles a los materiales", los robots que diseñaron los animadores estaban dotados de una función específica. Intentaron adaptarse a las limitaciones físicas de cada diseño a la vez que creaban distintas personalidades. Alan Barillaro y Steve Hunter fueron los supervisores de animación de la película, y Angus MacLane se encargó de la dirección de animación.

Para el aspecto de "WALL-E", el diseñador de producción, Ralph Eggleston (“The Incredibles” [Los Increíbles], “Finding Nemo” [Buscando a Nemo], “Toy Story” [Toy Story. Juguetes]), se inspiró en los dibujos de la NASA de los años cincuenta y sesenta, y en dibujos de conceptos originales para Tommorowland de Disneyland creados por Disney Imagineers. Ralph Eggleston recuerda: “Para perfilar el aspecto de esta película no pensamos en cómo iban a ser las cosas en el futuro. Era sobre cómo podría ser el futuro, una noción mucho más interesante. Esa fue la idea fundamental a la hora de diseñar la película. Para diseñar el aspecto de los personajes y del mundo en el que viven, queríamos que el público creyese realmente en el mundo que estaba viendo en la pantalla. Queremos que los personajes y su mundo sean reales, no que tengan un aspecto real, sino que sean reales en lo que se refiere a credibilidad”.

La fotografía de la película también le añade credibilidad. Jeremy Lasky, director de fotografía, explica: “El aspecto de ‘WALL•E’ es diferente a cualquier cosa que se haya hecho en el campo de la animación. Reunimos muchas influencias de las películas clave de ciencia-ficción de los años sesenta y setenta para crear el aspecto de la película”.

Stanton añade: “Realizamos muchos ajustes y mejoras de cámara en nuestro software para que las cámaras se pareciesen más a las Panavision de 70 mm que se utilizaban en gran parte de esas películas de los 70”.

Fuente: Walt Disney Studios

Wall-E

2011-08-12T10:55:00.001+02:00

En la elaboración de una película, por lo general Pixar ocupa de dos a tres años en la historia. A partir de un guión, la película se pasa a storyboard posteriormente. El estudio utilizó 96.000 storyboards para WALL-E. (el de la foto de más arriba es el director Andrew Stanton, a la derecha.)

Los artistas dibujan amano storyboards directamente en los ordenadores, y los guardan como imágenes digitales. Una vez que los storyboards se han completado, se hacen cintas, o películas de los guiones gráficos, que incluyen la diálogo provisional grabado por empleados de Pixar. Los cineastas nunca empiezan el proceso de animación sin antes grabar el diálogo preliminar.

El director de arte de personajes Jason Deamer dirigió a un pequeño grupo de artistas que diseñó el aspecto de los personajes. Los diseños pasan por una serie de revisiones que el director evalúa. "Traemos todo a la mesa y, a continuación, hay un proceso de selección", dijo. "Me gusta pensar en ello como un gran buque, y ellos lo conducen".

al diseñar a WALL-E y a EVA, los artistas tuvieron una mejor idea de cómo el resto de los robots en la película debían ser. "Hubo una gran evolución con los principales personajes, porque centramos la atención en la mayoría de ellos", dijo Deamer. "Hay una gran cantidad de trabajo existente que no se ve en la pantalla, pero es un proceso que define no sólo los personajes, sino también lo que el resto del elenco será".

"Los robots son un enorme desafío, ya que están basados en función de las máquinas", dijo Deamer.

A fin de crear el ambiente sembrado de basura en el que WALL-E habita, los artistas hicieron visitas a vertederos controlados de Oakland, CA, para estudiar las texturas y los colores de la basura a fin de determinar cuál sería el aspecto del mundo que habita el personaje principal. "como los mundos que creamos son tan fantásticos, trabajamos muy duro para lograr una sensación de realidad para estos", dijo Adrianne Ranft de Pixar University. Aunque la investigación de la imagen y el aspecto de los ambientes es esencial para las películas, algunas tareas son mejores que otras. "Fue agradable para equipo de Ratatouille realizar la investigación en un viaje a París", dijo.

Stanton fue profundamente influenciado por el cine mudo. Pues WALL-E casi no tiene diálogo, la historia tenía que ser enfocada de otra manera. "Nos pusimos a ver una película de Buster Keaton y una de Charlie Chaplin por día", dijo. "Lo que pasó fue que se confirmaron nuestras sospechas [instinto], de que no hay nada que no puedas conseguir si te arriesgas para hacerlo todo visualmente. Los personajes, a través de escenificación y pantomima pueden hacer cualquier cosa. Nos dio la valentía de decir, 'Tiene que haber una forma de sonseguir esto'".

Fuente: Rotten Tomatoes

Winnie the Pooh: El regreso del estilo más clásico

2011-07-10T01:33:00.001+02:00

Walt Disney Animation Studios vuelve al Bosque de los Cien Acres con “Winnie the Pooh”. Hacía más de 35 años que Disney no llevaba a la gran pantalla una aventura animada de Pooh. Esta película es totalmente nueva pero sigue teniendo el encanto intemporal, el ingenio y la originalidad de los primeros cortos. El "Osito de Poco Cerebro" vuelve a reunir al público así como a sus amigos Tigger, Rabbit, Piglet, Kanga, Rito y por último Igor, que ha perdido la cola.

“Toda la historia se desarrolla en un solo día", dice el directo Don Hall. “La vida continúa en el Bosque de los Cien Acres. Pooh se despierta con un hambre de lobo y se da cuenta que no tiene miel. Así que decide salir a buscar su alimento favorito, pero empiezan a ocurrirle todo tipo de cosas y sus planes se van al traste. Y el primer problema es buscar una nueva cola para Igor".

Después Pooh encuentra una nota de Christopher Robin que dice: "He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida". Pero Búho interpreta mal la nota y afirma que una criatura llamada "Backson" ha secuestrado al chico. Así que toda la pandilla se pone en marcha para rescatar a Christopher Robin de las garras de un delincuente imaginario. El día se le complica mucho a este osito que sólo había salido a buscar un poco de miel.

“Nuestra intención es hacer siempre una película para todas las generaciones. Una película que guste a los niños, que entretenga a sus hermanos adolescentes y que haga reír de buena gana a los padres, dice John Lasseter, productor ejecutivo. "Las personalidades de los personajes de A.A. Milney están perfectamente dibujadas y su sencillez les hace tremendamente elegantes. Nos parecieron increíblemente divertidos incluso antes de hacer un primer esbozo de la historia. Son personajes con los que hemos crecido todos, personajes que queremos que conozcan los más pequeños de la casa y que vuelvan a descubrirlos todas las personas que queremos".

El cómico John Cleese (“Shrek Forever After” [Shrek, felices para siempre], “A Fish Called Wanda” [Un pez llamado Wanda]) es el narrador de “Winnie the Pooh”. El reparto de voces en inglés cuenta con algunos de los actores favoritos que ya habían prestado anteriormente su voz a los personajes: Jim Cummings (“Gnomeo & Juliet” [Gnomeo y Julieta], “The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo], “Shrek”) presta su voz a Winnie the Pooh y a Tigger, y Travis Oates (“My Friends Tigger & Pooh”, “Tigger & Pooh and a Musical Too”) es la voz de Piglet. El reparto también incluye a los nuevos amigos de Pooh como Bud Luckey (“Toy Story 3”) en la voz de Ígor, Craig Ferguson (“The Late Late Show with Craig Ferguson”) que presta su voz a Búho, Tom Kenny (“SpongeBob SquarePants” [Bob Esponja]) en la voz de Rabbit, Kristen Anderson-Lopez (serie de televisión “The Wonder Pets” [Mascotas maravilla], "In Transit” obra del Off Broadway) en la voz de Kanga, Wyatt Hall que presta su voz a Roo y Jack Boulter que es la voz de Christopher Robin.

La película está dirigida por Stephen Anderson (director de “Meet the Robinsons” [Descubriendo a los Robinson]) y Don Hall (responsable de historia en “The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo], “Meet the Robinsons” [Descubriendo a los Robinson]); Peter Del Vecho (“The Princess and the Frog” [Tiana y el sapo]) es el productor. John Lasseter es el productor ejecutivo de “Winnie the Pooh”. Kristen Anderson-Lopez (“In Transit”) y Robert Lopez (“Avenue Q” en Broadway) se encargan de las canciones originales; la banda sonora original es de Henry Jackman (“Kick-Ass” [Kick-Ass: Listo para machacar], “Monsters vs. Aliens” [Monstruos contra alienígenas]). La actriz/músico/cantante/compositora Zooey Deschanel (banda de Indie folk de “She & Him”) es la voz que canta el tema del adorable “Winnie the Pooh", así como otras canciones de la película, incluyendo la canción de los créditos finales, "So Long", escrita por ella.

"Winnie the Pooh" se inspira en los tres cuentos de A.A. Milne. Este clásico de Disney, cuyos dibujos están realizados a mano, "Winnie the Pooh" llega a los cines de Europa y Latinoamérica en la primavera del 2011. En Estados Unidos se estrena el 15 de julio de 2011.

“El aspecto de esta película está directamente inspirando en los libros de Milne", dice Lasseter. “Tiene ese estilo clásico de la acuarela y del dibujo hecho a mano que había desaparecido de la mayoría de las películas animadas. Estos personajes surgen de las páginas de los libros. Es una historia clásica de Pooh en su máxima expresión".

REGRESO A LAS RAÍCES

Los realizadores se adueñan de estos personajes intemporales

Cuando John Lasseter, consejero delegado creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios se reunió con los directores Don Hall y Stephen Anderson para volver a llevar a Pooh a la gran pantalla, los realizadores aceptaron enseguida la propuesta. "Nos pareció una gran oportunidad para revisitar esos entrañables personajes y jugar con ellos, jugar en su mundo y llevarlos al público actual", dice Anderson, que es un fan de toda la vida de los libros y de la música. De hecho, su madre le tocaba música de Pooh desde siempre.

Hacía 35 años que la pandilla del Bosque de los Cien Acres no había puesto los pies en Walt Disney Animation Studios (las últimas películas habían salido directamente en DVD o realizadas por otros estudios), así que para Lasseter y los directores era importante volver a llevar a estos personajes a la gran pantalla pero de una forma muy especial. "Nuestra misión era que Winnie the Pooh llegara a un público lo más amplio posible: niños pequeños, niños un poco mayores, adolescentes, veinteañeros y otros aún más mayores", dice Hall. "Queríamos que regresara a sus raíces".

Y para hacerse una idea sobre el escenario en el que iba a desarrollarse la historia, los realizadores visitaron Ashdown Forest en East Sussex, Inglaterra, donde A.A. Milne escribió los libros de Pooh y donde el auténtico Christopher Robin pasaba sus vacaciones de verano. Visitaron varios museos de Londres para ver los dibujos originales de E.H. Sheperd, y organizaron pases de las películas antiguas para el reparto, el equipo técnico y sus familias. Todos se rieron, con independencia de su edad, así que eso fue una buena señal para el equipo.

"Todos nos enamoramos de los cortometrajes que hizo Walt a finales de los años 60", dice Hall, que no estaba tan familiarizado con los personajes al principio del rodaje. Pero ahora se ha convertido en un auténtico fan. "Vimos varias veces las películas antiguas y después volvimos al texto original de A.A. Milne. Leímos los dos libros e intentamos extraer historias que no se habían explorado demasiado en las películas".

Después, el equipo se centró en su arma secreta: Burny Mattinson. "Soy el hombre que crea la historia", dice el veterano animador de Disney. Mattinson es uno de los pocos artistas de Disney que puede afirmar que ha trabajado con Walt Disney y más de 50 años después sigue en Walt Disney Animation Studios.

"Tuvimos la suerte de poder contar con Burny, uno de los mejores narradores de historias de todos los tiempos, para que dirigiera el desarrollo de la historia", dice John Lasseter, productor ejecutivo. “Se nota que se lo pasaron bomba visualizando y contando esas historias".

Hall añade: "No hay nadie mejor para transmitir el espíritu, el encanto de un clásico de Disney. Le llamamos el gurú Pooh porque ha sido nuestro referente durante todo el proceso".

Mattinson empezó en la sala de distribución de correo de Disney en 1953. Tenía 18 años, pero eso no le impidió ascender rápidamente. A los seis meses, Mattinson estaba trabajando como intercalador de “Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo) (1955). Diez años después conoció a Winnie the Pooh. "Empecé a trabajar en 'Winnie the Pooh and the Honey Tree’ (Winnie the Pooh y el árbol de la miel) en 1964, dice Mattinson. "En aquella época era ayudante de Eric Larson. Era uno de los Nueve Ancianos".

La película, dice Mattinson, empezó como un largometraje, pero Walt Disney decidió estrenar una versión abreviada en forma de cortometraje. "El primer cortometraje funcionó muy bien", dice Mattison. "Así que Walt dijo que teníamos que hacer un segundo". Y así fue como nació ‘Winnie the Pooh and the Blustery Day’ que funcionó aún mejor y ganó un Premio de la Academia®".

Según Mattison, Winnie the Pooh, las películas y el merchardising que le siguió, se convirtieron en un éxito gigantesco. El Estudió creó un tercer cortometraje llamado "Winnie the Pooh and Tigger Too" (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!) en el que Mattison fue animador principal. Los cortometrajes se reunieron después en un largometraje de 1977 titulado "The Many Adventures of Winnie the Pooh" (Las aventuras de Winnie the Pooh).

Ahora, más de treinta años después, Walt Disney Animation Studios vuelve a traernos al "oso con un cerebro muy pequeño". "No sólo hemos vuelto a las raíces literarias, es decir a los libros de A.A. Milne", dice el productor Peter Del Vecho, "sino también a las raíces de Disney. De hecho llevábamos 35 años sin animar esos personajes dentro de las paredes de los Estudios de Animación Walt Disney.

Del Vecho añade: "Nos dimos cuenta que las primeras películas tenían un encanto especial y que a nuestras películas más recientes le faltaban ciertos elementos. Por ejemplo, había mucha interacción entre los personajes y el texto del libro, así que siempre sabías que eran personajes salidos de un libro. Decidimos recuperar esa interacción".

La interacción con el texto de los libros y también la interacción del personaje con el narrador John Cleese, logra romper la cuarta pared, acercar mucho más los personajes al público, un aspecto que gustó a los realizadores. Además, utilizaron un estilo artístico que se parecía al de las primeras películas.

Del Vecho dice: "Nos aseguramos que la película diera esa sensación de acuarela que tienen las originales. Y todos los dibujos se realizaron a mano. De hecho se pueden ver las líneas en los fondos terminados, y también el papel blanco El lápiz, el papel y la acuarela se funden para transmitir la esencia de las películas clásicas".

Los realizadores también recuperaron la primera secuencia de acción real que se desarrolla en el dormitorio de Christopher Robin. Del Vecho afirma: "Es importante porque gracias a esa secuencia de apertura en la habitación de Christopher Robin queda claro que se trata de animales de peluche y que sólo cobran vida a través de la imaginación de un niño".

Encontraron fotos de la habitación real de Christopher y la diseñaron lo más parecida posible. Por supuesto, para rodar la escena de acción real los realizadores iban a necesitar los animales de peluche. Afortunadamente Burny Mattinson tenía una copia de Pooh. “Woolie” Reitherman, el director de los cortometrajes clásicos y del largometraje posterior, le pidió a un miembro del equipo de tinta y pintura que construyera muñecos para la secuencia de apertura. Mattinson, que no lo sabía, le pidió lo mismo a su mujer. "Se puso inmediatamente a hacerlo", dice Mattinson, "le mostré a Woolie el pequeño Pooh y le pareció precioso".

Pero era demasiado tarde. La escena de apertura ya se había rodado con los otros juguetes. Pero el director se enamoró de la creación de la Sra. Mattinson. "Le dijo: 'si no le importa me lo voy a quedar unos días en mi habitación', dice Mattinson. "Y no se lo devolvió".

Al final Reitherman le devolvió el muñeco al veterano animador que todavía lo conserva. "Me la llevé a casa y se lo di a mis hijos, y después a mis nietos. Pasó cierto tiempo en un desván polvoriento", dice Mattinson. "No tiene las articulaciones en muy buen estado pero sigue de una pieza".

De hecho, el Pooh hecho en casa hizo su primera aparición en la gran pantalla en la secuencia de apertura de acción real de "Winnie the Pooh". "Cuando decidimos hacer esta película y rehacer la secuencia de apertura, se lo traje a los directores y les gustó muchísimo".

MEJORANDO UN CLÁSICO

Los realizadores buscan la forma de mejorar los entrañables personajes

Los realizadores se enfrentaron a un verdadero desafío ya que iban a hacer una película en la que los personajes son conocidos en todo el mundo. El director Stephen Anderson dice: "Es interesante comparar el proceso de crear un mundo desde cero a sumergirte en un mundo que ya existe. No tienes que enfrentarte a una página en blanco con todas esas preguntas sin responder y darte cabezazos contra la pared intentando imaginar algo. Pero en este caso hemos cogido personajes muy queridos del público desde hace muchos años. Así que no quieres defraudarles sino encontrar la forma de aportar algo de nosotros mismos a la película".

Según los directores, el truco está en mantener las cualidades de esos clásicos que tanto les gustan, pero añadiendo toques contemporáneos que resultan más divertidos para el público de hoy. "El mundo que creó Milne es un mundo intemporal y queríamos mantener ese espíritu", dice el director Don Hall. "No queríamos que los personajes tuvieran artilugios modernos. Queríamos que siguieran siendo intemporales. Pero lo que sí podíamos hacer era actualizar el sentido del humor".

Algunos personajes -Tigger y Pooh- conservan su personalidad, dice Hall, mientras que otros han cambiando un poco. "Rabbit era un poquito pesado, muy ordenado, muy puntilloso y a veces resultaba antipático", dice el director. "Es un tipo gruñón, necesita hacer ese papel en el grupo. Pero se nos ocurrió hacerlo un poco más amable y con algo más de humor".

Y en palabras de Hall: "Búho es irresistible. Es tremendamente divertido. Búho solía ser muy fanfarrón, un poco fantasma, pero ahora es un verdadero chiflado. Está totalmente loco, en el mejor sentido de la palabra".

Y la palabra loco puede ser la más acertada a la hora de referirse al humor de la pandilla del Bosque de los Cien Acres, según los realizadores. De hecho, el productor ejecutivo John Lasseter comparó los personajes de "Winnie the Pooh" con los de “One Flew Over the Cuckoo’s Nest” (Alguien voló sobre el nido del cuco).

Y según el creador de la historia Burny Mattinson, les abrió un montón de puertas. "Nos permitió pensar en estos personajes de forma totalmente distinta. Tienen un sentido del humor muy simple pero a la vez muy descabellado".

Los realizadores afirman que el objetivo era sorprender al público, pero sin asustarle. "Puede que tengan una idea preconcebida sobre Winnie the Pooh", dice Hall. "Queremos que todo el mundo sepa que Pooh no es una película para niños de guardería, es algo que puede llegar a todo el mundo. Se pueden divertir mucho con los personajes y en cierto sentido verse reflejados en esos personajes".

El productor Peter Del Vecho afirma que el momento no podía ser más propicio ya que según él, "Winnie the Pooh" nos da lecciones sobre la vida que impactarán más que nunca al público de hoy. No tiene por qué ser complicado. Estos personajes lo tienen muy claro. La clave está en la fuerza de la amistad y también nos recuerda la importancia de la imaginación. Y todo el mundo puede identificarse con un personaje como mínimo".

Anderson afirma: "Lo interesante de los amigos del Bosque de los Cien Acres es que puedes resumirlos a todos en una sola palabra: Piglet es el miedo, Búho es el ego, Rabbit es el control, Pooh es la inocencia e Igor es el pesimismo. Todos representan cualidades humanas. Pero eso son tan creíbles y también tan divertidos Los observas, te ríes y te identificas con ellos".

QUIÉN ES QUIÉN EN "WINNIE THE POOH"

Los entrañables personajes han vuelto

“Winnie the Pooh y sus amigos del Bosque de los Cien Acres son algunos de los personajes más divertidos y entrañables de la animación de Disney”, dice John Lasseter, productor ejecutivo. “Para un grupo de fantásticos realizadores, esta nueva película ha sido una excelente oportunidad para ofrecer su visión personal sobre este material.

“Nuestros directores Don Hall y Steve Anderson pidieron prestadas unas cuantas páginas de los magníficos y galardonados cortometrajes de los años sesenta creados por Walt Disney y su equipo de legendarios animadores y narradores. Y hay que reconocer que han hecho un trabajo espectacular contando una nueva historia divertida y emocionante”, añade Lasseter. “Es una alegría tremenda volver a ver a estos personajes en la gran pantalla. Y estoy convencido de que despertará al niño que todos llevamos dentro.”

WINNIE THE POOH (voz de Jim Cummings)

Winnie the Pooh se describe a sí mismo con un "osito de poco cerebro", pero este encantador y mullido oso tiene una filosofía muy suya y muy realista que conquista a todo el mundo. “Winnie the Pooh tiene una sabiduría muy sutil", dice el productor Peter Del Vecho. “Se trata de disfrutar de los amigos, de la familia y la vida. Nos devuelve a un estilo de vida más sencillo y menos complicado".

“Es un cruce entre el caballero más encantador y el niño más adorable", añade Jim Cummings, que presta su voz a Pooh. “Creo que Pooh ve el mundo a través de sus gafas color miel”.

Pooh es un amigo leal de sus vecinos del Bosque de los Cien Acres. Siempre está dispuesto a echar una mano o más bien una zarpa... Y está deseando compartir un tarro de miel con quien se lo pida. Lo cierto es que a Winnie the Pooh siempre le apetece comer miel o lo que encuentre a mano para acallar el constante "gruñido de sus tripas".

Y es ese "gruñido de sus tripas" lo que da lugar a la última aventura de Winnie the Pooh, cuando el osito se encuentra un montón de tarros de miel vacíos. “¡Qué pena!”, exclama Pooh que tiene que salir en busca de su comida favorita. Y a pesar de sus esfuerzos encuentra de todo menos miel.

El osito de peluche de Christopher Robin, hijo del escritor A.A. Milne sirvió de inspiración para el personaje. Milne le puso el mismo nombre que tenía un oso de verdad del Zoo de Londres. Este Winnie, donado al zoo por el oficial canadiense Harry Colebourne, se llamaba así en honor a Winnipeg, su ciudad natal.

A.A. Milne escribió por primera vez sobre Winnie the Pooh, en un artículo del periódico londinense Evening News a finales de 1925. Al año siguiente llegaron el resto de los amigos que tiene Winnie the Pooh en el Bosque de los Cien Acres.

El artista E.H. Shepard fue quien dibujó el personaje de Winnie the Pooh, y su interpretación está basada en el osito de peluche de su propio hijo.

Las entrañables características de Winnie the Pooh incluyen su pasión por la miel, su filosofía práctica de la vida y sus comentarios desprovistos de cualquier arrogancia: "Soy un osito con poco cerebro y las palabras largas me molestan”.

De la película: “Esto parece divertido", decía Pooh. “Debo estar pensando demasiado”.

PIGLET (voz de Travis Oates)

Piglet es un animalito asustado y de voz suave cuya generosidad y humildad superan con mucho su pequeño tamaño. Sus movimientos meticulosos, su manera de retorcer las manos y su adorable tartamudeo -“qué-qué-qué-es-esto”- nos transmiten su carácter nervioso y su miedo a lo desconocido. “Lo más maravilloso de Piglet es que aunque todo le da miedo se atreve a enfrentarse al mundo para estar con sus amigos", dice Travis Oates, que presta su voz a Piglet.

Dentro del diminuto cuerpecito de Piglet hay un gran corazón que asume grandes responsabilidades en su última aventura. ¿Hay que cavar un agujero? Piglet se pone manos a la obra. ¿Hay que quitar piedras? Piglet es tu hombre. El no se echa atrás, a pesar de que eso signifique internarse en los bosques más oscuros y enfrentarse a una aterradora criatura llamada Backson que con toda seguridad ha secuestrado a Backson. (Al menos esto es lo que dice Búho)

“Piglet es el colega de Pooh, su ayudante”, dice Bruce Smith, el supervisor de animación. “Pero en este caso, le dejan solo para que se enfrente al Backson. A Piglet nunca le habían encargado una tarea tan difícil. Tiene que hacerse mayor. Y ver a Piglet prepararse para la batalla es muy divertido".

El Piglet original formaba parte de los juguetes de Christopher Robin y hoy está en la Biblioteca Pública de Nueva York junto con el oso de peluche original del niño, al igual que Tigger, Igor y Kanga.

Piglet es un personaje al que todo el mundo adora por ser tan leal a Winnie the Pooh.

De la película: “Ay ay ay, no hay que tener miedo”, decía Piglet. “Hay que hacer una cosa muy importante".

TIGGER (voz de Jim Cummings)

Tigger es una criatura única y exuberante con su famosa cola elástica. Actúa por impulso y esa forma de ser tan lanzada a menudo le hace saltar sin mirar. La capacidad de rebotar de Tigger es la perfecta expresión de sus inagotables ganas de vivir, una alegría que siempre está dispuesto a compartir con sus amigos. Aunque algunos, como Rabbit, no siempre quieren compartirlo con él. A otros, como Igor, les resulta mucho más fácil apuntarse a lo que propone Tigger. “Tigger siempre está inventándose cosas que hacer", dice Andreas Deja, el supervisor de animación de Tigger. “Intenta convencer a Igor que para encontrar al Backson, la criatura que ha secuestrado supuestamente a Christopher Robin, Igor necesita la energía de un Tigger, es decir de un tigre. Intenta convertir a Igor, ese personaje triste y traumatizado, en un Tigger repleto de energía”.

La personalidad única de Tigger también conlleva una manera muy personal de hablar. Confunde palabras e inventa otras. Tigger le dice a Igor: “¡Necesitamos Tiggerizarte!”

El personaje de Tigger surge en “The House at Pooh Corner” de A.A. Milner, en 1928.

Tigger es absolutamente especial—“y lo mejor de los Tiggers es que yo soy el único”.

Tigger es conocido por su carácter alegre, su propensión a rebotar (¡es lo que mejor saben hacer los tigres!) y sus excesos verbales: “¡TTFN—Ta-Ta-For-Now!”

De la película: “Si vas a saltar, tendrás que tomar impulso botando", decía Tigger. “El Bosque de los Cien Acres necesita un héroe… y yo soy el único que hay.”

IGOR (voz de Bud Luckey)

Igor es el entrañable burrito triste al que todo el mundo adora. Pero Igor no se considera un triste, sólo le falta ambición.

Se sorprende y hasta cierto punto se siente decepcionado por ser uno de los protagonistas de “Winnie the Pooh”. Según el supervisor de animación Randy Haycock, “Igor tiene un papel muy significativo en esta película, más que en cualquier otra, ya que el argumento central se basa en que ha perdido su cola y todo el mundo intenta ayudarle a encontrar una nueva”.

Igor ve la vida con bastante pesimismo, pero aún así a veces tiene destellos de alegría. Los gestos amables de sus amigos y masticar cardos suelen alegrar su carácter sombrío. Pero a pesar de su actitud sombría, Igor se ha ganado el corazón de muchos. Haycock afirma: “Creo que lo que hace que Igor sea divertido es que él no sabe que es divertido".

La voz en inglés de Igor es Bud Luckey, un veterano animador/diseñador de personajes cuyos créditos incluyen “Toy Story”, “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), y la serie de televisión “Sesame Street” (Barrio Sésamo). También dirigió el cortometraje de Pixar titulado "Boundin'", que le valió una nominación a los Oscar®. En cierto sentido, Luckey personifica el verdadero espíritu del personaje y dice que Igor es un tipo relajado. “Es bastante indolente, pero sus amigos se ocupan de él”.

Igor es bastante pasota, pero le encanta comer cardos.

A.A. Milne le describió como un "viejo burro gris", pero a pesar de su manera pesimista de ver la vida, es uno de los personajes más queridos por los fans de la serie.

De la película: "Podría ser peor", dice Igor. "No estoy seguro, pero podría ser".

BÚHO (voz de Craig Ferguson)

Todo el mundo sabe que los búhos son las criaturas más inteligentes del reino animal. Y Búho lo sabe todo, o eso es lo se cree él, aunque su si información (¡y su ortografía!) no siempre son exactas. Aunque Búho es bastante sabelotodo, también le gusta ayudar a sus amigos. Pero sus ganas de ayudarles suele acarrear problemas al Bosque de los Cien Acres, y en esta entrega de “Winnie the Pooh” no nos defraudará...

“Hay una nota en la puerta de Christopher Robin", dice el director Don Hall. “Pooh no la entiende y se la lleva a Búho. Y Búho interpreta 'He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida' como que una aterradora criatura llamada 'Backson' ha secuestrado a Christopher Robin”.

Así que todos se ponen a buscar al Backson, que sólo existe en la imaginación de Búho... y ahora en la de todo el mundo. “Búho es un de esos tipos maravillosos que no sabe decir algo tan sencillo como 'No lo sé'", dice Craig Ferguson, que presta su voz a Búho. “Así que se inventa cosas, improvisa para que sus amigos no se den cuenta de lo desesperado que está. Y en eso se parece muchísimo a mí”.

Búho es un personaje totalmente inventado. Winnie the Pooh, Tigger, Piglet e Igor estaban inspirados en los juguetes del hijo de A.A. Milne, mientras que Búho es fruto de la imaginación.

Búho es conocido por su sabiduría, que él se encarga de proclamar a los cuatro vientos. A pesar de que afirma tener todo tipo de conocimientos, lo cierto es que la ortografía no es uno de ellos. Búho se equivoca bastante a menudo. En todos los círculos siempre hay alguien que se parece a Búho.

De la película: “El talento artístico me viene de familia", decía Búho. “De hecho, es algo innato”.

RABBIT (voz de Tom Kenny)

Seguramente, Rabbit es el más listo de los amigos del Bosque de los Cien Acres (al menos eso es lo que él piensa), y suele erigirse en líder del grupo. “Si tuviera que elegir un calificativo para Rabbit", dice Tom Kenny, la voz de Bob Esponja que presta también su voz a Rabbit, "diría que es un maniático. Es muy exigente, muy organizado. Le gusta que su jardín esté de tal forma, tener su casa de tal forma, no le gustan las visitas inesperadas... la gente que se presenta de improviso a su puerta echa a perder su rutina, y a él le chifla la rutina".

Rabbit es testarudo y se enfada a menudo, pero sus amigos saben que es más dulce que un conejito de chocolate y que siempre está dispuesto a entrar en acción.

“En realidad, es a Rabbit a quien se le ocurre el plan para atrapar al Backson y rescatar a Christopher Robin”, dice el director Stephen Anderson.

“Diseña un disparatado plan para dejar cosas desperdigadas que puedan atraer al Backson y así poder atraparle”, añade Eric Goldberg, supervisor de animación. “Rabbit es aún más estirado que en las películas originales. Hemos retomado las características que todo el mundo conoce y las hemos exagerado dándoles un toque más humorístico".

Rabbit es otro de los personajes inspirados en los juguetes de Christopher Robin Milne, que Milne introdujo para complementar a los demás.

Rabbit es famoso por su comportamiento bastante impulsivo. Pero hay muchos fans que comparten su obsesión por el orden.

De la película: “Lo último que necesitaba es una visita de ese oso", decía Rabbit.

KANGA (voz de Kristen Anderson-Lopez)

Kanga -la mamá de Rito- es una canguro cariñosa y protectora. Tiene las manos (y también la bolsa) llena con el pequeño Rito, pero lo lleva con amor y mucha paciencia.

Cuando Búho plantea la idea de un concurso para encontrar una nueva cola para Igor, lo primero que hacen los amigos del Bosque de los Cien Acres es discutir sobre el premio que debería darse al ganador. Rito sugiere que tiene que ser algo guay, "como un petardo". Mamá Kanga dice: “No, por Dios, tiene que ser algo bonito, como un buen abrazo”.

Y cuando se presentan los aspirantes, Kanga ha tejido una bufanda para que "no le enfríe el trasero".

Si Kanga fuera una persona, sería la típica madre y ama de casa perfeccionista que sabe hacer de todo.

Kristen Anderson-Lopez presta su voz a Kanga y también compone una serie de canciones originales (junto con su marido y compositor Robert Lopez).

De la película: “Tiene que ser algo bonito, como un buen abrazo”, decía Kanga.

RITO (voz de Wyatt Hall)

Rito es un joven atrevido y aventurero que quiere ir a todas partes e intentarlo todo. No importa cuál sea la situación o las pegas que le ponga su madre... Rito se tira al agua pase lo que pase. A veces Rito pone a prueba la paciencia maternal de Kanga, pero al final no hay nada más agradable que los mimos de su mamá cuando vuelve a su bolsa.

Mientras que las versiones en peluche de Winnie the Pooh, Piglet, Tigger, Igor y Kanga viven en la Biblioteca Pública de Nueva York, Rito se perdió en un campo de manzanos en los años 1930.

Wyatt Hall, el hijo de siete años del director Don Hall, fue contratado para hacer el chirrido -o voz temporal- de Rito. Hall dice que al principio su hijo no estaba muy entusiasmado, pero aceptó la oferta (después de sobornarle con algún que otro Transformer), y acabó convirtiéndose en la voz oficial de Rito. “Pero puede que hayamos creado un monstruo”, dice Hall. “Intentábamos enseñarle cómo decir alguna frase en especial y él nos contestaba: 'No creo que Rito lo hubiera dicho así'.

Rito es un niño muy valiente y por eso tiene un montón de seguidores.

De la película: “Qué tal algo guay”, decía Rito, “¡como un petardo!”

CHRISTOPHER ROBIN (voz de Jack Boulter)

Christopher Robin es el único ser humano del Bosque de los Cien Acres y aunque es un niño pequeño, todas las criaturas acuden a él en busca de sus consejos y su amistad. Pero al que más quiere es a Winnie the Pooh. Ambos han corrido muchas aventuras juntos.

Christopher Robin sabe perfectamente que a Pooh le gusta meterse en líos... Se le oye a menudo diciendo que su amigo es un “¡Oso tontísimo!” Pero a pesar de los problemas que se busca la pandilla, Christopher Robin siempre está dispuesto a acudir a su rescate. Pero él también puede contar con ellos, porque para eso están los amigos. La verdad es que Christopher Robin no podría haber soñado con tener mejores amigos.

Christopher Robin lleva el nombre del hijo de A.A. Milne, Christopher Robin Milne. Para escribir estos cuentos clásicos, el autor se inspiró en su osito de peluche, que llevaba el nombre de un oso del Zoo de Londres.

El verdadero Christopher Robin nació en 1920.

La sincera amistad de Christopher Robin por sus amigos ha hecho las delicias de los lectores y del público desde que se publicó el primer libro en 1926.

De la película: “Eres un oso tontísimo”, decía Christopher Robin.

BACKSON (voz de Huell Howser)

El Backson es una criatura horrible, malvada y feroz que ha raptado a Christopher Robin. O eso es lo que Búho hace creer a la pandilla del Bosque de los Cien Acres. Según Búho, el Backson es una criatura gigante con cola, cuernos afilados, greñas y pelo rojo. No huele muy bien, salvo que los pies de los monos huelan bien, y es responsable de algunas de las cosas más fastidiosas de la vida: relojes que se paran, calcetines agujereados, lápices rotos y leche derramada... entre muchas otras. Pero, ¿el Backson existe de verdad? ¿O es que Búho ha interpretado mal la nota de Christopher Robin que dice “He salido. Tenía cosas que hacer. Vuelvo enseguida"?

Eric Goldberg fue supervisor de animación de la canción de Backson. “Para ilustrar a sus amigos cómo es un Backson y lo que hace, Búho empieza a pintar en una pizarra”, dice Goldberg. “Una vez que empieza a dibujar, entramos en el mundo de la tiza. Está animado y dibujado de forma demasiado elemental para que el público crea que lo ha dibujado de verdad Búho. Pero Búho convence a sus amigos y todos salen a buscar a la criatura que supuestamente tiene retenido a Christopher Robin”.

La “Canción de Backson” está interpretada por Craig Ferguson, la voz de Búho, acompañado por las voces de los amigos de Búho.

Animar música exige un bueno oído, y Goldberg reconoce que no lo tiene. Pero encuentra la forma de que funcione, al igual que hizo en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) donde supervisó la animación de "Almost There", la canción de Tiana.

DANDO FORMA AL CONJUNTO

La música de “Winnie the Pooh”

Los realizadores supieron desde el principio que la música sería un elemento importante de "Winnie the Pooh". "Queríamos que la película empezase con la clásica canción de Winnie the Pooh", dice el director Stephen Anderson. "Pero la pregunta era: '¿Cuál es la mejor forma de interpretarla para el público actual?' Queríamos que tuviera el mismo encanto que la original, pero dándole un toque fresco, un tono contemporáneo".

Recurrieron a la actriz/músico/compositora Zooey Deschanel para grabar la versión actualizada. "Su canción abre la película con mucha frescura, con muchísima energía", dice Anderson. Y añade: "Es la mejor forma de empezar la película, dejando que el público sepa inmediatamente que se trata del mismo Winnie the Pooh de siempre, pero más actual".

El productor Peter Del Vecho añade: "Todo el mundo conoce la canción de Winnie the Pooh. Es genial que un artista actual redescubra un clásico y eso es exactamente lo que ha hecho Zooey. Ella aporta su propia personalidad a la canción. Pero cuando nos presenta a los personajes es como si los conociera de toda la vida, lo que es verdad".

"Soy una gran fan de Winnie the Pooh y de todos sus amigos", dice Deschanel, que también toca el ukalele en la canción. "Resulta difícil elegir a uno: Winnie the Pooh es tan rico, le encanta la miel, es una monada. Igor es fantástico, me encanta Igor. Y Piglet es tan diminuto. Winnie the Pooh, Igor, Piglet y

Tigger son inseparables".

Entre otras canciones, Deschanel interpretó “A Very Important Thing to Do”, una canción que ayuda a ilustrar el reto al que se enfrentan los amigos del Bosque de los Cien Acres para buscar una nueva cola para Igor. Interpreta "So Long" con M. Ward su compañero de banda en She & Him, una canción que compuso Deschanel.

Los realizadores recurrieron al matrimonio formado por Robert Lopez y Kristen Anderson-Lopez para crear las canciones originales de la película. Además Anderson-Lopez también es la voz de Kanga en la versión en inglés. Lopez es el creador del musical "Avenue Q", un gran éxito en Broadway. Además, juntos han escrito para Nickelodeon y Disney, incluyendo la versión teatral de “Finding Nemo” (Buscando a Nemo) y canciones para “The Wonder Pets” (Mascotas maravilla) que ganó dos Premios Emmy®.

Henry Jackman ha compuesto la banda sonora. Jackman es conocido por películas como “The Da Vinci Code” (El Código Da Vinci), “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto), “Pirates of the Caribbean: At World’s End” (Piratas del Caribe: En el fin del mundo) y “Monsters vs. Aliens” (Monstruos contra alienígenas).

"Con las aportaciones musicales de Bobby y Kristen Lopez, Zooey Deschanel y Henry Jackman, “Winnie the Pooh” está a la altura del legado musical de este clásico de Disney", dice John Lasseter.

El productor ejecutivo, que propuso a los realizadores el reto de conservar las raíces clásicas de la película al tiempo que la hacía más atractiva para el público actual, afirma que está encantado con el resultado. “Estoy muy orgulloso del productor Peter De Vecho, de los directores Steve Anderson y Don Hall, y de todo el equipo de 'Winnie the Pooh' por insuflar nueva vida a los personajes de Winnie the Pooh", dice Lasseter. Y añade: "y por hacer una película tremendamente divertida y absolutamente maravillosa que va a gustar al público de todas las edades y del mundo entero."

LOS REALIZADORES

STEPHEN ANDERSON (Director) se incorporó a Walt Disney Feature Animation en 1995 como artista de historia en “Tarzan” (Tarzán). Antes de trabajar en tareas de dirección en “Winnie the Pooh”, colaboró como director en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) de 2007.

Entre sus créditos en el departamento de historias de WADS están “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras) y “Brother Bear” (Hermano Oso). En ambas películas trabajó como supervisor de historia.

Antes de incorporarse a Disney, Anderson trabajó como animador en Hyperion Animation en “Rover Dangerfield” (Nuestro amigo favorito) y “Bebe’s Kids”. Debutó como director en la serie de televisión “The Itsy Bitsy Spider”.

Anderson creció en Plano, Texas. Después estudió en el prestigioso California Institute of the Arts, donde también fue profesor de creación de historias durante cinco años.

Actualmente reside en Canyon Country, California, con su mujer Heather y su hijo Jacob.

Antes de asumir el papel de director en “Winnie the Pooh”, DON HALL (Director) trabajó como responsable de historia en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) de 2009. Como responsable de historia, trabajó mano a mano con los directores en las sesiones de montaje y grabación; entre sus tareas estaban la supervisión del equipo de creación de historia, las secuencias de storyboard y el guión.

Hall empezó su carrera en Walt Disney Animation Studios en junio de 1995, como aprendiz de creación de historia en "Tarzan" (Tarzán). Trabajó como artista de storyboard en “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), “Chicken Little” y en el desarrollo de varios proyectos. En “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson), le ascendieron a responsable de historia. Fue nominado a un Premio Annie Award por el storyboard de “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), y su trabajo en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) le valió una segunda nominación.

Hall se licenció en dibujo y pintura en la Universidad de Iowa y también en animación de personajes en el California Institute of the Arts. Después de graduarse en Cal Arts, volvió a la universidad como profesor de desarrollo de narración.

Hall nació en Glenwood, Iowa. Actualmente reside en Pasadena con su mujer y sus dos hijos.

Antes de aventurarse con el Bosque de los Cien Acres, PETER DEL VECHO (Productor) fue productor de "The Princess and the Frog" (Tiana y el sapo), el largometraje de animación de Walt Disney número 49. La película le reunió con los directores Ron Clements y John Musker, creadores de “The Little Mermaid” (La Sirenita) y “Aladdin” (Aladino).

Del Vecho llegó a Disney Animation Studios en 1995, con una amplísima experiencia en la producción teatral. Después de trabajar en numerosos teatros de Nueva York y de la Costa Este de Estados Unidos, se unió el prestigioso Guthrie Theater, donde permaneció nueve años, hasta 1995. Su pasión por trabajar en equipo en un entorno artístico lo llevó a Disney en 1995.

Como jefe de producción de “Hercules” (Hércules), fue el responsable de dirigir un equipo de producción de 300 artistas y ayudar a llevar esta aventura épica al cine. Su siguiente crédito fue el de productor asociado de “Treasure Planet” (El planeta del tesoro) en 2002. También fue productor asociado de la aventura animada de 2005 “Chicken Little”, el primer largometraje animado en 3D, en el que además se implicó en el ámbito creativo.

Del Vecho nació y creció en Boston, Massachusetts y mostró desde muy pequeño un gran interés por la música y el teatro: estudió producción teatral en la Universidad de Boston donde se graduó en Bellas Artes. Después trabajó como director de escena en varios teatros de la Costa Este de Estados Unidos antes de pasar nueve años en el reconocido teatro Guthrie Theater de Minneapolis.

Además de sus éxitos como realizador de cine, Del Vecho tiene una encantadora esposa, Jane, y es padre de Gregory y Georgina, sus mellizos de 13 años. También tiene una licencia de Piloto Deportivo de la FAA, y pilota su propio superligero por la zona de Los Angeles.

JOHN LASSETER (Productor Ejecutivo) ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa el aspecto creativo de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos relacionados. Lasseter debutó como director en 1995 con “Toy Story” (Toy Story [Juguetes]), el primer largometraje de animación generado por ordenador, y desde entonces ha dirigido “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Cars”. Este verano se vuelve a poner al volante de “Cars 2”.

Entre sus créditos como productor ejecutivo se encuentran “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “The Incredibles” (Los increíbles), “Ratatouille”, “WALL•E”, “Bolt”, y “Up” (Up, una aventura en altura), la película del año pasado aclamada por la crítica. Fue la primera película de animación que ha inaugurado el Festival de Cine de Cannes en toda su historia. Además fue galardonada con dos Premios de la Academia® a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Banda Sonora Original. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) y "Tangled" (Enredados), así como el éxito más reciente de crítica y taquilla de Disney•Pixar, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Lasseter escribió, dirigió y animó los primeros cortometrajes de Pixar, entre los que se encuentran “Luxo Jr.”, “Red’s Dream”, “Tin Toy” y “Knick Knack”. “Luxo Jr.” fue la primera película animada por ordenador en tres dimensiones que resultaba nominada a un Oscar de la Academia® al Mejor Cortometraje Animado en 1986; "Tin Toy" fue la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® cuando fue elegida Mejor Cortometraje de Animación en 1988. Lasseter ha sido productor ejecutivo en posteriores cortometrajes del estudio como “Boundin’”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy”, “Day & Night”, y el ganador de un Premio de la Academia®- “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).

Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones del mundo del cine. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story (Juguetes)". Obtuvo también, junto al resto del equipo de guionistas de “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), una nominación a los Oscar® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que una película de animación era reconocida en esa categoría.

En 2009, Lasseter fue premiado en la edición número 66 del Festival de Venecia con el León de Oro a toda una carrera. Al año siguiente, recibió el David O. Selznick Achievement Award que concede la Asociación de Productores de América. Fue el primer productor de películas animadas que recibía este galardón. Entre otros galardones recibidos por Lasseter cabe destacar el premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que le concedió en 2004 la Asociación de Directores Artísticos y un título honorífico del American Film Institute. Además, en 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación.

Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó “The Adventures of Andre and Wally B” (Las aventuras de André y Wally B), la primera película de animación por ordenador en 3D basada en personajes, y creó por ordenador el personaje del Caballero de la Vidriera en la producción de Steven Spielberg de 1985 titulada Young Sherlock Holmes (El Joven Sherlock Holmes).

Lasseter formó parte de la primera promoción del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts donde se graduó en 1979. Lasseter es el único en haber ganado dos veces el Premio para Estudiantes de la Academia a la Animación por “Lady and the Lamp” (1979) y “Nitemare” (1980) que realizó cuando estudiaba en CalArts. Logró su primer premio con 5 años cuando ganó quince dólares en el Model Grocery Market de Whittier, California, por un dibujo a lápiz del Jinete sin Cabeza.

BURNY MATTINSON (Artista Senior de Historia) es uno de los pocos artistas que quedan de los que trabajaron con Walt Disney y sigue formando parte de Walt Disney Animation Studios. Uno de los hitos de la extensa carrera de Mattinson fue una nominación a los Oscar de la Academia® de 1983 de su cortometraje animado “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey), que volvió a llevar a Mickey Mouse a la gran pantalla tras 30 años de ausencia.

El veterano realizador de Disney había trabajado en clásicos como "Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo), “101 Dalmatians” (101 Dálmatas) “The Sword in the Stone” (Merlín el encantador), “The Jungle Book” (El libro de la selva) y “The Rescuers” (Los rescatadores). Desempeñó un papel clave en el equipo de historias en clásicos contemporáneos de Disney como “Aladdin” (Aladino), “Beauty & the Beast” (La Bella y la Bestia), “The Lion King“ (El Rey León), "Pocahontas”, “Mulan” (Mulán), “The Hunchback of Notre Dame” (El Jorobado de Notre Dame), “Tarzan” (Tarzán) y más recientemente, en el famoso cortometraje de Goofy “How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy).

Mattinson nació en San Francisco y todavía recuerda el profundo impacto que le causó “Pinocchio” (Pinocho) cuando lo vio a los 6 años. A los 12 dibujaba personajes de Disney y soñaba con ser artista de dibujos animados.

En 1953, Mattinson empezó su carrera trabajando en el departamento de distribución de correo de Disney. Tenía 18 años y ninguna formación artística formal. A los seis meses dejó de ocuparse del correo y ascendió a intercalador en “Lady and the Tramp” (La Dama y el Vagabundo).

Después fue ayudante de animación en “Sleeping Beauty” (La Bella Durmiente) (a las órdenes del legendario Marc Davis) y continuó ejerciendo esta tarea en “101 Dalmatians” (101 Dálmatas). Pasó los 12 años siguientes colaborando con Eric Larson en películas como “The Sword in the Stone” (Merlín el encantador), “The Jungle Book” (El libro de la selva) y “The Aristocats” (Los Aristogatos).

En 1972, después de completar un programa de formación interno, se convirtió en animador en “Robin Hood” y primer animador en “Winnie the Pooh and Tigger Too” (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!). Después trabajó como diseñador de storyboards y títulos en “The Rescuers” (Los rescatadores) y “The Fox and the Hound” (Tod y Toby), antes de dirigir “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey) en 1983. En 1984, Mattinson escribió, produjo y dirigió “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective).

Antes de unirse al equipo del Bosque de los Cien Acres, MARK HENN (Supervisor de Animación de Winnie the Pooh y Christopher Robin) trabajó como supervisor de animación de la princesa Tiana en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo), ayudando a diseñar el personaje y supervisar su animación durante toda la película.

Henn se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1980 como intercalador en “The Fox and the Hound” (Tod y Toby). En menos de un año ascendió a animador, formando parte del equipo responsable de la animación de Mickey Mouse en “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey). Como animador en “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico), Henn trabajó en el secuaz del Rey Astado, Creeper, en el peludo Gurji y en el juglar flewddur Flam. Creó la animación de Goofy en “How to Hook Up Your Home Theater" (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy) dentro del programa de cortometrajes de Disney. También se encargó de la animación en las secuencias finales del éxito de Walt Disney Studios, “Enchanted” (Hechizada).

Desde que se incorporó a Disney, Henn ha ido cobrando prestigio y se ha convertido en uno de los artistas más respetados del sector. En su primer proyecto como supervisor de animación, Henn se encargó de la animación de Basil, del Dr. Dawson, de Olivia y de Flaversham en “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective). Desde entonces, ha seguido trabajando como supervisor de animación, dando vida a Oliver, Dodger, Jenny y Fagin en “Oliver & Company” (Oliver y su Pandilla); a Ariel en “The Little Mermaid” (La Sirenita); a Bernard y Bianca en “The Rescuers Down Under” (Los Rescatadores en Cangurolandia); a Mickey, al Príncipe y a Goofy en el cortometraje animado “The Prince and the Pauper” (El Príncipe y el mendigo); a Bella en “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia); a Jasmine en “Aladdin” (Aladino); al joven Simba en “The Lion King” (El Rey león); a la atrevida y arrolladora heroína de “Mulan” (Mulán), así como a su padre Fa Zhou; a las bailarinas de hula en la secuencia de apertura de “Lilo & Stitch” (Lilo y Stitch); y a Grace en “Home on the Range” (Zafarrancho en el rancho). También trabajó como animador en el personaje principal de “Pocahontas”. En el año 2000, Henn cambió sus lápices por la silla del director y dirigió el galardonado cortometraje “John Henry” que está basado en una leyenda popular norteamericana.

Henn nació en Dayton, Ohio y desde los 7 años tuvo claro que quería ser animador después de ver el clásico de Disney, “Cinderella” (Cenicienta). En 1980, acabó con éxito el programa de animación de personajes en el California Institute of the Arts. Después empezó su carrera en Disney, donde su mentor fue Eric Larson, el legendario animador de Disney. Henn colecciona antigüedades y es un gran aficionado a la historia americana. Actualmente reside en el Valle de Santa Clarita con su familia.

RANDY HAYCOCK (Supervisor de Animación de Igor) se ha encargado del diseño y de la animación de Igor en ”Winnie the Pooh”, colaborando en la desarrollo del aspecto y la personalidad del personaje, además de trabajar con los directores para que Igor encajara en la visión que ellos tenían. Trabajó también como supervisor de animación de Naveen en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo).

Haycock creció en Grand Junction, Colorado, y quería ser paleontólogo. Después quiso ser ilustrador de libros, pero a los 15 años vio el clásico "Fantasía" y decidió que quería ser animador en los Walt Disney Animation Studios. Su deseo se hizo realidad unos años después, tras estudiar en la Brigham Young University y en el California Institute of the Arts.

Antes de incorporarse al equipo de Disney en febrero de 1992 como intercalador en el largometraje ”Aladdin” (Aladino), adquirió experiencia trabajando en el diseño de personajes en una serie animada de televisión.

Después de ”Aladdin” (Aladino), trabajó como animador en las siguientes películas de Disney: ”The Lion King” (El Rey León), “Pocahontas”, “Hercules” (Hércules) (supervisando a Baby y al joven Hércules), “Tarzan” (Trazán) (supervisando a Clayton), ”Atlantis: The Lost Empire” (Atlantis, el Imperio Perdido) (supervisión de la princesa Kida),”Treasure Planet” (El planeta del tesoro), ”Chicken Little” y ”Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) (supervisión de Franny, Fritz, Petunia, Laszlo y Tallulah), así como la animación de Goofy en el cortometraje ”How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy). Haycock también ha creado la animación en el cortometraje de próximo estreno titulado "The Ballad of Nessie” (La Balada de Nessie).

Haycock vive con su mujer, cinco hijos y tres perros en Santa Clarita, California.

DALE BAER (Supervisor de animación de Búho) siempre quiso trabajar en Disney. Desde que tenía 8 años deseaba volar como Peter Pan. Se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1971 en el recién estrenado Programa de Formación de Animación. La primera producción de Baer fue “Robin Hood” donde se ocupó de varias tareas, de los intercalados y la limpieza y también de la animación. Entre sus primeros trabajos están “The Rescuers” (Los rescatadores) y “Winnie the Pooh and Tigger Too” (Winnie The Pooh... ¡y Tigger también!).

El siguiente trabajo de Baer fue como freelance a través de su empresa Baer Animation. Entre sus proyectos se incluyen la animación de “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico), “The Prince and the Pauper” (El Príncipe y el mendigo), “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey) y “The Great Mouse Detective" (Basil, el ratón superdetective). También trabajó como supervisor de animación en "Who Framed Roger Rabbit" (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), para la unidad de Los Ángeles.

En 1998 volvió a Disney y no tardó en ascender al puesto de supervisor de animación del personaje de Yzma en “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras), ganando un Premio Annie en la categoría de Mayor Logro Individual en Animación de Personajes en 2001. Se encargó de supervisar la animación de Wilbur en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson), y colaboró en la animación y el diseño de personajes en varios cortometrajes.

Baer nació en Denver, Colorado, y estudió en el Instituto de Arte Chouinard. Actualmente vive en Leona Valley, California, con sus perros, gatos y llamas.

ANDREAS DEJA (Supervisor de Animación de Tigger) trabajó como supervisor de animación de Mama Odie y Juju en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo) antes de hacerse cargo de Tigger en “Winnie the Pooh.”

En 2007, Deja recibió el prestigioso Premio Winsor McKay a toda una carrera que concede la International Animation Film Society – Hollywood por su gran aportación a la animación.

Deja solicitó un trabajo como animador de Disney cuando tenía 10 años. Deja nació en Polonia y creció en Alemania. Recuerda que escribió al estudio después de ver “The Jungle Book” (El libro de la Selva). El estudio le contestó diciendo que no tenían plazas vacantes, pero que siempre estaban buscando nuevos talentos. Esta respuesta le dio la motivación que necesitaba para conseguir su objetivo y a los 23 años tras terminar sus estudios de comunicación visual en la Folkwangschule de Essen, Alemania, volvió a solicitar un puesto y fue aceptado.

Después de trabajar con Eric Larson, uno de los legendarios “nueve ancianos” de Disney, Deja pasó varias pruebas y colaboró en el diseño de personajes, en investigación de vestuario y animación en “The Black Cauldron” (Tarón y el caldero mágico). Su siguiente misión fue “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective), donde se encargó de la Reina Ratón y de su melliza robótica. Deja colaboró en el diseño de muchos de los personajes de “Oliver & Company” (Oliver y su pandilla). También hizo algunas animaciones antes de que le enviasen un año a Londres para trabajar como animador jefe en “Who Framed Roger Rabbit?” (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), bajo la dirección de Richard Williams.

En “The Little Mermaid” (La Sirenita) Deja supervisó la animación de Tritón, un personaje muy potente que exigía grandes dotes como dibujante así como fuerza interpretativa. En el musical animado “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia), galardonado con un Premio de la Academia®, Deja fue supervisor de animación del primero de los muchos villanos de Disney, el pomposo e intolerante Gastón.

Siguió con este tipo de personajes oscuros animando al malvado visir Jafar en “Aladdin” (Aladino), el musical animado de Disney que cosechó un enorme éxito. También supervisó la animación de Scar, el villano hambriento de poder del “The Lion King” (El Rey león), que se convirtió en una de las cintas de más éxito de los Estudios Walt Disney, así como uno de los más rentables de la historia del cine. Entre los créditos de Deja cabe destacar “Runaway Brain”, el primer cortometraje de Mickey Mouse desde 1953. Supervisó la animación del famoso ratón en las instalaciones de la compañía en París. Trabajó como animador de supervisión de los personajes principales de la comedia épica animada “Hercules” (Hércules), así como del personaje de Lilo en “Lilo & Stitch” (Lilo y Stitch). Creó el personaje animado del padre de Bambi en “Bambi II” para DisneyToon Studios, y el de Goofy en “How to Hook Up Your Home Theater” (Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy).

ERIC GOLDBERG (Supervisor de Animación de Rabbit y de Backson Song) es un veterano director, diseñador y animador que ha trabajado en Nueva York, Londres y Hollywood, creando largometrajes, anuncios publicitarios, secuencias de títulos y especiales de televisión tanto en el mundo de la animación dibujada a mano como generada por ordenador. Goldberg fue supervisor de animación de Louis, el caimán que toca la trompeta en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo), la película de animación dibujada a mano.

Las primeras incursiones de Goldberg en el cine en Super-8 le hicieron acreedor de varios Kodak Teenage Movie Awards, incluyendo el Gran Premio en los cursos de verano de 1974 en la Universidad del Sur de California. Recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de Brooklyn, Nueva York, donde se graduó en ilustración además de seguir cursos de animación y cine.

Uno de sus primeros trabajos profesionales fue como animador freelance (cuando todavía estaba estudiando) que le llevó a conseguir un trabajo a tiempo completo como ayudante de animador en “Raggedy Ann and Andy” de Richard Williams. Cuando acabó el rodaje, Williams invitó a Goldberg a trabajar en su estudio de Londres como director/animador de infinidad de anuncios para televisión. Tuvo la suerte de trabajar con Ken Harris, que le enseñó las técnicas que Harris había aprendido como mejor animador de Chuck Jones. La colaboración de Goldberg con Williams continuó en Los Angeles, donde Goldberg fue director de animación de “Ziggy’s Gift”, ganadora de un Emmy® y basada en la famosa tira cómica de periódico.

Goldberg y su mujer Susan (una artista de animación que también ha hecho las veces de directora artística en sus proyectos) regresaron a Londres, donde cofundó Pizazz Pictures, un estudio de anuncios publicitarios con una cartera de clientes internacionales. Dirigió anuncios utilizando las técnicas más diversas, desde la 'cel-animation' y la pintura, la animación fotograma a fotograma y la pixelización, pasando por la combinación de acción real y animación y la composición digital.

Disney contrató a Goldberg en lo que se convirtió en una estancia de diez años en el estudio. Empezó supervisando la animación del Genio de “Aladdin” (Aladino). Fue codirector de la famosísima “Pocahontas” y se encargó de la animación del sátiro Phil en “Hercules” (Hércules) a quién Danny DeVito prestó su voz. Después dirigió, escribió y animó dos secuencias de “Fantasia/2000” (“Carnaval de los Animales" y “Rhapsody in Blue”). Su mujer Susan fue directora artística en ambos trabajos.

Goldberg ha experimentado con las técnicas más avanzadas de animación por ordenador que reproducen la fluidez del método 'squash and stretch' (compresión y extensión)” de la mejor animación dibujada a mano. El resultado de sus experimentos fue la atracción Magic Lamp Theater en el parque temático DisneySea de Tokio, cuya estrella es el personaje del Genio en 3D. También dirigió “A Monkey’s Tale”, un cortometraje animado de 12 minutos en alta definición para un centro cultural budista en Hong Kong.

Antes de participar en “Winnie the Pooh”, BRUCE SMITH (Supervisor de Animación de Piglet, Kanga, Rito) trabajó como supervisor de animación del villano Dr. Facilier en “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo). Los supervisores de animación establecen el estilo de sus personajes y dirigen la realización. En este cargo, Smith supervisa un equipo de animadores con el fin de garantizar el nivel de calidad que se espera de los Walt Disney Animation Studios.

Smith se incorporó a Walt Disney Animation Studios en 1988. Creó números de animación para los parques temáticos, mientas realizaba la animación de películas como “Tarzan” (Tarzán), “The Emperor’s New Groove” (El emperador y sus locuras) y “Home on the Range” (Zafarrancho en el rancho).

A Smith siempre le interesó el arte de la animación. Después de estudiar animación de personajes en Cal Arts, Smith probó en varios estudios de animación antes de aterrizar en Disney. Allí trabajó en su primera película, “Who Framed Roger Rabbit?” (¿Quién engañó a Roger Rabbit?).

A lo largo de su carrera, Smith ha trabajado en un sinfín de proyectos innovadores. Fue director de “Bebe’s Kids” y director de animación en “Space Jam”. Smith trabajó como productor ejecutivo y creativo en “The Proud Family" (Los Proud), la popular serie de televisión animada de Disney Channel.

ROBERT LOPEZ (Canciones Originales) ha ganado un Premio Tony® como co-compositor del musical de enorme éxito titulado “Avenue Q” que estuvo seis años representándose en Broadway y cuatro en el West End de Londres, y que ahora lleva dos años en el off-Broadway. El siguiente proyecto de Lopez es el musical “The Book of Mormon”, que ha escrito junto con Trey Parker y Matt Stone (“South Park”), y que se estrena en Broadway en marzo de 2011; así como “Up Here”, un nuevo musical escrito con su mujer, KRISTEN ANDERSON-LOPEZ (Canciones Originales, Voz de Kanga), cuyo espectáculo, titulado “In Transit”, se representó hace poco en el off-Broadway. Lopez ha co-escrito el episodio musical de la serie “Scrubs”, y Lopez y Anderson-Lopez han compuesto para Nickelodeon y Disney, incluyendo la versión teatral de “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), y canciones para “The Wonder Pets” (Mascotas maravilla) (ganador de dos Premios Emmy®).

HENRY JACKMAN (Compositor) estudió música clásica en el Reino Unido, en el Coro de la Catedral de San Pablo, en Eton y en la Universidad de Oxford. Su insaciable interés por la tecnología y la cultura contemporánea le llevó a mezclar su educación formal con los ritmos urbanos de la música de club y la revolucionaria producción de sonidos electrónicos. Henry tiene una exitosa y ecléctica carrera en la industria del cine y la música. Su obra musical va desde números unos en las listas de éxitos hasta lo esotérico, y desde los éxitos en las taquillas de verano a los proyectos de cine de autor. Posee un abanico único de cualidades que incluyen una formación en composición clásica, arreglos orquestales, la programación de ritmos, el diseño de sonido, la producción y las mezclas.

En los últimos años, Henry ha hecho una sorprendente y espléndida transición a las bandas sonoras para el cine. A principios de 2006, llamó la atención de Hans Zimmer, ganador de un Oscar® y uno de los compositores de más éxito de todos los tiempos. Esta fructífera asociación se ha materializado en un gran número de créditos y colaboraciones en algunas de las películas más rentables de los últimos años como “The Da Vinci Code” (El Código Da Vinci), “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe: El Cofre del hombre muerto), “The Holiday”, "Pirates of the Caribbean: At World’s End” "Piratas del Caribe: En el fin del mundo), “The Simpsons Movie” (Los Simpson: la película), “Kung Fu Panda”, “Hancock”, “The Dark Knight” (El caballero oscuro), y “It’s Complicated” (No es tan fácil). En 2009 compuso toda la música de “Monsters vs. Aliens” (Monstruos contra Alienígenas), para Dreamworks Animation, y durante el verano compuso la banda original del biopic “Henri 4” (de Ziegler Films, Alemania), estrenada en marzo de 2010. El siguiente proyecto de Jackman fue “Kick-Ass” (Kick-Ass: listo para machacar) (Marv Films / Plan B Entertainment), grabado en Air Studios, en enero de 2010 y estrenado en abril.

La película más reciente de Jackman es “Gulliver’s Travels”(Los viajes de Gulliver) (de 20th Century Fox), que se estrenó en la Navidad de 2010. Jackman escribió la música original del último estreno de 20th Century Fox, “X-Men: First Class” (X-Men: Primera generación). Además se encargará de la banda sonora de “Puss in Boots” (El gato con botas) de DreamWorks Animation.

La Orquesta Sinfónica de Londres y la Filarmónica de Los Ángeles han interpretado y grabado las singulares composiciones orquestales de Jackman. Su capacidad para trabajar con grandes músicos y directores de orquesta es una parte esencial de su trabajo. Además de componer música para películas, Jackman también ha encontrado tiempo para grabar sus propios álbumes. “Utopia” (Utopía), publicado en West One Music, combina el sonido de los coros lituanos con música electrónica y una producción muy innovadora. En 2005, él mismo escribió, programó, realizó los arreglos y las mezlas y produjo “Transfiguration”, publicado por KPM Music. Las influencias de este álbum son de lo más variadas, desde los Salmos de David hasta la poesía de Herman Hesse. Realizó “Acoustica”, publicado también por KPM Music, en colaboración con el galardonado guitarrista y compositor Augustus Isadore. Antes de terminar “Utopia”, “Transfiguration” y “Acoustica”, la obra de Jackman dentro de la industria musical ha sido muy variada y goza de gran prestigio. Sus créditos en la programación incluyen proyectos con Mike Oldfield, Marc Almond, Coolio y Kirsty McColl. Colaboró con Andy Gardner (Plump DJ) en la producción de una serie de remixes de música de baile que estuvieron en los primeros puestos de las listas de este tipo de música y que fueron escogidas para Pete Tong's Essential Selection, para artistas como Kele le Roc y Boyzone. Al mismo tiempo trabajó con Michael Gordon, un compositor minimalista que vive en Nueva York, en su composición "Weather", para Coalition Records.

Poco tiempo después, Jackman trabajó con el legendario Trevor Horn, programando e interpretando arreglos para cuerdas para el tema de la película "Anastasia" de 20th Century Fox. Richard Marx y Donna Lewis cantaron la canción 'In the Beginning'. Con Trevor Horn también produjo "Born On A Sunday" para el álbum del grupo Art of Noise titulado "The Seduction of Claude Debussy". Mientras tanto, produjo música pop para artistas como Gary Barlow de Take That (que llegó al número tres de las listas del Reino Unido) y Justin. Además de sus tareas de productor, Henry sigue componiendo música que se utiliza habitualmente en CNN News, la BBC, el "Show de Oprah Winfrey" y The Discovery Channel. Jackman colaboró con el cantante Seal, conocido en todo el mundo. Trabajaron juntos en la composición y producción de "This Could Be Heaven" para la película "The Family Man", protagonizada por Nicholas Cage.

Después de ocho años de éxito ininterrumpido en la industria de la música con artistas, productores, escritores y músicos ganadores de discos de platino, Jackman se ha dedicado a la composición de bandas sonoras, aportando su bagaje de valiosas experiencias y conocimientos sobre producción.

Fuente y fotos: Walt Disney Studios

Cars 2

2011-07-10T00:41:00.001+02:00

“Siempre me han apasionado los coches y estoy empapado de la cultura del automóvil tan popular en el sur de California. Mi padre era gerente de recambios en un concesionario de Chevrolet, así que 'Cars' es un proyecto muy personal para mí... los personajes, el ambiente de ciudad pequeña, la solidaridad que hay entre ellos y su estilo de vida. No podía dejar de pensar en ellos. Quería que viajaran por el mundo, así que me dije que podía recrear el universo de los espías, un género que es otra de mis pasiones. La idea de casar dos mundos tan diferentes como Radiator Springs y el espionaje internacional me parecía interesantísima".

— John Lasseter, Director

LA PRODUCCIÓN

Pixar Animation Studios y Walt Disney Studios se van a las carreras en “Cars 2” ya que el piloto estrella, Rayo McQueen (voz de Owen Wilson) y su mejor amigo, el camión-grúa Mate (voz de Larry the Cable Guy), se embarcan en una nueva aventura y recorren lugares exóticos por todo el globo.

Al dúo se les une el equipo del pit de Radiator Springs. Viajan por el mundo con él para apoyar a Lightning mientras éste compite en el primer Gran Premio Mundial, una carrera diseñada para elegir al coche más rápido del mundo. Pero el camino hasta la meta está lleno de baches, desvíos y sorpresas explosivas ya que Mate se ve atrapado por error en una misteriosa aventura de espionaje internacional.

Mate se encuentra en una difícil encrucijada: ayudar a Rayo MacQueen en la carrera de altos vuelos y “enganchar” su remolque en una misión top secret orquestada por el espía británico Finn McMissile (voz de Michael Caine) y la bellísima espía novata Holley Shiftwell (voz de Emily Mortimer). El viaje de Mate, repleto de acción, le lleva a una persecución explosiva a través de las calles de Japón, Italia, Francia e Inglaterra, acompañado por sus amigos y retransmitido al mundo entero. Además, a esta acelerada diversión se une un variopinto nuevo reparto de coches, barcos, trenes y aviones que se completa por villanos malísimos y pilotos rivales de categoría internacional.

El estreno de “Cars 2” es el decimosegundo largometraje animado de Pixar y coincide con el 25 aniversario del famoso estudio. Además es la continuación del bombazo de taquilla de 2010 “Toy Story 3”, ganadora de los Oscar® de 2010. El oscarizado realizador John Lasseter, director creativo de Pixar desde su creación y consejero delegado creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios, vuelve a ponerse al volante como director en la última aventura de “Cars”. La película está codirigida por Brad Lewis (productor de la oscarizada “Ratatouille”), que dirigió la intensa búsqueda y el desarrollo inicial de la historia hasta que Lasseter pudo ocupar la silla de director. “Cars 2” está producida por la veterana de los efectos visuales Denise Ream (productora asociada en “Up”; productora ejecutiva de efectos visuales en “Star Wars: Episode III — Revenge of the Sith” [La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith]). El compositor Michael Giacchino, premiado con los Oscar® (“The Incredibles” [Los Increíbles], “Up”) es el autor de la electrizante banda sonora en la que el rock surfero se mezcla con el peculiar sonido de una peli de espías, así como una variedad de acentos que evocan el miedo, el misterio y la emoción. Brad Paisley, Robbie Williams, Weezer, el cantante francés Bénabar y la banda femenina japonesa Perfume ponen su talento a disposición de la banda sonora de la película.

Además, “Cars 2” cuenta con un elenco estelar de actores que prestan sus voces a los coches, sin olvidar los barcos y los aviones que exige esta historia de aventuras por todo el mundo. Owen Wilson vuelve a poner la voz a Rayo McQueen, ganador de cuatro Copas Piston y que se ha convertido en uno de los favoritos del Gran Premio Mundial. Larry the Cable Guy es la voz de Mate (propietario de Tom Mate), el mejor amigo de Rayo McQueen y el alma de Radiator Springs. Bonnie Hunt vuelve para prestar su voz a Sally, el Porsche 911 Carrera azul celeste cuyo motor late por Rayo. El aclamado actor Michael Caine debuta en una cinta de Pixar prestando su voz a Finn McMissile, un espía británico que confunde a Mate con un agente encubierto americano magistralmente disfrazado. Emily Mortimer aporta encanto, inteligencia y clase prestando su voz a Holley Shiftwell, una espía de campo novata que se sabe el manual de memoria. El versátil actor John Turturro ofrece una magnífica actuación en la voz de Francesco Bernoulli, el mundialmente conocido campeón italiano y máximo rival de Rayo. Tony Shalhoub, Guido Quaroni, Paul Dooley, Cheech Marin, John Ratzenberger, Joe Mantegna, Peter Jacobson, Jason Isaacs, Eddie Izzard, Franco Nero y Vanessa Redgrave completan el resto de elenco de voces. Lewis Hamilton, el auténtico piloto de Fórmula Uno y Jeff Gordo el piloto de NASCAR añaden un toque de autenticidad haciendo cameos en la película.

“Cars 2” se presenta en versión Disney Digital 3D™ donde esté disponible esta tecnología, y utiliza los últimos avances técnicos para que el público disfrute en primera persona (y también a través de la visión del ojo de los coches) de toda la acción de las carreras y de los fabulosos escenarios. El fantástico equipo técnico de Pixar también contribuye a que la película supere todo lo imaginado al servirse de las herramientas de última generación en maquetas, iluminación, sombreado y acabado.

JOHN LASSETER VUELVE A PONERSE AL VOLANTE

El director no puede resistirse a dirigir la carrera o la persecución de espías

Tras terminar “Cars”, John Lasseter sabía que quería contar otra historia con estos personajes que tanto le habían gustado a él y al público. Y las ideas de “Cars 2” fueron tomando forma antes de que empezara el rodaje de la película.

“Durante ‘Cars’”, dice Lasseter, “desarrollamos una secuencia en la que Rayo McQueen tenía una primera cita con Sally, el Porsche. Iban a ir a un autocine porque es el lugar perfecto para un coche. Después nos pusimos a pensar: '¿Qué película van a ver?' Me gustan mucho las películas de espías y pensé que sería genial ver cómo funcionaba este género en el mundo de los automóviles. Así que nos inventamos un personaje llamado Finn McMissile que sería el protagonista de la película del autocine.

“Me encantan las películas de espías", añade Lasseter. “Crecí viendo la serie de televisión ‘The Man from U.N.C.L.E.’ y me gusta ver películas de espías con mis cinco hijos varones. Hemos visto la serie de 'Bourne' más de cien veces. Y a pesar de que al final cambiamos la secuencia y la cita no es en el autocine, nunca me olvidé de la idea de Finn McMissile y la película de espías. Pensé: 'Aquí hay un potencial enorme'".

Después, en 2006, cuando estaba embarcado en una gira de promoción mundial para el estreno internacional de “Cars”, Lasseter comprendió que todos esos países con culturas tan diferentes serían el escenario perfecto para que los personajes de “Cars” se embarcaran en una aventura de espías.

“Es muy divertido llevar a Mate por todo el mundo y ponerle en situaciones que sólo pueden ocurrir en ese país", dice Lasseter. “Así que la segunda parte de la historia surgió mientras estaba viajando. Tenía a todos esos personajes en la cabeza, y no podía parar de reírme imaginando a Mate en esas situaciones tan extrañas para él. ¿Cómo se las arreglaría conduciendo por la derecha en Londres?? ¿Y cuándo se perdiera por el laberinto de las calles de Tokio, sin nombres de calles en inglés? ¿Y qué tal se las apañaría en Italia, donde las señales de tráfico son una mera sugerencia de lo que puedes hacer?”

Además de la oportunidad que representaba llevar a los personajes por todo el planeta y explorar el mundo de las carreras y del espionaje internacional, lo que atraía a Lasseter era el alma y el humor de los personajes y de la historia.

“El humor de ‘Cars 2’ reside en la personalidad de los personajes", dice el director, "y de verles en esas situaciones tan poco habituales para ellos. Pero en lo que se refiere a los sentimientos, el mensaje de la película es la amistad entre Rayo McQueen y Mate, que va a ponerse a prueba en situaciones de lo más peculiares e interesantes. Se trata de averiguar qué pruebas puede resistir una amistad. Lo que parece muy sólido en un lugar puede resultar muy diferente si se cambia de escenario. Se pone a prueba una amistad en una serie de circunstancias diferentes y en un escenario diferente... ¿Es tan fuerte su amistad?

Lasseter siente predilección por Mate. “Mate es un personaje muy especial. Es honrado y tremendamente sincero y dice las cosas como las siente", dice el director. "Además es adorable, y muy divertido. Cuando un personaje tan inocente como él se da cuenta que la gente no sería de las mismas cosas, sino que se ríe de él, se te rompe el corazón. Para él es un verdadero baño de realidad. Se ve obligado a conocer la verdad sobre sí mismo, o lo que él cree que es la verdad sobre sí mismo. Es muy emotivo porque gracias a este viaje interior, su amistad con Rayo McQueen se hace aún más fuerte. Ambos se dan cuenta que Mate es quien es y que no es Mate el que tiene que cambiar sino el mundo".

Brad Lewis, codirector afirma: "Trabajar con un John siempre es fuente de inspiración. Tiene una imaginación desbordante y enseguida te das cuenta que todos esos mundos maravillosos habitan en su cerebro. En el caso de ‘Cars 2’, los personajes tienen un significado especial para John. Hemos creado una gran historia juntos y tenemos un amistad maravillosa. Ha sido una gran alegría y una fabulosa experiencia trabajar codo con codo con él en esta película”.

La productora Denise Ream afirma que trabajar con Lasseter fue un sueño hecho realidad. Y no lo fue sólo para ella. "Desde que John terminó de dirigir 'Cars', Pixar ha crecido considerablemente, así que un montón de artistas no habían tenido la oportunidad de trabajar con él. "Ha sido un privilegio ver a John dirigir a los artistas y a los animadores, y verle trabajar con todos los distintos departamentos. Como director, lo tiene todo muy claro. Sabe lo quiere. Esto es su pasión. Y es genial trabajar con alguien que siente tanta pasión por este medio. Además hay que reconocer que es un grandísimo narrador. Tenía esta película en mente, y ha sido muy divertido trasladar esta visión a la pantalla. Ha sido un auténtico desafío pero trabajar con él es una gozada".

DE VUELTA A LA CARRETERA: CREAR LA HISTORIA DE "CARS 2"

Los realizadores crean un cuento repleto de acción sobre el espionaje internacional

Espionaje internacional. Carreras de coches por todo el mundo. Amistad. Cada tema desempeña un papel en "Cars 2", y el codirector Brad Lewis, el guionista Ben Queen y el equipo de historia de Pixar, a las órdenes de Nathan Stanton, se encargaron de encontrar el equilibrio en la historia. El guión de la película es de Queen, basado en una historia de Lasseter, Lewis y Dan Fogelman.

"Esto no es una parodia de una película de espías", afirma Lasseter. "Es una película de espías en la que los coches son los personajes. Es un género diferente que nos da una oportunidad de jugar con un montón de artilugios. El niño que llevo dentro sale en esta película más que en cualquier otra. Vamos a divertirnos con este mundo. Vamos a divertirnos con estos artilugios".

Queen afirma: "Cuando ves la secuencia de apertura con Finn McMissile te das cuenta que está interpretada con total seriedad. Y después, la siguiente escena se desarrolla en Radiator Springs y se interpreta en tono de comedia. Y esta yuxtaposición funcional genial y establece inmediatamente el tono de la película. Es un thriller de espías, pero con trasfondos cómicos y emotivos. En el resto de la película arrastramos al público a una historia y género que discurren a velocidad de vértigo".

Para Queen, que había escrito y producido una serie de televisión para Fox llamada "Drive" sobre carreras ilegales en las carreteras del país con personajes que tunean sus coches, "Cars 2" fue su primer guión para una película animada. "La primera película de 'Cars' afianzaba la amistad entre Mate y Rayo, que era algo con lo que se identificaban muchísimo los espectadores", dice Queen. "Queríamos sacar a Radiator Springs de su ambiente y sumergirlo en otro totalmente diferente. Es una verdadera prueba de fuego para esta amistad".

"Llegamos a la conclusión de que su amistad es el quid de la cuestión", dice Nathan Stanton, el supervisor de historia. "Hemos imaginado que han pasado cuatro o cinco años desde la primera película, así que los lazos de amistad entre Rayo y Mate son muy fuertes. Tenemos a un piloto de carreras muy conocido cuyo mejor amigo no ha salido nunca de su pueblo y es tremendamente inocente. Son muy amigos en la seguridad que les proporciona Radiator Springs, así que su amistad no se puesto nunca a prueba. Nos gustaba la idea de explorar lo que ocurre cuando se produce una fractura en su amistad".

Lewis recuerda: "Creo que la película despertó un enorme interés desde el principio. Pero se preguntaban. '¿Es factible? ¿Se puede hacer una película de espías internacionales y conspiraciones que también es una película sobre carreras de coche? Creamos una gran historia y lo mejor de todo es que en Pixar todo el mundo se entregó en cuerpo y alma en esta película. Y creo que el resultado es una de las películas más maravillosas que se han hecho jamás".

"CARS 2" DE PIXAR SE GLOBALIZA

La pandilla de Radiator Springs se va de viaje a Japón, Italia, Francia y el Reino Unido

Cuando "Cars" llegó a los cines en 2006, los espectadores se enamoraron de Radiator Springs, de su encanto y de la magia que desprende una ciudad pequeña. Después de todo es la ciudad pequeña más bonita de Carburetor County. Eso es lo que opina el jefe de grúas de la ciudad y Mate sabe bastante de este tipo de cosas.

Pero cuando llegó el momento de volver a visitar a la pandilla de Radiator Springs, los realizadores se preguntaron qué haría este grupo tan carismático fuera de la seguridad de sus hogares. ¿Pero dónde?

En todo el mundo, por supuesto. El director John Lasseter afirma: "Vayas donde vayas por el mundo, te encuentras el mundo de 'Cars'".

"Y eso es absolutamente genial", dice Lasseter. "Si te fijas en las tres películas de 'Cars', son temas completamente diferentes pero todos se desarrollan en la habitación de Andy y alrededor del mundo de los juguetes. Lo que es diferente en esta película es que el mundo de ‘Cars 2’ es tan grande como el mundo en el que vivimos".

A los realizadores les interesó tanto el escenario de las carreras internacionales que decidieron introducir su coche de carreras en ese nuevo mundo. "Invitan a Rayo McQueen a competir en el Gran Premio Mundial y competir contra los coches más rápidos del mundo en tres localizaciones maravillosas: Japón, Italia y el Reino Unido Pero Mate, que no ha salido nunca de Radiator Springs se siente totalmente desplazado en esas culturas tan diferentes y eso da lugar a momentos cómicos tremendamente divertidos".

LA PELÍCULA SE PONE EN MARCHA

Una aventura global como "Cars 2" no está exenta de dificultades. Según la productora Denise Ream, al ser una secuela, la película tenía cierta ventaja ya que muchos de sus protagonistas y el mundo en el que vivían ya se establecieron en 'Cars'". Ream afirma: "Al empezar 'Cars 2' fue muy útil saber que la película tenía un aspecto establecido. Sin embargo, ampliamos el mundo para que tuvieran cabida todos esos lugares internacionales. Así que a la estética ya conocida vino a añadirse un enorme campo de posibilidades. Incorporar todas estas localizaciones dinámicas ha sido el mayor desafío. De hecho hemos doblado el número de localizaciones de cualquier otra película de Pixar".

"Hay que reinventar los mundos", añade el codirector Brad Lewis. "Tienes que 'car-eizar' todos los edificios de fondo, el atrezzo y los personajes para integrarlos en el mundo de 'Cars'. Y todo forma parte de una película en episodios con comedia y emociones. Recuerdo que cuando dimos las primeras pistas al equipo que iba a ser responsable de gran parte del diseño y del alcance de la película, exclamaron: '¡Estáis de broma, no!'"

"Además, 'Cars 2' tiene más planos de masas, más efectos especiales, más personajes", dice Ream. "Es un proyecto enorme. Tuvimos la suerte de contar con Charley Jessup, un veterano del diseño de producción, que supervisó un departamento artístico repleto de talento cuyo trabajo en el diseño superó todas las nuestras expectativas".

Los artistas y narradores de Pixar se pusieron manos a la obra. El primer paso fue investigar y a este equipo le apasiona investigar, sobre todo cuando eso significa viajar a exóticas localizaciones en el extranjero y empaparse lo más posible de la cultura local. Exploraron ciudades de Europa y Japón para contrastar los detalles del argumento y para asegurar que el aspecto y el estilo de los escenarios internacionales fueran lo más auténticos posible.

LONDRES

En mayo de 2009, varios miembros del equipo de producción de "Cars 2" hicieron un intenso tour por Europa visitando todas las ciudades que pudieron, incluyendo una visita de dos días a Londres.

Los realizadores tomaron nota de la paleta de colores de cada país, dice Jessup. "De hecho utilizamos los cielos grises y la mampostería de Londres como contrapartida a los colores brillantes de los coches, los autobuses rojos de dos pisos y las cabinas de teléfono. Hay muchas pinceladas rojas y azules en Londres.”

La visita incluía paradas en Scotland Yard, el Parlamento, el Big Ben, la Abadía de Westminster y la Noria del Milenio. Pero Jay Shuster, director artístico de personajes, también pasó mucho tiempo recorriendo las calles. "En un momento dado me planté en una acera de Londres durante la hora punta de la mañana y grabé todos los coches que vi, incluyendo camiones y autobuses, para intentar capturar el ambiente".

Las observaciones de Shuster permitieron al equipo poblar las localizaciones internacionales con los tipos de vehículos que circulan en cada lugar. El las llama "especies autóctonas".

Los artistas se divirtieron muchísimo car-eizando los monumentos de cada una de las ciudades que se representa en la película. Jessup afirma: "Utilizamos maquetas y motivos de coches de finales del XIX y principios del XX, y utilizamos esas características para decorar los monumentos y los símbolos de cada ciudad".

Por ejemplo, en el Londres de "Cars 2", la cúpula de la Catedral de San Pablo tiene la forma de una caja de cambios. Una de las transformaciones favoritas del equipo es el Big Ben, que en "Cars 2" se llama muy acertadamente Big Bentley. "Es con toda seguridad el mejor ejemplo de monumento perfectamente adaptado a nuestro mundo", dice Jessup, que tuvo el privilegio de hacer un tour por el interior del Big Ben. "Big Bentley desempeña un papel fundamental en la historia. Para que encajara en el mundo de 'Cars' lo reproducimos a una escala del 250%. También redujimos el tamaño del reloj unas 50 veces hasta un tamaño que cupiera en una sala de juntas". El monumento car-eizado también lleva las rejillas características del Bentley y los adornos en el capó.

Según Lewis, había otro símbolo de Londres que estaba en la lista de los imprescindibles. "Sabíamos que teníamos que recrear el Palacio de Buckhingham", dice el codirector. "Siempre creímos que tenía que ser un lugar por donde pasase la carrera. No podría haber un lugar más regio para la meta que la entrada del Palacio de Buckingham. A John y a mí nos pareció divertidísima la idea de que Mate intentase hacer reír a los alabarderos de la Torre de Londres, así que tuvimos que hacer nuestra propia versión para la película".

PARÍS

Hacía tiempo que la imaginación de Lasseter había situado a Mate en París. "¿Cómo maniobraría Mate en la enorme plaza del Arco del Triunfo?", se pregunta "No hay señales ni carriles".

La película ofrece un montaje de París que incluye un plano del famoso monumento, con Mate intentando incorporarse al tráfico. Al igual que en Londres, el equipo de producción car-eizó el Arco de Triunfo de París diseñando la parte superior en forma de bloque de motor y colocando faros en la parte de delante. El montaje también incluye una pareja de coches besándose en un puente romántico que se parece al Pont des Arts, un lugar que Lasseter y su mujer Nancy visitan cada vez que van a la Ciudad del Amor. De hecho, Lasseter quiso que el "coche femenino" fuera color lavanda, el favorito de su mujer.

Y por supuesto, se car-eizó el Pont des Arts de "Cars 2" al igual que otros símbolos de la ciudad. Se construyó con un tipo de muelles que se utilizan en la suspensión de los coches. En "Cars 2", la parte superior de la Torre Eiffel tiene la forma de una bujía europea de los años 1930 y su base tiene las características de una rueda de radios francesa. En la cinta, la Catedral de Notre Dame de París está adornada con 24 "car-golas" y los contrafuertes tienen forma de tubos de escape.

Durante la producción, el equipo de “Cars 2” también se aventuró en los concesionarios de coches de los Campos Elíseos y visitó el Museo del Grand Palais y el Louvre. Vieron la Ópera de la Bastilla y el Museo de Orsay y les encantó incorporar Les Halles en la película. El antiguo mercado de alimentos se derribó en los años setenta pero en "Cars 2" ha resucitado transformándose en un mercado de recambios de automóvil. Jessup afirma: "Acabó siendo un lugar tremendamente evocador, una estructura enorme de hierro forjado lo suficientemente grande para que los coches pudieran correr. Además hay un mercado gitano dentro que están maravillosamente bien texturizado."

Jessup añade: "Me encantó volver a trabajar en París". "Lo estudiamos muy detenidamente para ‘Ratatouille’, así que fue una maravilla volver. París es una ciudad absolutamente maravillosa".

ITALIA

Para desarrollar la ciudad costera ficticia de Porto Corsa, Italia, el equipo de producción de “Cars 2” visitó localizaciones en la costa de Italia y de Francia. Fueron de Portofino, Italia a Niza, Francia, y también asistieron a la carrera de Fórmula Uno en Mónaco.

Lewis señala: "Cuando decidimos crear una ciudad ficticia italiana, queríamos que fuera una declaración de amor a las carreras de coches italianas. En Italia, las carreras de coches son una pasión nacional. Queríamos reflejar esa pasión, desde la maravillosa costa a la joya de la corona, la carrera de Fórmula Uno en Mónaco. Un por supuesto Montecarlo, con su gran casino".

Portofino fue una de las fuentes de inspiración para recrear Porto Corsa. Jessup afirma: "En la Riviera italiana los tejados son de terracota, los edificios están pintados con colores vivos. Las callejuelas de adoquines están repletas de vegetación mediterránea, sin olvidar el agua color turquesa". El equipo quiso recrear este estilo tan peculiar en su ciudad de Porto Corsa así que incorporaron la arquitectura típica de la Riviera francesa en un escenario al estilo Portofino.

El puerto deportivo de Porto Corsa está perfectamente car-eizado con las características de los coches clásicos italianos. El casino está construido sobre un peñón que reproduce la forma de un Fiat 500 Topolino de 1948, y en las mesas de juego del casino se ven esos dados de peluche que cuelgan de algunos retrovisores.

Lasseter señala: "La car-ificación hace que estos lugares exóticos se conviertan en personajes independientes". "Añade un nivel de humor y entretenimiento a la película que no se había hecho nunca en los escenarios de una cinta de Pixar".

TOKIO

La aventura transoceánica de “Cars 2” se inicia en Japón. A los realizadores les entusiasmaba la idea de reproducir los brillantes colores que iluminan la noche de Tokio. “Los carteles del distrito de Ginza y la riqueza de los colores eran extraordinarios", dice Jessup.

Tanto Lasseter como Lewis han visitado mucha veces Japón así que les entusiasmaba la idea de llevar coches a Tokio. "Pensamos que si los pilotos iban Tokio, se verían expuestos a una cultura muy diferente", dice Lewis. "Rayo McQueen y Mate tienen que vivir situaciones muy dramáticas. Rayo no tiene problema con las luces y la atención internacional, pero esto es algo totalmente nuevo para Mate. Le da la impresión de que no encaja".

Lasseter añade: "Todo el que ha estado en Japón y ha entrado en un cuarto de baño japonés sabe que los inodoros hacen cosas a las que no están acostumbrados los norteamericanos. Así que nos preguntamos cómo reaccionaría Mate y cómo sería un cuarto de baño de un coche. La verdad es que nos divertimos bastante con estas cosas".

Un reducido equipo de producción viajó a Tokio en octubre de 2009 para recrear el escenario de una de las primeras secuencias. Entre los investigadores estaba Sharon Calahan, directora de fotografía para iluminación. “Tokio había cambiado un poco desde la última vez que había estado allí, pero fue genial visitar algunas zonas de la ciudad en los que no había estado nunca, sitios fuera de los lugares trillados", dice Calahan. Ofrecía un enorme contraste con la zona más chillona, la de los neones tan llamativos. Pudimos explorarla libremente para inspirarnos. La secuencia de la fiesta de inauguración del Gran Premio Mundial se celebra en un museo, y el Centro Nacional de Arte de Tokio estaba muy cerca de nuestro hotel. No habíamos planeado basarnos en él, pero nos pareció un edificio maravilloso".

Lewis añade: "Se prestaba muy bien a la car-ificación". "Era bonito y moderno y nos pareció el mejor lugar para recrear la fiesta de inauguración del Gran Premio Mundial".

Durante el tiempo que estuvo en Tokio, el equipo de producción recorrió el circuito urbano de carreras que se reproduce en la película. Se parece a la carrera de Fórmula Uno que se celebra de noche en un circuito urbano de Singapur y Lasseter y Lewis vieron el material de la carrera para utilizarla como referencia. Lewis afirma: "Durante la carrera, se ven esas brillantes luces halógenas blancas en toda la pista. Es fantástico. John y yo pensamos que si podíamos recrear los neones de Tokio y convertirlos en una carrera nocturna con esas luces halógenas blancas tan brillantes, sería una magnífica forma de iniciar la película. Ese centro high-tech iluminado con neones contrasta muchísimo con Radiator Springs, la quintaesencia de la cultura norteamericana".

Lasseter afirma: "Esta película es muy diferente a 'Cars'. Pero sigue siendo una parte del mundo de 'Cars'. Eso es lo que lo hace tan divertido. Los escenarios de todo el mundo, la ostentación, el glamour, la espectacularidad de los escenarios europeos y japoneses, del género de las películas de espías, las carreras, el tipo de coches de carreras que hay allí. Era genial y nos divertimos muchísimo haciéndolo".

LOS EXPERTOS EN AUTOMÓVILES DE PIXAR ASEGURAN LA AUTENTICIDAD

El equipo de “Cars 2” trabaja duro para que todo salga bien

En Pixar, la gente se toma muy en serio su pasión por los coches y de hecho han nombrado a un 'guardián de franquicia' para “Cars” cuya tarea es asegurarse que todos los detalles son correctos. Jay Ward, que dirigió el equipo de maquetas y articulación de personajes en la primera entrega de “Cars” es ahora el recurso fundamental del que dispone Pixar para todo lo que se refiere a “Cars” (incluyendo todas las cuestiones sobre “Cars” relacionadas con la construcción de "Cars Land” en el California Adventure Theme Park de Disney, así como la fabricación de los coches troquelados). A igual que Lasseter, la querencia de Ward por los coches le viene de su padre que trabajó de mecánico en un concesionario y después como vendedor y coleccionista de coches de época. Es el experto en coches del estudio y también dirige el “Motorama” que se celebra anualmente en Pixar. Este evento se remonta a 2001 y los empleados y algunas marcas escogidas de coches muestran sus más preciadas posesiones.

Jay Shuster, que trabajó en el departamento artístico de la primera entrega de "Cars" y ha sido director artístico de personajes en “Cars 2” es otro fanático del motor. Nació en Detroit donde su padre fue diseñador de coches durante 43 años en General Motors.

El papel de Shuster era dirigir el aspecto artístico del diseño de los personales de la película. “Lo primero que hice fue sentarme con John y hablar con él sobre los personajes que había que hacer y sus tipos de personalidad. Muchos de los personajes de la película son diseños propios. Empezamos realizando una profunda investigación sobre el tipo de coches que estábamos creando. Hemos reunido todas las piezas de referencia y hemos intentado hacer un híbrido que después podemos convertir en un objeto original de Pixar".

Añade. "Después de realizar y acabar el diseño, desarrollamos un dibujo ortográfico en tres dimensiones que describe todas las superficies. Después de que John lo apruebe, saltamos enseguida a realizar la maqueta. Analizamos la maqueta esquemática y nos aseguramos que las proporciones, la base de las ruedas y los ojos y la boca funcionen. Después, el equipo de elaboración de maquetas crea la verdadera geometría y rellena la superficie en el espacio informático en tres dimensiones”.

Los equipos artísticos de personajes de “Cars 2” supervisaron la creación de 145 personajes únicos de coches y 781 variantes adicionales. Crear 926 personajes para una película es un récord en Pixar.

Ward explica: “Uno de los trabajos que nos encargaron a principios de la película consistió en comprobar que los coches correspondían a cada país en el caso de los fondos y de los personajes secundarios. Cuando vas a Japón, no ves un Toyota Camry americano porque allí no los venden. Ellos tienen el Toyota Majestic. Queríamos prestar especial atención a estos detalles para que los coches contribuyeran a contar la historia que ocurría en cada lugar.

“Lo pasamos genial diseñado los coches de carreras tipo Fórmula Uno que tanto gustan a los fans de todo el mundo", sigue diciendo Ward. “Al crear nuestras propias competiciones de carreras, nuestros coches se llaman Formula Racers. Fue muy complicado hacer ese tipo de coche para la película, pero queríamos rendir homenaje a la Fórmula Uno, el deporte de motor más popular del mundo. Franceso Bernoulli es uno de nuestros favoritos con el diseño característico de sus llantas. John Turturro aporta al personaje la dosis justa de bravuconería italiana. Es un tipo que sigue pensando que lo importa es el destino y no el viaje. La obsesión de Bernoulli es ganar a todos y tener el mejor aspecto posible".

Según Shuster, conseguir ese aspecto para Francesco fue un verdadero desafío para el equipo. “Francesco era el diseño más difícil de todos debido a que su suspensión estaba al aire", dice. “Tuvimos que rompernos la cabeza para conseguirlo, pero la verdad es que me encanta Francesco.

Shuster añade: “Los coches de Fórmula Uno tienen morros muy largos, así que tuvimos que inflar la forma para conseguir el aspecto que queríamos. Nos llevó mucho trabajo recrear la expresión física de Francesco pero al final ha quedado muy bien. Puede adoptar poses realmente extremas".

Según Ward, la historia de las carreras exigía una investigación muy específica, pero el equipo no se quejó. Ward afirma: “Una cosa es ver las carreras desde fuera otra estar dentro del coche, correr y sentir la fuerza de la gravedad, las curvas, la adrenalina de estar en un bólido de carreras".

Así que varios animadores participaron en escuelas de pilotaje, pero eso sólo fue el principio. “Nos gusta ir a las carreras y observar al público, a los fans, oír los sonidos que no puedes apreciar en un vídeo clip", dice Ward, que también estuvo con varios miembros del equipo de producción en los pits de las carreras. Añade: “Al estar ahí ves cosas que no verías desde tu casa. Por ejemplo, en esta película fuimos al Gran Premio de Mónaco. Hay gente por todas partes. Oyes el sonido de los coches que rebota en las paredes como si fueran gemidos de espíritus... Es impresionante".

Otro favorito de los amantes y expertos en coches de Pixar fueron los coches espía.

“Finn McMissile es el coche más guay de la película porque hace un montón de cosas", explica Ward. “Se transforma en hidroavión y en submarino y tiene todo tipo de artilugios. También tiene imanes de acero en las ruedas lo que le permite escalar por una pared de acero. Finn es un diseño propio e hicimos todo lo posible para que tuviera este fantástico estilo europeo de los años sesenta. Realizamos todo tipo de investigaciones y después se las pasamos a Jay Shuster y al equipo de diseño de personajes. Le dimos muchas vueltas para que todo pareciera auténtico".

Shuster se encargó de encontrar el lugar donde colocar el equipo de espionaje en Finn y Holley Shiftwell. Lo explica así: “No queríamos diseñar a Finn como a un espía". “Queríamos que fuera un coche deportivo inglés de los sesenta. Y realizamos investigaciones exhaustivas sobre los coches de esa época. Cogimos todo lo que nos gustaba de los coches y creamos a Finn".

Al igual que Finn McMissile, Holley Shiftwell debe su belleza al equipo de Pixar que se encargó de diseñarla. Shuster indica: “El proceso de creación de Holley fue muy rápido. Un domingo por la tarde estaba haciendo esquemas y dibujos basándome en lo que John me había dicho sobre el aspecto de Holly. Ella pertenece a la nueva escuela. Así que estudié los coches de careras modernos de todas las marcas que hay en el mundo. Hay toda una nueva generación de bólidos creados por fabricantes privados. Así que dibujé un esquema y al día siguiente se lo mostré a John. Me dijo: 'Sí, ese es'".

Como no podía ser menos, Holley está totalmente equipada con artilugios de última generación, como las cámaras en los faros, un arma escondida, un mecanismo de electroshock y un brazo telescópico. Shuster afirma que de hecho puede volar. “Tiene alas que sobresalen de sus paneles laterales y la puerta trasera del maletero se convierte en un estabilizador horizontal de un ala trasera que es como la de un avión. Tiene quemadores auxiliares que aparecen en su tubo de escape".

Shuster afirma que el trabajo es tan difícil como gratificante. “Cada coche tiene su propia ingeniería y sus propios problemas. Es un verdadero desafío pero también una enorme satisfacción porque he podido utilizar mis conocimientos sobre coches. Nunca creí que podría utilizar todo que aprendí en Detroit para comprender todos los aspectos del diseño y de la ingeniería, y que el resultado serían personajes como estos”.

PIXAR REALIZA SU LARGOMETRAJE MÁS COMPLICADO HASTA LA FECHA

“Cars 2”, sinónimo de hazañas técnicas

En tan sólo cinco años, cuando se estrenó "Cars" en 2006, el mundo de la animación por ordenador ha hecho enormes progresos. Para Apurva Shah, el director técnico de supervisión de “Cars 2”, y las prodigiosas mentes técnicas de Pixar Animation Studios volvieron a diseñar los coches y para ello se sirvieron de una gama variada de de herramientas y programas nuevos. A pesar de tener una granja render (un banco de varios ordenadores que se reparten el trabajo de renderizar las animaciones de la película) tres veces mayor de una que utilizamos en “Toy Story 3”, gestionar el tiempo y los recursos fue especialmente difícil ya que se siguen necesitando 13 horas para terminar un fotograma normal.

“La envergadura de ‘Cars 2’ la convierte en la película más complicada que haya hecho Pixar hasta la fecha", dice Shah. “Esta película es un viaje alrededor del mundo, y todos los lugares a los que llevamos al público salen de la nada. Cada país tiene una gama diferente de personajes con un reparto de cientos de coches. Así que necesitábamos un sistema informático que pudiera soportar este tipo de volumen y ofrecer a la vez la máxima calidad. Ese fue uno de los mayores retos.

Shah afirma: “En lo que se refiere a los coches en sí mismos, la idea era tener una especie de línea de montaje para cada coche. Empezamos un modelo estándar y después fuimos añadiendo los atributos que tiene cada coche en particular. Cada coche se diferencia por su suspensión y por sus características mecánicas. Los coches más antiguos tienen una suspensión más floja, y tienes la impresión de que llevan bastante tiempo en la carretera. Uno de los grandes avances de la película es el sistema de pilotaje de los coches, cómo se mueven, en qué dirección van. Queríamos un gran nivel de control en esos aspectos, pero eso quiere decir otro nivel más de complicación”.

En el circuito de carreras de Londres, Pixar tuvo que crear unos 32 kilómetros de paisajes y entornos. Según Shah: “Empezamos literalmente con el auténtico mapa de Londres. A pesar de que nuestro mundo está muy caricaturizado, queríamos que resultara lo más verídico posible. En esta película, construimos la vegetación y los edificios de forma modular. Así podíamos colocar las piezas juntas y cubrir zonas muy amplias. También adoptamos un nuevo enfoque a la hora de crear el agua para controlar mejor el movimiento de los barcos y su forma de responder a la acción".

Para Jeremy Lasky, director de fotografía-cámara, el reto residía en capturar la enormidad del mundo y hacer que el público sintiese que el mundo en el que viven esos coches va más allá del fotograma. Afirma: “Cada película que hacemos en Pixar representa un paso adelante. Hemos ido aumentando el rendimiento de la cámara para adaptarlo a cada tema. En ‘Cars 2,’ hemos tomado lo que habíamos aprendido en la película en lo que se refiere a cómo filmar coches y hacer que parezcan personajes, y hemos aplicado todas las técnicas que se han ido desarrollando. Ahora la cámara parece más fija y más real que en el primer 'Cars'.

También hemos ampliado nuestro lenguaje en lo que se refiere a filmar carreras o persecuciones de espías para que resulten más atractivas. Esta película tiene que ser como la primera película, pero aún mejor. Siempre estamos subiendo el listón".

Lasky continúa diciendo: “Una de las cosas que averiguamos en el primer 'Cars' es que hay ángulos y lentes muy específicos que funcionan con estos personajes. Partimos de lo que habíamos aprendido en la última película y quisimos llegar más lejos para que los coches tuvieran más movimiento. Los coches son más interesantes cuando están en marcha. En esta película, movemos mucho la cámara para que fuera más dinámico y más interesante. Hemos cogido a esos personajes que tanto gustan al público y los hemos colocado en situaciones vertiginosas e intensas rodeados de maravillosos escenarios”.

Desde el punto de vista cinematográfico, Lasky está especialmente orgulloso de la segunda escena de carrera de la película que se desarrolla en la Riviera italiana en el idealizada pueblo de Porto Corsa. Lasky lo explica así: "Esta escena tiene 12 minutos y está compuesta de 250 planos. Es decir que es una escena de mucha envergadura. Funde varios argumentos clave al mismo tiempo. Está la historia de la carrera de Rayo, la de Mate disfrazado infiltrándose en un casino donde el villano y sus secuaces van a celebrar una reunión secreta para hablar de su artero plan, y donde Finn y Holley van a intentar detenerlos. Fue muy difícil trabajar con todas estas estructuras cinematográficas y estructurales para que la acción pudiera avanzar. La fluidez tenía que ser impecable. El resultado es apasionante y la tensión aumenta a medida que comprendes lo que está pasando”.

En la primera película de "Cars", Lasky y su equipo solicitaron el asesoramiento de Arite Kempner, el mayor especialista de Fox Sports, con el fin de capturar toda la emoción de una carrera en directo, y comprender la metodología que sigue para colocar cámaras en sus retransmisiones. En el mundo virtual de la animación por ordenador, la cámara puede colocarse en cualquier sitio sin peligro para la seguridad de los operadores de cámara o de que se rompan los equipos, así que las posibilidades son ilimitadas y más interesantes. Lasky añade: "Queríamos que la fotografía de ‘Cars 2’ se pareciera a la de una verdadera carrera de Fórmula Uno, pero también queríamos mostrar algo que la gente no ve cuando mira las carreras en la televisión. Queríamos que el público tuviese la impresión de que estaba corriendo con los coches".

En Pixar, las tareas del director de fotografía se dividen en dos áreas diferentes: cámara e iluminación. Sharon Calahan, la homóloga de Lasky en el área de iluminación, ha colaborado con John Lasseter en sus tres películas anteriores.

“Esta película tiene un montón de fantásticas localizaciones internacionales”, afirma Calahan. “Se desarrolla en Europa y Asia, y queríamos reflejar cómo son esas zonas y que no pareciera que seguíamos en Radiator Springs. Tienen colores maravillosos, brillantes y muy modernos. Queríamos que Mate se sintiera como 'un pulpo en un garaje' en esos ambientes y la iluminación nos ayudó a conseguirlo.

Calahan continúa diciendo: “Siempre estamos cambiando la iluminación. Es un área en continuo desarrollo. “Pero eso ocurre en todos los ámbitos de la película y no sólo en la iluminación. Siempre estamos buscando la forma de hacer más. En esta película hemos hecho más cosas que antes. Hemos utilizado más configuraciones de luz, más luces y más superficies reflectivas que nunca".

En las escenas de París, Calahan rindió homenaje a “Ratatouille”, utilizando un luz suave y cálida muy parecida. Para añadir autenticidad, Julien Schreyer, se contó con el magistral artista de la iluminación en esas escenas de “Cars 2”. De hecho él es parisino y también trabajó en "Ratatouille". “Le dije que estas escenas no estarían terminadas hasta que empezara a añorar su ciudad”.

De la misma forma, varios británicos del equipo de iluminación que trabajaron en las escenas de Londres. "En estas escenas, el cielo estaba nublado pero no eran lúgubres", según Calahan. "Los ingleses de mi equipo decían: 'Vaya, tenía que estar nublado'. Y yo les dije: 'Pues sí, ¿qué os esperabais?'"

Algunas de las secuencias más difíciles para Calahan y su equipo fueron las que transcurrían de noche. La secuencia de espías repleta de acción que abre la película discurre en medio del mar con todo tipo de luces reflejándose en el agua. Y también están las escenas de Tokio con todos esos brillantes anuncios de neón. Todas ellas exigían optimizar y combinar los montajes de luces para lograr el efecto deseado.

Calahan añade: "La envergadura de esta película se refleja en todos los departamentos, no sólo en él de iluminación. Hemos hecho más planos de masas que nunca. Lo que me gusta de ‘Cars 2’ es que ofrece una enorme variedad visual. Visualmente es muy rico y colorido pero también hay escenas que tienen una paleta más suave, más limitada."

Y añade: “John es un realizador increíble". “Siempre tiene una visión muy clara de lo que quiere. Sabe cómo quiere que se interpreten las cosas, los puntos de la historia que son importantes para él. Y esa claridad meridiana ayuda muchísimo en todo el proceso de producción y motiva a la gente a superar sus límites”.

REPARTO DE LOS “CAR-SONAJES” PRINCIPALES Y COMPETIDORES

¿Quién es quién? en “Cars 2”

LA PANDILLA DE RADIATOR SPRINGS

Rayo McQueen (alias Rayo) (voz de Owen Wilson)

Rayo McQueen, que lleva el número 95, sigue siendo un coche de carreras rapidísimo, pero sus días de novato han llegado a su fin. Tras ganar cuatro veces la Copa Piston, Rayo, que ahora vive en Radiador Springs, se ha convertido en una auténtica estrella mundial.

Después de su última victoria, Rayo vuelve a casa para descansar y disfrutar de la vida junto a su novia Sally, su mejor amigo Mate y el resto de la familia de Radiador Springs. Pero su descanso se ve interrumpido cuando Mate le inscribe sin querer en el Gran Premio Mundial, una famosa competición de carreras de coches con tres escalas, y que le llevará a recorrer el mundo entero.

Recién pintado para la ocasión y con faros delanteros que funcionan de verdad, Rayo viaja a Japón, Italia e Inglaterra remolcado por su amigo Mate, para embarcarse en la gran aventura de sus vidas. Pero competir con los bólidos más veloces del mundo pone a prueba todas sus habilidades en la pista. Rayo se da cuenta que su mejor amigo no puede dirigir los boxes ni es el representante que necesita para navegar en este desconocido mundillo.

Mate (voz de Larry the Cable Guy)

En Radiador Springs, un destino turístico que se ha vuelto muy popular, la oxidada grúa Mate tiene varios papeles, incluyendo la de propietario del Servicio de Rescate y Grúa Mate, un magnífico narrador de historias y el alma del pueblo. Pero el título que más le gusta a Mate es el de mejor amigo de Rayo McQueen. Para Mate, las abolladuras que se ha hecho en sus escapadas con Rayo a lo largo de los años son como tesoros. Así que espera con impaciencia vivir nuevas aventuras con su amigo cuando Rayo vuelva de la última Copa Piston.

Mate es alegre, sincero y leal a muerte, así que defiende por encima de todo a su mejor amigo Rayo que acaba en una carrera internacional: el Gran Premio Mundial. Cuando Rayo invita a Mate a incorporarse a su equipo del pit, Mate sale de Carburetor County por primera vez en su vida.

Poco después de su llegada a Tokio, Mate se da cuenta que fuera de Radiador Springs el mundo es muy diferente y que le va a llevar tiempo acostumbrarse a tantas novedades. Pero le confunden con un agente secreto americano y se ve inmerso en su propia y fascinante aventura. Mate se ve atrapado entre apoyar a su mejor amigo en una competición de coches alrededor del mundo y su nuevo papel en el espionaje internacional. Y la cosa acaba con una persecución por las calles de Tokio y Europa junto con un equipo de espías británicos y un grupo internacional de villanos.

Sally (voz de Bonnie Hunt)

Sally, un Porsche 911 Carrera azul celeste, es la propietaria del Cozy Cones y de los Moteles Wheel Wagon de Radiador Springs y es la niña de los ojos de Rayo McQueen. Sally espera con impaciencia que Rayo regrese de su temporada en la Copa Piston y sueña con un largo paseo con “Stickers”, el apodo cariñoso con el que llama a Rayo.

Rayo se inscribe en el Gran Premio Mundial la misma noche de su regreso y Sally muestra un apoyo incondicional a su coche de carreras favorito. De hecho, convence a Rayo para que se lleve a su mejor amigo Mate para vivir una experiencia única en sus vidas. Sally se queda en Radiador Springs, y a pesar de que le ilumina en la carrera de monoplazas en Europa – sólo Rayo consigue que su motor vaya como la seda.

Luigi (voz de Tony Shalhoub)

Luigi también vive en Radiador Springs. Es un impulsivo y sociable Fiat 500 italiano, con un corazón que no le cabe en el chasis. Es propietario de la tienda Luigi’s Casa Della Tires y un auténtico virtuoso de los neumáticos. Luigi y su colega Guido se unen a Rayo y Mate para formar parte del equipo de mecánicos de Rayo McQueen para el Gran Premio. Luigi, además de ser un aficionado y un fanático de todo lo italiano, siente una particular fascinación por los coches de carreras de la marca Ferrari. Cuando la competición traslada al equipo a su pueblo natal de Porto Corsa en Italia, Luigi está loco de contento. Es su ocasión para enseñar al equipo de Radiador Springs su precioso pueblo y las maravillosas costumbres de Italia. Su familia recibe a toda la pandilla al estilo italiano: ¡con mucho amore!

Guido (voz de Guido Quaroni)

Guido, la pequeña carretilla elevadora, es el alma de Luigi's Casa Della Tires. Es el ayudante y mejor amigo de Luigi y son los aficionados más chiflados por los bólidos Ferrari de todo Carburetor County. Guido no habla mucho inglés, pero sí sabe palabras como "pit stop". Pero es toda una autoridad a la hora de cambiar neumáticos durante una carrera. Al incorporarse al equipo de Rayo McQueen, Guido podrá presumir de sus rapidísimas paradas en boxes, pero esta vez en la escena internacional, y quizás, sólo quizás... ¡logre ver algunos Ferrari!

Fillmore (voz de Lloyd Sherr)

Fillmore, el coche hippie de Radiador Springs, es un relajado Volkswagen de los años sesenta, que defiende la paz y el amor. Y como le gusta decir a su amigo y vecino Sargento, "quien ha sido hippie siempre será hippie". En su popular tienda llamada Combustible Orgánico Fillmore, elabora su propia gasolina y vende accesorios de estilo hippie. Cuando se entera de que el Gran Premio Mundial sólo autorizará el uso del combustible alternativo Allinol, Fillmore cierra su tienda y se enrola como experto en combustibles en el equipo de Rayo McQueen.

Otros personajes de Radiator Springs son Sargento (voz de Paul Dooley), Mack (voz de John Ratzenberger), Ramón (voz de Cheech Marin), Flo (voz de Jenifer Lewis), Sheriff (voz de Michael Wallis) y Lizzie (voz de Katherine Helmond).

AGENTES TOP SECRET

Finn McMissile (voz de Michael Caine)

Finn McMissile es un consumado espía británico. A pesar de su encanto y su elocuencia, son sus sigilosas estratagemas, su inteligencia y sus años de experiencia lo que logran burlar los inesperados ataques de los villanos, con temerarias y rapidísimas huidas. El diseño de Finn es elegante y estiloso, pero también está preparado para hacer frente a cualquier situación difícil gracias a su arsenal de armas y de divertidísimos gadgets, como los garfios delanteros y traseros, un lanzamisiles, explosivos magnéticos desplegables y un proyector holográfico camuflado. Finn es un avezado profesional en el mundo del espionaje internacional y cree que se está tramando una conspiración durante el Gran Premio Mundial. Su trabajo clandestino en la competición mundial le enfrenta a Mate, a quien confunde con un agente encubierto americano con un disfraz genial.

Holley Shiftwell (voz de Emily Mortimer)

Holley Shiftwell es una guapísima agente secreta británica, convertida en aprendiz de espía y que está destinada en Tokio. Culta e inteligente, lo ha aprendido todo en los libros—o más bien, sigue al pie de la letra lo que dice el manual de espías. Está equipada con la última tecnología en dispositivos de espionaje, que van de cámaras ocultas y armas camufladas a un brazo telescópico y una pantalla holográfica. Holley es una agente muy motivada, pero es una novata que acaba de salir de la academia. Así que su experiencia es puramente teórica y no sabe gran cosa de las situaciones reales. Cuando el experimentado espía Finn McMissile solicita los servicios técnicos de Holley para su última operación de campo secreta, se ve abocada a tener una cita con el candidato más inesperado. Se trata de Mate, una víctima inocente fascinado por la deslumbrante belleza de su nueva amiga.

Siddeley (voz de Jason Isaacs)

Siddeley es un jet bimotor británico dotado de la última tecnología. Con sus 53,6 metros del morro a la cola y una envergadura de ala a ala de 48 metros, el reluciente Siddeley plateado surca los cielos del mundo a velocidades record de Mach 1. Está dotado con todos los equipos de última generación, incluyendo tecnología secreta, armamento defensivo y postcombustión. Siddeley es el socio inquebrantable de Finn en la lucha contra el crimen en todo el mundo.

El grupo de agentes secretos de “Cars 2” también incluye a Rod “Tuerca” Redline (voz de Bruce Campbell).

EMPIEZA LA CARRERA

Miles Axlerod (voz de Eddie Izzard)

Sir Miles Axlerod es un antiguo magnate del petróleo que ha empleado toda su fortuna en convertirse en un vehículo eléctrico. Ahora se dedica en cuerpo y alma a encontrar una fuente de energía renovable y limpia. Y al final descubre el combustible que, en su opinión, debería utilizar todo el mundo. Miles también es el coche que organiza el Gran Premio Mundial, una carrera que discurre por tres países y que creó para atraer a los mejores pilotos del mundo. Pero en realidad sólo es una excusa para mostrar su maravilloso combustible, el Allinol.

Francesco Bernoulli, nº 1 (voz de John Turturro)

Francesco Bernoulli creció a la sombra del famoso circuito automovilístico de Monza en Italia. El y sus amigos se colaban en el circuito y corrían por la famosa horquilla de la Pista di Alta Velocita. No tardó en imponerse en el circuito amateur y se convirtió rápidamente en un piloto campeón. A las damas les enloquece las ruedas de Francesco. Los jóvenes imitan su espíritu ganador y sus colegas de carrera envidian su velocidad. Pero el mayor fan de Francesco es el mismísimo Francesco. Y la mejor prueba es el número con el que corre. Es el coche de carreras más famoso de Europa, así que Francesco, con su número 1, es el favorito para ganar el Gran Premio. Y eso le convierte en el máximo rival de Rayo McQueen.

Lewis Hamilton, nº 2 (voz de Lewis Hamilton)

Lewis Hamilton el elegantísimo y rapidísimo campeón de Grand Touring Sports nº2, lleva casi toda su corta vida ganando carreras. Como todos los coches jóvenes, Lewis pasó la infancia entre el cole, las clases de kárate, además de ganar el British Karting Championship a los 10 años. Hoy, el famoso piloto británico sigue demostrando su excepcional ética profesional y su confianza en los circuitos de carreras, donde sus extraordinarias hazañas hablan por sí mismas gracias a un record impecable en los circuitos junior y profesionales. Lewis representará a Gran Bretaña en el Gran Premio Mundial con su brillante pintura metalizada negra y amarilla. Su coche también lleva la bandera de Grenada, el país de origen de su familia que emigró al Reino Unido en los años 50.Su incomparable técnica, su habilidad innata para la velocidad y su actitud relajada muy propia del kárate le convierten en un peligroso rival.

Carla Veloso, nº 8

Carla Veloso participa también en el Gran Premio Mundial. Es de Río de Janeiro, Brasil. La encantadora pero potente diva latina puede bailar toda la noche en el “Car-nival” pero pasa casi todo su tiempo en los circuitos de carreras. Después de establecer un nuevo record en el circuito local de Interlagos, le propusieron unirse al equipo de carreras de resistencia de 24 horas en Europa, donde logró una fantástica serie de podios. En el Gran Premio Mundial, la orgullosa piloto brasileña de Le Motor Prototype es la única chica de los participantes. Carla quiere demostrar al mundo que el nº8 ha venido a llevarse el triunfo a su país.

Jeff Gorvette, nº 24 (voz de Jeff Gordon)

Jeff Gorvette es uno de los mejores bólidos de carreras americanos que siguen vivos. Vestido con las barras y estrellas de la bandera de su país, el Corvette C6.R nº24 ha cosechado grandes éxitos en las pistas y carreteras de los circuitos del Grand Touring Sports. Tras mudarse de su pueblo natal de Vallejo, California, a Indiana para estar más cerca del mundo de las carreras, la capacidad de Gorvette para acelerar desde una edad muy temprana ha hecho que se levanten muchos capós cuando el compite. Sus campeonatos y el número de victorias no tienen parangón y le convierten en un competidor respetado -y una verdadera amenaza- en el Gran Premio Mundial.

Otros de los pilotos del Gran Premio son:

Max Schnell, nº4, Alemania. El descapotable de fibra de carbono ha ganado más carreras en Motorheimring que ningún otro coche en la historia de la World Torque League.

Miguel Camino, nº 5, España. Este veterano de la Carrera de los Bulldozers, también es un aguerrido competidor del circuito Grand Touring Sports.

Raoul ÇaRoule, nº 6, Francia. El “Mejor Coche de Rally del Mundo” — el primer coche que gana nueve rallies consecutivos — dominará en las secciones de tierra.

Shu Todoroki, nº 7, Japón. El Le Motor Prototype y campeón del Circuito Suzuka luce un temible dragón Ka-Riu que según algunos podría intimidar en la competición.

Nigel Gearsley, nº 9, Inglaterra. El piloto Aston Martin DB9R que ya ha ganado en casi todas las escalas del circuito Grand Touring Sports, incluyendo una lista de podios en Nurburgring y Le Mans.

Rip Clutchgoneski, nº 10, República de Nueva Rearendia. El piloto con una historia digna de Cenicienta, bien podría poner a su país en el mapa.

Otros nombres del mundo de las carreras:

Darrell Carter (voz de Darrell Waltrip)

Darrell Carter es un campeón de la legendaria multi-Piston Cup que se ha convertido en un queridísimo locutor de carreras. El Chevrolet Monte Carlo nº17 nacido en Kentucky es famoso por sus extravagantes comentarios que hacen las delicias de los aficionados de la Piston Cup por su humor, carisma y frases míticas como — “¡oogity, boogity, boogity! ¡Vamos a correr, chicos!” Ha pasado años en los circuitos, en los pits y entre aceite, pero sabe cómo contar las cosas. Este caballero del sur de Estados Unidos sabe lo que cuesta ganar y quiere que todo el mundo conozca el Gran Premio Mundial.

David Hobbscap (voz de David Hobbs)

El precioso Jaguar Lightweight E-Type verde bosque, David Hobbscap, originario de Royal Leamington Spa, Inglaterra, es una lumbrera de las carreras internacionales. Sus 30 años de carrera en los circuitos profesionales abarca todo el planeta y todos los tipos de deportes de motor. Ahora, David Now David comparte sus inestimables conocimientos en su papel de locutor, donde también es muy conocido por sus comentarios cómicos durante las retransmisiones de las carreras. Es un antiguo campeón con 24 participaciones en las 24 Horas de Le Mans, así que sus narraciones se basan en su experiencia personal. David, un locutor de televisión nada habitual, está deseando culturizar y entretener al público del Gran Premio.

Brent Mustangburger (voz de Brent Musburger)

Brent Mustangburger es un icono de las retransmisiones deportivas en Estados Unidos. Este nervioso Ford Mustang de 1964½ que se autoproclama el "mejor del garaje" está considerado una de las voces más reconocibles de la historia de las retransmisiones deportivas y se le identifica con algunos de los momentos más memorables del deporte moderno. En el Gran Premio Mundial, Brent contará la acción curva a curva con sus análisis tremendamente detallados.

John Lasseter (voz de John Lasseter)

Todo el mundo sabe que esas carreras de élite no serían posible sin la ayuda de los coches que hay en los pits. John Lassetire se incorpora a las filas del Gran Premio Mundial. Es el jefe del pit del nº24 Jeff Gorvette, un campeón norteamericano y un temido rival en las competiciones internacionales.

LOS MALOS

Prozesor Z (voz de Thomas Kretschmann)

El Prozesor Z, conocido como “El Prozesor” es un diseñador de armas buscado internacionalmente con el tamaño pequeño y sofisticado de un coche alemán. Es un científico brillante pero bastante chiflado con monóculo que planea sabotear el Gran Premio Mundial. A pesar de que sus motivos no están claros, el Prozesor Z está dispuesto a superar todos los obstáculos y cumplir su malvado “proyecto”.

Verde (voz de Joe Mantegna)

Verde es un AMC Gremlin de color naranja, abollado y oxidado. Durante muchos años se criticó su diseño. Se llegó a decir que Verde era un "limón". Verde tiene una gran muesca en el guardabarros que le ha llevado a los bajos fondos del espionaje internacional. Como secuaz del malvado Profesor Z, Verde y su compinche As intentan sabotear el Gran Premio Mundial y los famosos coches de carreras que participan en la competición. Verde y As confunden a Mate con un agente americano que tiene información secreta de gran valor. Así que los despiadados limones se dedican a perseguir a Mate por todo el mundo para impedir que frustre su malvado plan.

As (voz de Peter Jacobson)

As siempre se ha sentido un marginado en el mundo del automóvil. El destartalado AMC Pacer verde se une a coches "limón" como secuaces del astuto Profesor Z, cuya misión clandestina es sembrar el caos en el famosísimo Gran Premio Mundial. As tiene que dar caza a los agentes secretos británicos y americanos que han robado información esencial sobre el turbio complot del Profesor Z. Y resulta que su máximo objetivo es Mate, al que han confundido con un espía. As pone gran empeño en ser un tipo duro, pero se pasa muchísimo de rosca si lo comparamos con su cómplice Verde, mucho más sensato.

MÁS CAR-SONAJES GLOBALES

Tío Topolino (voz de Franco Nero)

El Tío Topolino, el tío favorito de Luigi, vive con Mama Topolino, su querida esposa, en el pueblecito de Carsoli, cerca de Porto Corsa, en Italia. El Tío Topolino es el dueño de la tienda de neumáticos del pueblo Allí enseño a Luigi y a Guido todo lo que saben. Les ha dado muy buenos consejos a pesar de que sus conocimientos se limitan a los neumáticos.

Mama Topolino (voz de Vanessa Redgrave)

Para todos los que la conoce, Mama Topolino, la tía de Luigi, es una cocinera consumada con el mejor combustible del pueblo de Carsoli, cerca de Porto Corsa, en Italia. A pesar de que tiene sus más y sus menos con su marido, Tío Topolino, es una fuente inagotable de amor y generosidad para su familia y amigos y alimenta a todos con su delizioso combustible.

Tumba (voz de Michel Michelis)

Tumba es un turbio coche francés con un diseño extraño y muy inestable de tres ruedas. Tiene un puesto de recambios en un mercado parisino, aunque el dudoso origen de su mercancía le ha permitido conocer al agente secreto británico Finn McMissile.

La Reina (voz de Vanessa Redgrave)

La última etapa del Gran Premio Mundial se celebra por las históricas calles de Londres, Inglaterra, así que la Reina está encantada porque Sir Mile Axlerod le ha invitado a presidir la meta. La Reina va pintada en los tonos azules más regios y siempre lleva su enjoyada corona. Es la definición de la compostura y la realeza, pero eso no le impide disfrutar de una competición de primera clase.

Crabby (voz de Sig Hansen)

Crabby es barco de pesca de Seattle, que se ha vuelto muy arisco después de pasar años pescando cangrejos en el turbulento Mar de Bering. El motor de este barco blanco con velas azul marino tiene un motor que funciona con combustible noruego y está registrado oficialmente en el Noroeste de Estados Unidos, aunque sus colegas y rivales le llaman Crabby. Su eslora de 31,40 metros suele estar repleta de cubos de cangrejos, hasta que un misterioso coche azul lo alquila para el transporte a coordenadas extremadamente lejanas en medio del Océano Pacífico – sin ninguna explicación – pero a Crabby no le importa siempre que le paguen.

Entre los coches internacionales de “Cars 2” también se encuentran Okuni, Kingpin Nobunaga, Pinion Tanaka, Zen Master, Topper Deckington III, Chauncy Fares, Sgt. Highgear, Prince Wheeliam y cientos más.

EL MUNDO DE “CARS” EN 3D: CARRERAS DE COCHES EN UNA NUEVA DIMENSIÓN

La tecnología 3D: una experiencia de inmersión para el público

Uno de los adelantos técnicos que ha surgido y que ha hecho suyo el mundo del entretenimiento desde el estreno del primer "Cars" en 2006 es la exhibición en 3D. Y “Cars 2” es la tercera película de Pixar que utiliza este popular formato. Este último estreno de DisneyPixar (después de “Up” y “Toy Story 3”) ofrece al público la posibilidad de disfrutar una maravillosa experiencia: estar en las carreras y sumergirse en los entornos maravillosamente bien diseñados y meticulosamente elaborados de la película.

El director John Lasseter afirma: “Me encanta la tecnología 3D, puede que más que a ningún otro director. ¡Las fotos de mi boda son en 3D! Nuestro cortometraje ‘Knick Knack’ que hicimos en 1989 se realizó en 3D antes de que hubiera cines dotados de esta tecnología. Siempre he creído que nuestro género de la animación por ordenador se adapta perfectamente a este formato.

“‘Cars 2’ — con mentalidad 3D". Y Lasseter continúa diciendo: “Así que para Pixar, una película en 3D no es ninguna novedad. Nos sirve sobre todo para crear un mundo más creíble y envolvente, como una ventana a ese mundo. Y le sacamos el máximo provecho. Creo que cuando ves ‘Cars 2’ en 3D, se nota que le hemos dado muchas vueltas: las cosas son muy reflectantes para que tengan un aspecto deslumbrante, glamuroso, sexy y muy atractivo. Pero todo está muy pensado porque la iluminación tiene muchísima profundidad en 3D. Las calles mojadas, los coches brillantes, los edificios relucientes... ¡Es todo un espectáculo!”

Brad Lewis, codirector, añade: "La película aprovecha al máximo las ventajas del 3D. John está entusiasmado por la forma en el que el 3D puede realizar diferentes tipos de películas. En ‘Cars 2’, Bob Whitehill, nuestro supervisor estereoscópico de 3D ha trabajado de forma paralela a medida que la película iba tomando forma, y creo que al final todo el mundo pensaba en cómo quedaría en 3D. Antes, el 3D era algo en lo que se pensaba al final del proceso, pero ahora está integrado en él. Cuando vemos algo que creemos que quedaría fabuloso en 3D empezamos a explorar de mover la cámara para que sea aún mejor. Está claro que la tecnología 3D puede añadir profundidad y dimensión y aportar más dramatismo a la historia".

“Cars 2” también se exhibirá en IMAX® 3D en cines selectos, ofreciendo a los espectadores una experiencia única que va más allá de la realidad.

“ESTRELLAS DE LA MÚSICA DE ESTADOS UNIDOS, REINO UNIDO, FRANCIA Y JAPÓN SUBEN A BORDO DE "CARS 2"

Talentos de todo el mundo ayudan a crear una aventura aún más global

“Cars 2” está repleto de escenarios globales, carreras vertiginosas, espionaje internacional y de una emotiva fábula sobre la amistad. Además incorpora al compositor Michael Giacchino, ganador de los Oscar® y los Grammy®, y también a Weezer, la banda de rock alternativo ganador de los Premios Grammy®, al músico de country Brad Paisley, al cantante y compositor británico Robbie Williams, un verdadero supervenas, a la superestrella francesa Bénabar y a la potente banda japonesa de pop llamada Perfume. Este elenco internacional "tunea" maravillosamente bien el "tono" de los personajes de "Cars" cuando estos se lanzan a la carretera para realizar un maravilloso tour por todo el mundo en el que vivirán un montón de aventuras épicas.

“Cars 2” es la cuarta banda sonora que Giacchino compone para Pixar. Antes había compuesto la música de “The Incredibles” (Los Increíbles), “Ratatouille” y “Up”, así como media docena de cortometrajes del estudio. “Michael ha compuesto una banda sonora genial", dice el director John Lasseter. Y añade: “No queríamos hacer la típica banda sonora de película de espías. Queríamos que fuera algo muy diferente, un enfoque totalmente nuevo".

“John [Lasseter] conoce la historia", dice Giacchino. “Sabe lo que necesitan y lo que piden los personajes. Así que la música sirve para reflejar las emociones Si Mate se siente marginado, yo puedo traducir ese sentimiento en música. Me encanta trabajar con la gente de Pixar porque todos hablan refiriéndose a la historia, y así es como me gusta trabajar".

La escena de apertura, que se desarrolla en medio del Océano, presenta al superespía británico Finn McMissile. Y para ponerle música, Giacchino recurrió a una pasión de su infancia. El compositor afirma: "La película empieza en un barco y no sabes quién es nadie. ¿Dónde está Mate? ¿Dónde está Rayo?" Y añade: “Cuando vi la escena, me trasladó inmediatamente a cuando tenía 10 años e iba bici escuchando esa música rock sufera... con muchas guitarras. Le toqué a John algo que había escrito y le gustó muchísimo. Y se convirtió en la plantilla de la película".

Giacchino también compuso una canción francesa llamada “Mon coeur fait vroum” (“Mi corazón hace brrrum”). En la película, la canción está interpretada por el popular cantante y compositor francés Bénabar y es una presentación musical de París. La letra de la canción es de Giacchino y Scott Langteau y la adaptación francesa corre a cargo de Boualem Lamhene. El primer álbum de Bénabar con el título del artista, salió en 2001 e inauguró una exitosa carrera para el cantante. En 2006, su álbum “Reprise de Negociations” fue superventas en Europa y le valió varios prestigiosos premios de la industria.

Weezer, la banda americana de rock alternativo con varios discos platino, retoma de forma tremendamente original el éxito de 1984 “You Might Think” (escrita por Ric Ocasek e interpretada por primera vez por The Cars). Weezer apareció en la escena musical en 1992 y hasta la fecha ha sacado nueve álbumes. Brian Bell, de Weezer afirma: “La canción se interpreta en una escena en la que Rayo McQueen y Mate van a Japón. Para nosotros ha sido genial porque en cierto sentido refleja nuestras experiencias en Japón que supusieron un auténtico shock cultural.

Ric [Ocasek] produjo dos de nuestros álbumes y nosotros somos grandes fans de The Cars. Así que nos encantó hacer esta versión. Además supimos que John [Lasseter] es un fan de Weezer y quería que grabásemos la canción. Estaba en el estudio con nosotros y nos transmitió su increíble energía".

Brad Paisley, la superestrella de country ganador de múltiples Grammy y elegido Entertainer del Año por la Asociación de Música Country, contribuyó al éxito de la banda sonora del primer "Cars" con las canciones “Behind the Clouds” (escrita con Frank Rogers) y “Find Yourself”. Ahora regresa con dos nuevas canciones para “Cars 2”. Lasseter afirma: "Brad y yo nos hicimos muy amigos en ‘Cars’. En ‘Cars 2’, él y Robbie [Williams] habían unido sus talentos para hacer una maravillosa canción de rock ’n’ roll. No se parece nada a lo que suele hacer Brad, pero él y Robbie han compuesto una maravillosa canción que refleja la amistad entre McQueen y Mate en los créditos de fin". Paisley añade: "La canción es un prodigio vocal con uno de los artistas con más talento que jamás haya conocido. Me refiero a Robbie Williams. John tuvo la idea de reunir a estos dos mundos, combinando los enfoques británicos y norteamericanos. No es el estilo de ninguno de los dos, pero de eso trata ‘Cars 2’, de lo que ocurre cuando te ves obligado a ir a sitios nuevos. Así que nuestra experiencia corre paralela a la historia".

La canción titulada “Collision of Worlds” está escrita e interpretada como un dueto de Paisley y Williams, el famosísimo cantante y compositor con una fantástica carrera en solitario y también como miembro del grupo Take That. Robbie Williams ha vendido más de 57 millones de copias en todo el mundo y es uno de los artistas británicos con más éxitos de ventas de todos los tiempos. Williams afirma: “Es una canción muy internacional que está inspirada en la película. No existiría si no fuera por la historia. Brad se presentó con su guitarra y un conocimiento básico de cómo quería que sonase la canción. Me tocó algunos acordes y empezamos a darle forma a la canción. Está trufado de expresiones coloquiales de dos países que hablan el mismo idioma pero que no se entienden — hasta ahora”.

Paisley ha escrito e interpreta una segunda canción, titulada “Nobody’s Fool”. Paisley dice: “Está inspirada en la escena más conmovedora de la película, cuando Mate se da cuenta que todo el mundo cree que está haciendo el tonto. Es entonces cuando comprende que no está haciendo el tonto sino que es tonto. Pero Mate también averigua quién es en realidad y esa idea fue una magnífica fuente de inspiración para mí”.

"Polyrhytm", el éxito de Perfume, la banda japonesa de chicas, también se podrá escuchar en la película cuando Rayo y Mate asisten a la gala de inauguración del Gran Premio Mundial en Tokio.

“Cars 2” — la música y la película — llega a los cines de Estados Unidos el 24 de junio de 2011. La banda sonora de Walt Disney Records está disponible a partir del 14 de junio.

PIXAR CELEBRA UN MAGNO ACONTECIMIENTO

El estudio festeja su 25 aniversario

Con 12 increíbles películas y una amplia variedad de cortometrajes y anuncios innovadores e imaginativos a lo largo de 25 años, Pixar Animation Studios tiene un envidiable historial en la taquilla, y ha revolucionado la forma de hacer cine y entretener al público de todo el mundo.

Lasseter declara: “No me puedo creer que hayan pasado 25 años y que ya estemos en nuestra duodécima película. Es muy curioso que 'Cars' se estrenara en nuestro 20º aniversario y 'Cars 2' en el 25º. Pero estoy tremendamente orgulloso de Pixar, muy orgulloso de todas nuestras películas y de todos nuestros personajes. Lo que más me importa es la gente, todas esas familias, todos esos espectadores que disfrutan con nuestras películas. Es muy sencillo: es por eso que hacemos lo que hacemos. Se trata de hacer películas con la máxima calidad. No sólo películas animadas, sino cintas que entretienen de verdad a públicos de todas las edades, géneros y nacionalidades. Ese es nuestro objetivo. Sólo hacemos películas, el tipo de películas que nos gusta ver a nosotros".

Pixar ha recorrido un largo trecho desde su fundación en 1986 cuando Steve Jobs adquirió la división de gráficos por ordenador de Lucasfilm Ltd. por 10 millones de dólares. Entonces fue cuando el estudio fue bautizado con el nombre de “Pixar”. Bajo la batuta de Ed Catmull, John Lasseter y un grupo de narradores, animadores y genios de la tecnología de enorme talento, el estudio sigue subiendo del buen cine.

La historia de amor entre el público de todo el mundo y las películas de Pixar continúa, y “Cars 2” representa uno de los mayores logros de Pixar hasta la fecha.

LOS REALIZADORES

JOHN LASSETER (Director, Historia Original) ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa el aspecto creativo de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos relacionados de los estudios. Lasseter debutó como director en 1995 con “Toy Story” (Toy Story [Juguetes]), el primer largometraje de animación generado por ordenador, y desde entonces ha dirigido “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Cars”.

Entre sus créditos como productor ejecutivo se encuentran “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “The Incredibles” (Los Increíbles), “Ratatouille”, “WALL•E”, “Bolt”, y la película del año pasado aclamada por la crítica “Up” (Up, una aventura en altura), la primera película de animación que inaugura el Festival de Cine de Cannes en toda su historia, y galardonada con dos Premios de la Academia® a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Banda Sonora Original. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “The Princess and the Frog” (Tiana y el Sapo) y “Tangled” (Enredados), así como la película más reciente de Pixar, ganadora de un Premio de la Academia a la Mejor Película Animada y a la Mejor Banda Sonora Original, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Lasseter escribió, dirigió y animó los primeros cortometrajes de Pixar entre los que se encuentran “Luxo Jr.”, “Red’s Dream”, “Tin Toy” y “Knick Knack”. “Luxo Jr.” fue la primera película animada por ordenador en tres dimensiones que resultaba nominada a un Oscar de la Academia® al ser nominada Mejor Cortometraje Animado en 1986; "Tin Toy" fue la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® cuando fue elegida Mejor Cortometraje de Animación en 1988. Lasseter ha sido productor ejecutivo en posteriores cortometrajes del estudio como “Boundin’”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy”, “Day & Night”, y el ganador de un Premio de la Academia®- “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).

Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones por parte de la industria. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story (Juguetes)". Obtuvo también, junto al resto del equipo de guionistas de “Toy Story” (Toy Story. Juguetes), una nominación a los Oscar® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que una película de animación era reconocida en esa categoría.

En 2009, Lasseter fue premiado en el edición número 66 del Festival de Venecia con el León de Oro a toda una carrera. Al año siguiente, recibió el David O. Selznick Achievement Award que concede la Asociación de Productores de América. Fue el primer productor de películas animadas que ha recibido este galardón. Entre otros galardones recibidos por Lasseter cabe destacar el premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que le concedió en 2004 la Asociación de Directores Artísticos y un título honorífico del American Film Institute. Además, en 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación.

BRAD LEWIS (Co-Director, Historia Original) se incorporó a los Estudios de Animación de Pixar en noviembre de 2001, aportando un bagaje de 20 años de cine, teatro, televisión y conocimientos en producción publicitaria. Lewis fue el productor de la película ganadora de un Premio de la Academia® “Ratatouille”, que le valió el Premio al Productor del Año de Películas Animadas por la Asociación de Productores de América.

Antes de Pixar, Lewis pasó 13 años como productor, productor ejecutivo y vicepresidente ejecutivo de producción en Pacific Data Images, una filial de DreamWorks Animation SKG. Fue uno de productores de la película animada “ANTZ” (Hormigaz) y entre sus trabajos como productor figuran “Forces of Nature” (Las fuerzas de la naturaleza), “The Peacemaker” (El Pacificador) y “Broken Arrow" (Alarma nuclear).

Fue productor de especiales de televisión como “The Last Halloween” de Hanna-Barbera, por el cual recibió un Emmy®, y el primer episodio en 3D episode de “The Simpsons” (Los Simpsons). Recibió un segundo Emmy por el diseño gráfico utilizado en “Monday Night Football” de ABC. Además, el notable trabajo en producción de anuncios publicitarios le valió dos codiciados Premios Clio. La primera incursión de

Lewisen la industria del entretenimiento fue como ayudante personal de produción en “The Merv Griffin Show”, y también interpretó en el teatro el papel de un monstruo danzarín en la producción teatral norteamericana de “Sesame Street Live!”

Lewis se licenció en la Universidad Estatal de Fresno en artes escénicas, y vive en San Carlos, California, con su mujer, su hijo y su hija. Fue alcalde de esta ciudad en 2008.

DENISE REAM (Productora) se incorporó a Pixar Animation Studios en octubre de 2006 como productor asociado de "Up", la película premiada por la Academia®. Como productor asociado, trabajó en estrecha colaboración con el productor de la cinta, gestionando el planning, el presupuesto y el personal de la producción. Ream es productora de "Cars 2" de Disney•Pixar’s, cuyo estreno está programado para el 24 de junio de 2011.

Denise Ream se interesó por el área de producción al ver películas como “Apocalypse Now”, “Lawrence of Arabia” (Lawrence de Arabia), “Gone With the Wind” (Lo que el viento se llevó) y “The Wizard of Oz” (El mago de Oz). A Ream le fascinó la creación y la orquestación de la logística de producción de estas películas épicas e inició su carrera en Los Ángeles trabajando con ayudante de producción en películas de bajo presupuesto, anuncios publicitarios, vídeos musicales y películas industriales.

Accedió al mundo de la producción con un trabajo en Boss Film Studios, una compañía de efectos visuales que surgió tras la aparición de Industrial Light and Magic, y especializada en efectos de 65MM. Ream empezó en Boss como agente de compras y terminó como productora comercial. Y trabajando en Boss fue como se enamoró de la animación y los efectos.

Tras cinco años en Boss, Ream se trasladó a trabajar a Industrial Light and Magic donde pasó 13 años en el departamento de producción. Empezó como productora en la división comercial pero pronto abarcó los largometrajes. Durante su estancia en esa compañía, Ream trabajó como productora de efectos visuales y de animación en una serie de proyectos incluyendo “Daylight”, “Eraser”, “Deep Impact”, “Amistad”, “The Adventures of Rocky and Bullwinkle”, “Harry Potter and the Sorcerer’s Stone” (Harry Potter y la piedra filosofal), “Timeline” y “Tears of the Sun” (Lágrimas del sol). Ream también fue productora ejecutiva de animación en “Star Wars: Episode III—Revenge of the Sith” (La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith) y en su último año en ILM fue ejecutiva de producción de “Mission Impossible 3”, “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Piratas del Caribe. El Cofre del Hombre Muerto), “Lady in the Water” (La joven del agua) y “Transformers”.

Denise Raim nació y creció en Los Angeles, California y se graduó en Arte y Literatura inglesa en la Universidad de California, Berkeley. En la actualidad, Ream reside en Mill Valley, California.

BEN QUEEN (Guión Adaptado) empezó a trabajar en la gran pantalla en 2008 con “Cars 2”. Basado en una historia de John Lasseter, Brad Lewis y Dan Fogelman, “Cars 2” es el primer proyecto en el que trabajó Queen para Pixar Animation Studios.

Queen es el autor de “The Art of Cars 2” junto con Karen Paik, con un prólogo de John Lasseter, director de la película.

Queen creó y fue productor ejecutivo de la serie de televisión de Fox titulada “Drive”. Además fue asesor de producción del programa de televisión de CBS “Century City.” Ha desarrollado episodios pilotos para NBC, ABC y Fox, y ha escrito guiones para varios estudios entre los que cabe destacar Warner Bros., New Line, DreamWorks y Universal.

Queen se licenció por la USC School of Cinema-Television y actualmente vive en Los Ángeles con su familia.

MICHAEL GIACCHINO (Compositor) inició su carrera en el cine a los 10 años en el jardín de su casa y después estudió realización cinematográfica en la School of Visual Arts de Nueva York. Después de la universidad, logró un trabajo de marketing en Disney y empezó a estudiar composición musical primero el Juliard y después en la UCLA. Pasó del marketing a productor en Disney Interactive Division donde se contrató a él mismo para componer la música de sus juegos de vídeo. Su trabajo llamó la atención de Steven Spielberg que dijo de él: “Hice lo que hubiera hecho cualquier persona inteligente, le contraté para componer la banda sonora de la película “Medal of Honor” (Medalla de Honor) y así empezó la historia de Giacchino.

El trabajo de Michael en la orquestación de juegos de vídeo también interesó a JJ Abrams, que le contactó por email para componer la banda sonora de “Alias”.Se reunieron y Giacchino consiguió el trabajo. Nació una relación profesional que tuvo continuidad en la serie de enorme éxito “Lost” (Perdidos) que le valió un Emmy® a Giacchino.

Su siguiente banda sonora para el cine fue la de “The Incredibles” (Los Increíbles). Después de eso, siguió componiendo músicas de bombazos de taquilla como “Sky High”, “The Family Stone” (Los Picapiedra), “Mission: Impossible III”, “Ratatouille” y “Star Trek”. El año pasado su banda sonora para el éxito de Disney•Pixar hit “Up” le valió un Oscar®, el punto álgido de una temporada en la que recibió todos los grandes premios por su trabajo en “Up”, incluyendo el Globo de Oro®, el BAFTA, el Broadcast Film Critics' Choice Award y dos Grammy®.

Giacchino acaba de terminar su colaboración en “Super 8” de JJ Abrams, y entre sus próximos proyectos están “Mission Impossible: Ghost Protocol,” dirigida por Brad Bird y “John Carter”, dirigida por Andrew Stanton.

Forma parte del Consejo Asesor de Education Through Music Los Angeles.

NATHAN STANTON (Supervisor de Historia) inició su carrera en Pixar Animation Studios en junio de 1996 como artista de historia de “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura) y desde entonces ha trabajado en muchos éxitos del estudio, Stanton aportó su talento en storyboarding a “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.,” (Monstruos, S.A.) y los largometrajes "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), "Ratatouille" y "WALL•E", galardonados con Premios de la Academia®.

Antes de empezar a trabajar en “Cars 2”, Stanton formó paret del equipo de historia de "Brave" de Pixar que se estrenará en el verano de 2012. Actualmente trabaja en un proyecto de cortometraje.

En el departamento de historia, Stanton y su equipo trabajan muy estrechamente con el director y el guionista de la película (que a menudo son la misma persona) para crear la historia. A través de los storyboards, el equipo visualiza la película en secuencias dibujadas y trabaja en la interpretación, escenificación, composición y edición para crear la película antes de que pase a la fase de animación. Después, otros equipos de Pixar visualizan el montaje de la historia que han creado, y revisa y pule la historia para que sea lo mejor posible.

Como cualquier niño, Stanton creció viendo dibujos animados, películas, films de televisión y leyendo muchísimos cómics. Empezó a dibujar de niño y cuando fue algo mayor comprendió que quería ganarse la vida dibujando. Stanton, al igual que muchos de sus colegas en Pixar, descubrió que podía hacer su sueño realidad en el California Institute of Arts.

Stanton se trasladó a San Francisco en 1992 y enseguida encontró un trabajo de ayudante de animador de 2D en “The Nightmare Before Christmas” (Pesadilla antes de Navidad) en Skellington Productions. Siguió trabajando en Colossal Pictures en una serie de proyectos, y también en animación 2D. Después, Stanton regresó a Skellington Productions para trabajar en “James and the Giant Peach” (James y el melocotón gigante). Después de una breve estancia en Wild Brain Studios, Stanton fue contratado por Pixar.

Stanton nació y creció en Rockport, Mass., y en 1992 se graduó en Bellas Artes en la sección de animación de personajes en el California Institute of Arts. Actualmente vive en Oakland, California con su mujer y sus dos hijos.

HARLEY JESSUP (Diseñador de Producción) se incorporó a Pixar Animation Studios en mayo de 1996 como diseñador de producción de “Monster’s Inc.” (Monstruos, S.A.), el largometraje de estudio de 2001. Jessup volvió a realizar el mismo trabajo en "Ratatouille", ganadora de los Premios de la Academia®. Como diseñador de producción, Jessup dirige un equipo de artistas que crean y diseñan los escenarios y los personajes de cada película.

Jessup empezó su carrera en la animación diseñando “The Adventures of Thelma Thumb” para “Sesame Street” (Barrio Sésamo). Esto le sirvió de plataforma para su trabano de diseñador de producción de “Twice Upon a Time”, una película animada hecha con recortes de papel. Después se incorporó a Lucasfilm como director artístico en varios proyectos de acción real antes de unirse a Industrial light and Magic (ILM) en 1986. Como director artístico de efectos visuales en ILM, Jessup recibió un Premio de la Academia® por su trabajo en “Innerspace” y una nominación a los Premios de la Academia® por “Hook”. Después de ser director creativo en el departamento artístico de ILM, Jessup trabajó como diseñador de producción en el largometraje animado de Disney “James and the Giant Peach” (James y el melocotón gigante), antes de entrar en Pixar.

Además de su trabajo como diseñador para el cine, Jessup ha escrito e ilustrando tres libros infantiles “What’s Alice Up To?” (1997) y “Grandma Summer” (2000), ambos publicados por Viking Children’s Books, y “Welcome to Monstropolis” (2001) basado en “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.) de Pixar.

Nacidoen Oregón, Jessup creció en el Valle de San Joaquín en California y en la zona de la Bahía. En 1976, se graduó en Diseño Gráfico en la Universidad Estatal de Oregón y en 1978 obtuvo un Master en Diseño por Stanford.

En la actualidad, Jessup vive en Marin County, California, con su mujer y sus tres hijos.

APURVA SHAH (Supervisor Técnico de Diseño) se incorporó a Pixar en octubre de 2001, aportando su extensa y valiosa experiencia en efectos visuales y animación. Llegó a Pixar para dirigir un equipo de animadores de efectos para crear una serie de secuencias de "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), ganadora de los Premios de la Academia®. Después, Shah se convirtió en supervisor de efectos en "Ratatouille" también premiada con otro Oscar®. Estuvo implicado en el primer desarrollo técnico de esta película. También aportó su talento a los cortometrajes de Pixar como director de supervisión técnica en “Your Friend the Rat” y “Tokyo Mater”.

Antes de Pixar, Shah ocupó una serie de puestos clave en la industria de los efectos especiales y la animación. En PDI/DreamWorks, fue supervisor de secuencias en “Shrek” y director de efectos en “Antz” (Hormigaz). Shah también creó efectos visuales para las películas de acción real “Batman Forever”, “The Arrival” (Han llegado) y “Broken Arrow.”

(Alarma nuclear). Además de crearlos, Shah también enseña efectos digitales y ha sido profesor en el Art Institute, la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, y en la Ringling School of Art and Design. En Ringling, dio clases de efectos visuales y de técnica de captura en movimiento.

Shah obtuvo un máster en informática en Texas A&M University y se diplomó en ingeniería eléctrica en la Universidad de Bombay. También asistió a clases de arte y cine en la Ringling School of Art and Design durante su estancia como profesor en esa facultad.

SHAWN KRAUSE (Supervisor de Animación) se incorporó a Pixar Animation Studios en octubre de 1994 como animador y artista de layout en "Toy Story", la primera película de Pixar. Después siguió trabajando como animador en una serie de largometrajes de Pixar como “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2”, “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.) y “Cars”. Krause también fue animador en "Finding Nemo" (Buscando a Nemo) y en "The Incredibles" (Los Increíbles), películas galardonadas con Premios de la Academia®. Además de su trabajo en largometrajes, Krause aportó su talento en el campo de la animación al cortometraje “Jack-Jack Attack”, que se estrenó en el DVD de “The Incredibles” (Los Increíbles). Hizo un paréntesis en su trabajo en el cine para dirigir el equipo de animación de “The Seas with Nemo and Friends” una atracción del Epcot Theme Park de Walt Disney World en Florida. Krause fue director de animación en "Up", galardonada con los Oscar®.

Krause era muy aficionado a las películas animadas de Disney y a los cortometrajes de Warner Brothers y eso le motivó a convertirse en animador. También reconoce la influencia de “Mad Magazine”, y los cómics de Carlitos y Popeye. Cuando era pequeño, su padre le enseñó a dibujar a Popeye. Le gustaba muchísimo dibujar pero se enganchó a la animación después de crear 'flip books' animados (libros acordeón o libros fuelle) en todos los cuadernos que encontraba en casa.

Antes de entrar en Pixar, Krause hizo trabajos de freelance para restaurantes locales tras graduarse en la Universidad de Missouri, Columbia en Arte y también en Historia del Arte y Arqueología. Después estudió animación de personajes en el California Institute of the Arts (Cal Arts). Tras pasar un año allí, continuó su carrera en Pixar.

Actualmente, Krause reside en East Bay con su mujer y sus dos hijas.

DAVE MULLINS (Supervisor de Animación) se incorporó a Pixar Animation Studios en septiembre de 2000. Su primer proyecto fue trabajar como animador de preproducción en "Finding Nemo" (Buscando a Nemo), galardonada con los Premios de la Academia® .Después trabajó de animador en una serie de películas de Pixar como “Monsters Inc.” (Monstruos, S.A.), “The Incredibles” (Los Increíbles) y “Ratatouille”. Mullins fue animador de "Cars", ganadora de un Globo de Oro® y del cortometraje “One Man Band”, y trabajó como director de animación en “Up”, galardonada con los Oscar®

Además de su trabajo en los largometrajes y cortometrajes de Pixar, Miller codirigió “Monsters, Inc" (Monstruos, S.A.), anuncios publicitarios para McDonalds, y dirigió anuncios de coches para General Motors.

Mullins era un gran aficionado al cine, a los dibujos animados y al dibujo y siempre quiso convertirse en artista. Mientras estudiaba pintura en una escuela de arte, se encontró un ordenador RISC 6000 en un almacén del laboratorio de informática y aprendió a usarlo él solo. Después de crear su primera animación de un perchero andante, se enganchó a esta disciplina artística. Se graduó en la Rhode Island School of Design en ilustración y logró su primer trabajo en el cine creando anuncios animados para puestos de comida en los cines.

Antes de incorporarse a Pixar, el currículum de Mullins incluye estancias en productoras como Pike Productions, The Post Group, Acclaim Entertainment, Disney Feature Animation, Dream Quest Images, Digital Domain y Sony Pictures Imageworks.

Actualmente, Mullins vive en Kensington, California, con su mujer y sus dos hijos.

SHARON CALAHAN (Directora de Fotografía—Iluminación) se incorporó a Pixar Animation Studios en 1994 como supervisora de iluminación en “Toy Story”, el primer largometraje del estudio. Después fue directora de fotografía en “A Bug's Life” (Bichos. Una aventura en miniatura), “Toy Story 2” y “Finding Nemo” (Buscando a Nemo). Fue directora de fotografía en "Ratatouille", ganadora de los Oscar de la Academia®.

A los tres años, Calahan supo que quería trabajar en Disney. Después estudió diseño gráfico, ilustración y fotografía. Tras finalizar sus estudios, empezó su carrera como directora artística en producción de vídeo y televisión. Antes de incorporarse a Pixar, fue directora de iluminación en Pacific Data Images en anuncios publicitarios y trabajos gráficos para la televisión.

Calahan ha dado numerosas conferencias y clases en los campos de iluminación de personajes, iluminación de planos, y en general en pintura con luz y composición, tanto en Pixar como fuera del estudio.

JEREMY LASKY (Director de Fotografía—Cámara) empezó su carrera en Pixar Animation Studios en agosto de 1997 como artista de layout en “A Bug’s Life” (Bichos. Una aventura en miniatura). Después, trabajó en el departamento de layout de “Toy Story 2” y “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.). Lasky fue director de fotografía en "Cars", galardonada con el Globo de Oro® y las oscarizadas “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “WALL•E” y “Toy Story 3”.

Lasky creció en St. Louis, Missouri y reconoce que le influenciaron películas de ciencia ficción y programas como “Battlestar Galactica” y “Star Wars” (La guerra de las galaxias). Descubrió su pasión por el cine y su interés por la cámara cuando estaba en la universidad.

Lasky se graduó en Bellas Artes en la Rhode Island School of Design, y ahora, como director de fotografía y cámara, crea planos y secuencias que sirven para contar la historia y que realzan los temas de una película.

Lasky y su familia residen en la Bahía de San Francisco.

JAY SHUSTER (Director Artístico de Personajes) se incorporó a Pixar Animation Studios en septiembre de 2002 como diseñador de concepto de "Cars", galardonada con los Globos de Oro®. Tradujo las ideas del director John Lasseter en personajes y entornos de la película. Shuster siguió trabajando como diseñador de personajes en la oscarizada “WALL•E".

Al ser hijo de un diseñador de coches, el dormitorio infantil de Shuster estaba repleto de planos, dibujos, posters, máquinas y maquetas de todo lo relacionado con el transporte mecanizado. Pero hasta que Shuster no vio la primera película de “Star Wars” (La guerra de las galaxias) no supo relacionar sus pasiones con un futuro en la industria del cine.

Antes de entrar en Pixar, Shuster inició su carrera en el cine en Lucasfilm, donde trabajó como artista de concepto. En este papel, diseñó una serie de vehículos y entornos para “Star Wars: Episode I – The Phantom Menace” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I. La amenaza fantasma) y “Star Wars: Episode II – Attack of the Clones” (La Guerra de las Galaxias: Episodio I-El ataque de los clones).

Shuster nació y creció en Birmingham, Michigan y se graduó en 1993 en un programa de diseño industrial del College for Creative Studies en Detroit. Actualmente vive en El Cerrito, California, al otro lado de la Bahía de San Francisco.

JAY WARD (Guardián de la Franquicia “Cars”) se incorporó a Pixar Animation Studios en diciembre de 1998 para trabajar como ayudante en el departamento de producción de la película de 2011, “Monsters, Inc” (Monstruos, S.A.). Enseguida pasó a ocupar el puesto de coordinador, y en 2001 empezó a desarrollar “Cars”, la película de 2006. Durante la producción de "Cars", los conocimientos de Ward sobre el mundo del automóvil le ayudaron a desempeñar varios papeles en la película, incluyendo el de director del equipo de personajes y asesor del director y codirector de la película, John Lasseter y Joe Ranft. Ward sigue aprovechando su amor a los coches y sus pasiones artísticas a la creación de todo lo relacionado con la Franquicia “Cars”.

Antes de incorporarse a Pixar, Ward sirvió en la Reserva Naval de Estados Unidos y asistió al California College of the Arts donde se graduó en bellas artes e ilustración. Su variado bagaje profesional incluye poner y quitar mesas en el instituto, trabajar como guardavía en la Marina estadounidense, operario de abastecimiento de combustible, director del departamento de recambios en Harley Davidson, e ilustrador freelance. Estas experiencias laborales tan dispares le hanpermitido contribuir al enorme éxito de Pixar.

Actualmente reside en Oakland, California, con su mujer y sus dos hijos.

Fuente y fotos: Walt Disney Studios

Brave, la 13ª película de Pixar

2011-06-13T01:22:00.001+02:00

El décimo tercer largometraje animado de Pixar Animation Studios cuenta con las voces de Kelly Macdonald, Emma Thompson, Billy Connolly, Julie Walters,Kevin McKidd, Craig Ferguson y Robbie Coltrane

En "Brave", y de la mano de una valiente e impetuosa heroína, Disney/Pixar vuelve a ponerse en marcha. Y esta vez lo hace por las escarpadas y misteriosas Tierras Altas de Escocia.

Esta aventura cinematográfica, el décimo tercer largometraje de Pixar Animation Studios, está dirigida por Mark Andrews (“The Incredibles” [Los increíbles], “Ratatouille”, “John Carter of Mars”) y Brenda Chapman ("The Lion King" [El Rey León], "Prince of Egypt" [El Príncipe de Egipto]), y producida por Katherine Sarafian (“Lifted” [Abducido], “The Incredibles” [Los increíbles]). “Brave” llega a los cines en verano de 2012.

“‘Brave’ es una aventura épica repleta de acción, humor y sentimientos”, afirma el director Mark Andrews. "No hay un escenario más perfecto que las escarpadas y oscuras Tierras Altas de Escocia. Imagínense: magia, misterio y múltiples peligros... y todo en un paisaje de inquietante belleza. Algo que no se había visto nunca en Pixar”.

En la película, Kelly Macdonald presta su voz a Merida, una habilidosa arquera hija del Rey Fergus (voz de Billy Connolly) y de la Reina Elinor (voz de Emma Thompson). Merida está decidida a labrarse su propio camino en la vida y desafía una costumbre milenaria y sagrada de los ruidosos señores de la tierra: el enorme Lord MacGuffin (voz de Kevin McKidd), el huraño Lord Macintosh (voz de Craig Ferguson) y el cascarrabias Lord Dingwall (voz de Robbie Coltrane). Sin quererlo ni beberlo, las decisiones de Merida desencadenan el caos y la furia en el reino. Y cuando acude a una excéntrica y sabia anciana (voz de Julie Walters) en busca de ayuda, se le concede un desventurado deseo. El enorme peligro que corre obligará a Merida a descubrir el significado del auténtico valor: tendrá que deshacer una terrible maldición antes de que sea demasiado tarde.

“Brave” se estrenará en Disney Digital 3D™.

Fuente y Fotos: Walt Disney Studios

La Balada de Nessie

2011-06-13T01:08:00.001+02:00

"La balada de Nessie", ambientada en las Tierras Altas de Escocia, es un cuento fantástico y muy divertido sobre Nessie, la simpática criatura que vive en el Lago Ness.

Narra cómo ella y su querido amigo el pato de goma MacQuack, se trasladaron a vivir a este remoto paraje que llaman hogar. Pero sus vidas darán un giro inesperado cuando MacFroogle, un codicioso promotor inmobiliario, decide construir un imperio del mini-golf en el hogar de Nessie.

Dirigida por el equipo ganador de un Emmy® compuesto por Stevie Wermers-Skelton y Kevin Deters (“Prep & Landing”, y el cortometraje de Goofy de 2007 “How to Hook Up Your Home Theater” [Cómo conectar tu Home Cinema, por Goofy]), la animación de “La balada de Nessie” está realizada con los clásicos dibujos hechos a mano de Disney.

Escrito por Wermers-Skelton, Deters y Regina Conroy, el cortometraje está producido por Dorothy McKim y Tamara Boutcher, con una banda sonora del ganador de un Oscar® Michael Giacchino (“Ratatouille”, “Up”). La animación de “Nessie” fue supervisada por cinco de los mejores talentos de Disney: Andreas Deja, Mark Henn, Randy Haycock, Dale Baer y Ruben A. Aquino. El cómico escocés Billy Connolly narra la película.

“La balada de Nessie” llega a las pantallas con “Winnie the Pooh”, el último largometraje de Walt Disney Animation Studios que se estrena en algunos países en la primavera de 2011. La fecha de estreno en Estados Unidos es el 15 de julio de 2011.

Fuente y fotos: Walt Disney Studios